Stormy Mondays: «Suitcase Full Of Dreams nace como Alicia en el País de las Maravillas»

Quién iba a decirle hace unos años a Jorge Otero, Pablo A. Bertrand, Dani Menéndez, Danny Montgomery y Rafa Sánchez, que su música acabaría sonando en el espacio. Mucho ha cambiado todo desde entonces, lo que parece seguir igual, es el enorme trabajo que hacen estos músicos, al frente de Stormy Mondays. A punto de acabar el año 2017, los asturianos presentan nuevo disco, «Suitcase Full Of Dreams».

¿Cómo nace Suitcase Full Of Dreams?

Como Alicia en el País de las Maravillas: comenzamos en el principio, y cuando llegamos al final, paramos.

¿Cómo ha sido grabarlo de principio a fin en vuestro propio estudio?, ¿qué ha supuesto para vosotros?

Lo hemos disfrutado mucho, tenemos un estudio fantástico y yo tenía muchas ganas de encargarme de principio a fin de todo. El estudio propio es siempre un arma de doble filo: se trabaja muy a gusto, pero acabas tardando muchísimo más de lo que pensabas en acabar el trabajo.

¿Por qué innovar en el formato y publicar el CD + vinilo en uno?

Descubrimos que existía el formato, que apenas había sido utilizado en el mundo, y que la fábrica tenía un representante en Asturias. No podíamos perder esa oportunidad.

¿Qué ha supuesto para vosotros ser pioneros en este aspecto?

Como todo lo que hacemos, lo hacemos porque nos gusta a nosotros, y con el deseo de que guste a más gente. Nos alegramos de haber podido fabricar un artefacto que sea digno de hacerle un hueco en la estantería.

¿Por qué limitar tanto la edición, y publicar tan solo 500 ejemplares?

Es una forma más de hacerlo especial. Me ha tocado numerar los 500 ejemplares a mano, así que a punto estuve de arrepentirme de la idea…

Suenan varios estilos en este álbum: Rock, Folk Rock, Americana y Soul. ¿Una manerade huir de las etiquetas o de buscar un sonido propio?

En realidad es la mejor forma que se nos ocurre para etiquetar lo que creemos que es un sonido propio, enmarcado en esos estilos.

¿Por qué abrir con un tema cantado en inglés y asturiano?, ¿cómo surge?

Es una idea que ya teníamos para el anterior disco, pero no teníamos la canción adecuada. Lo importante de estas cosas es que fluyan de forma natural, y con “Suitcase Full Of Dreams” vimos que eso ocurría. Según nos dicen, es la primera canción que se publica combinando estos dos idiomas, pensábamos que ya lo habría hecho alguien más, pero no.

Afirmáis lo siguiente: “No hacemos comida rápida; nuestra música está cocinada a fuego lento”. Sin embargo, éste es el décimoquinto álbum de vuestra carrera. ¿Cómo habéis evolucionado vosotros?, ¿ha cambiado algo en vuestra manera de hacer y concebir la música?

Hacemos la música que nos gustaría escuchar a nosotros. Eso no ha cambiado desde el primer disco. Nos gusta la música hecha por personas y no por máquinas, nos gusta tocar juntos en el estudio.

Por tanto, ¿qué balance hacéis de vuestra carrera?

Dicen que los éxitos repentinos requieren años de preparación. No sé si llegará el éxito repentino, pero el camino que hemos recorrido ha sido fantástico. No lo cambiaría por el éxito comercial.

Importancia del diseño de la portada, en la que aparece un Cadillac del 55, que perteneció a Ava Gardner.

Nos gusta que los discos sigan siendo objetos físicos, nos gusta tenerlos en la mano, admirar las portadas. Nos enteramos de que este coche estaba en Asturias y supimos que debía estar en nuestra portada. Nuestro fotógrafo de siempre, Carlos Garna, hizo un trabajo estupendo, una vez más.

¿Cómo fue el trabajo de masterización en Londres?

En esta ocasión fue especialmente interesante, ya que pudimos escuchar nuestro trabajo con Tim Young, en sus altavoces de casi dos metros de altura, y ver que realmente sonaba muy bien. Fue la prueba de fuego de nuestro estudio. A Tim le gustó mucho, salimos de allí encantados.

Volviendo un poco la vista atrás: ¿qué significó para vosotros que vuestra música llegara al espacio y cómo se dio dicha oportunidad?

Imagínate: ¡ser parte, aunque ínfima, de la carrera espacial! Nos enteramos de que la NASA convocaba un concurso para despertar a los astronautas del Endeavour con una canción. Se presentaron 1350 de todo el mundo, y acabamos ganando nosotros. ¡Increíble!

¿Siguientes pasos de Stormy Mondays?

Nos gustaría mucho presentar el disco en Madrid este invierno, a ver si se nos logra.

Para cerrar la entrevista: ¿qué canciones de otras bandas no faltan cuando viajáis y estáis de gira?

En nuestros conciertos siempre nos gusta tocar alguna versión. En los últimos años: Van Morrison, Beatles, Rolling Stones, Waterboys, Dan Baird, Tom Petty.


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Nastasia Zürcher: «My flight ha supuesto dar un paso con el que llevaba toda la vida soñando»

Es la reciente ganadora del Premio Martín Códax da Música 2016, en la categoría Blues, Funk & Soul. Además, también se ha alzado con el primer galardón en el I Certamen de Canción de Autor en Galego, con su tema «Voar». Sin embargo, Nastasia Zürcher se ha sumergido ahora en una nueva aventura: la presentación de su primer LP, «My flight». Un trabajo que llega a escenarios madrileños, el próximo 16 de octubre en El Intruso.

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¿Cómo empieza Nastasia Zürcher en el mundo de la música?

Pues de forma muy natural, la verdad. Nací en una familia de músicos y amantes de las artes, lo que hizo que desde muy pequeña estuviera inmersa en universos muy musicales. Mi abuela era arpista y profesora de piano, mi papá es pianista, compositor de bandas sonoras para teatro y cine. También es profesor de MIDI y últimamente está muy metido en todo el tema de dibujos animados, muy enriquecedor todo. Así que desde que llegué a este mundo, ese fue mi día a día: escuchar y descubrir.

¿Qué estilo musical te define más como artista?

Quizás el neo soul o neo pop soul, junto con world music serían los dos grandes estilos generales. Mi manera de cantar es muy negra, pero a la vez juego mucho con registros suaves, más limpios, incluso con agudos y armonías más propias de las músicas del mundo.

Este año, fuiste ganadora de la categoría Blues, Funk & Soul en los III Premios Martín Códax da Música. ¿Qué sentiste al conocer la noticia?

¡Fue una alegría inmensa, la verdad! Como quien dice, con este proyecto como solista, acabo de llegar al panorama musical, así que tus compañeras y compañeros de profesión reconozcan y valoren tu trabajo con este pedazo de premio, desde luego es una motivación muy grande. Y ya hablando del momento mismo en el que dijeron: «La ganadora es…Nastasia Zürcher», pues claro, luego no conseguía quedarme quieta en el asiento durante el resto de la gala. Mi madre me daba pequeños codazos para que dejase de mirar al suelo, la botella (bueno, botellón…) y escultura del premio.

¿Cómo fue presentar el tema «Voar», incluido en el disco, en el I Certamen de Canción de Autor en Galego?

Realmente era y es la única canción en gallego del disco, así que no hubo más opciones de repertorio propio. Era o todo o nada, y al final, fue y mucho. ¡Una alegría!

Además, ganaste el primer galardón. ¿Qué significa este premio para ti?

Pues mucha alegría ver que tu trabajo gusta y llega. Es un tema muy personal, pero a la vez con una temática que, pienso, a todos nos ocupa la mente y corazón en algún momento de nuestra vida. Ver que la gente conecta con el mensaje y esencia de tus creaciones, es el mayor de los reconocimientos.

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¿Qué ha supuesto para ti publicar tu primer LP, «My flight»?

¡Wow! Pues un paso con el que llevaba casi toda la vida soñando, algo que, hasta que ves que es real, que estás grabando, luego editando, que eliges portada del disco, que anuncias fecha de lanzamiento, parece como casi utópico. Y desde luego, a nivel profesional, ha sido y es de las cosas más enriquecedoras que he hecho hasta la fecha. Cada día es un master en aprendizaje.

¿Podrías definirlo en pocas palabras?

Me gusta definirlo como ecléctico, atrevido y sobre todo muy auténtico. Fue creado en absoluta libertad creativa por mi parte, dejándome fluir en todo momento por lo que sentía, es un trabajo muy sincero.

¿Cómo fue el proceso de grabación?

Además de muy emocionante, fue realmente bueno y perfecto para un estreno en dicha aventura profesional. Lo grabamos en Baeza (Andalucía), en los Estudios Alisrecords junto a Pachi García, que es el coproductor artístico y quién también se encargó de la mezcla y mastering. Ha sido muy productivo y divertido trabajar con Pachi, creo que entendió muy bien desde el principio lo que necesitaba (y que era mucho menos de lo que yo pensaba que necesitaba!), así que una vez establecidos los roles, lo grabamos en dos viajes a lo largo del verano 2015.

¿Cómo te sientes ante la inminente presentación de tu disco en Madrid?

¡Con unas ganas tremendas de que llegue la fecha! Llevaba tiempo deseando estrenarme con este formato tan especial en la capital, ciudad en la que además viví durante dos años y la cual me encantó y sorprendió para bien. Ahora toca compartir el camino hecho, el trabajo materializado, y las ganas, la verdad, que son inmensas.

¿Qué supone para ti compartir escenario junto a Beat Trío, el 16 de octubre?

Como decía es un formato muy especial al que le tengo un cariño muy grande. Juntos mis temas evolucionaron y cobraron todavía más personalidad. Estoy muy a gusto con el trío, tanto a nivel instrumentación, la cual me encanta, como a nivel personal. Mis dos compañeros de aventuras son pura maravilla, es una gozada construir y evolucionar con y junto a ellos!

¿Y qué significa para ti actuar junto a la artista invitada, Ana Santa?

Ya ves, nivelón que nos acompañará el 16 de octubre en el Intruso. Conocí a Ana hace poco más de medio año, y la verdad es que me encanta su rollo y manera de cantar. Creo además que encaja perfectamente en el formato Beat Trío, así que promete ser una noche muy emocionante.

¿Cuál es el siguiente paso, tras la presentación en la capital?

Estamos ahora con la gira de otoño, en la que actuaremos en varias ciudades de Galicia y en Madrid el 16 de octubre. Tuvimos un verano muy bueno a nivel de bolos, así que seguir la onda en la que estamos y expandir cada día más el proyecto. También estoy muy metida en la composición del segundo disco, el cual llegará para finales de 2017 si todo sigue su curso natural.

LOS TEMAS DE NASTASIA ZÜRCHER

How come you don’t call me, de Prince y cantado por Alicia Keys, allá por 2001.

To Zion, mítica y tan perfecta canción de Lauryn Hill.

Talking, de Fuel Fandango.

Stop your step!, de Verónica Ferreiro.

90s Music, de Kimbra.


La música de Maleso

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Jerez de la Frontera fue la ciudad que lo vio nacer y allí es donde Maleso empezó a actuar con tan solo 15 años. Sin embargo, fue Sevilla la tierra en la que el artista creció musicalmente. Tiernos Mancebos y Las Balas fueron las bandas que marcaron el inicio en solitario de Maleso.

Pregunta. ¿Cómo nace Maleso?, ¿por qué ese nombre?

Respuesta. Durante gran parte de los 90 y hasta prácticamente el 2007-2008 fui perdiendo el interés por componer canciones. Veía que lo único que funcionaba eran los grupos de versiones y no parecía que mis temas pudieran interesar a nadie. Con el auge de internet y las facilidades que da la informática da para tener un estudio en tu casa, comencé a grabar algunas canciones que tenía y, cuando vi que juntaba 12, pensé en publicarlas en solitario en internet. Mi propio nombre, Martín León, ya lo usa un cantante canadiense, así que se me ocurrió Maleso, juntando las dos primeras letras de mi nombre y apellidos.

P. ¿Qué estilo te define como artista?

R. Yo no sabría definirme. Me gustan muchos tipos de música y me atrevo con demasiados de ellos. Cuando empecé con Maleso tendía más al pop, a sonidos de los 60 (Beatles, Beach Boys) y de los 80 españoles. Se fueron introduciendo algunos ramalazos de country y mi tercer disco (Sabor campestre y del Oeste Americano) fue un paréntesis exclusivamente country. También han aparecido en mi música tanto rock, como sonidos más acústicos. En mi disco anterior “No es Maleso”, la cosa se desmadró aún más y había foxtrot, bossa nova, pseudo copla y hasta una sevillana. Para este último que presento (Adiós para siempre, nos vemos mañana) he recogido un poco velas y está más centrado en pop y estilos adyacentes. Como musicalmente hay muchas influencias, quizás sean las letras las que le dan a lo que hago el sabor Maleso.

P. Gustándote el soul, ¿no te has planteado explorar este género?

R. Sí, claro, tengo mi banda de soul (Soul Mama), con la que solemos hacer versiones de clásicos. También he compuesto algunas canciones souleras, lo que ocurre es que la voz no me da para un estilo tan exigente, así que con Maleso no lo practico.

P. Siete LPs autograbados, autoeditados y auto promocionados. ¿Por qué hacerlo todo uno mismo?, ¿qué ventajas e inconvenientes tiene ser independiente en este sentido?

R. La verdad es que lo hago casi todo yo porque no tengo quien esté interesado en mover mi historia, que no cuadra con los canales comerciales. De todos modos, la tendencia es cada vez más a que los propios músicos se tengan que encargar de todo. Esto es bueno porque el producto final es responsabilidad tuya y tu eres quien decide, y malo porque te obliga a saber de todo y a dedicar una cantidad de energía notable a aspectos no estrictamente musicales. Yo tengo la suerte de contar con Priscila Gago para hacer los vídeos, eso me ha salvado de retirarme por agotamiento. Hay días que querría tener una casa de discos que se encargara de la promoción, como ocurría antes, y otros en los que recuerdo lo frustrante que era no tener control sobre tu obra.

P. En tu último trabajo, hay críticas al sistema judicial, al ferroviario, también hablas del amor. ¿Qué importancia tiene la crítica para ti?

R. Mis dos primeros discos eran muy centrados en las relaciones personales y esas cosas. Ya a partir del tercero, la situación que vivimos empezó a infiltrarse en las canciones y aparecieron “canciones-protesta” como “Candado en el contenedor”, “Canción protesta nº 625” o “Pajaritos cabreados”. . Para este último disco he recopilado ocho canciones de desamor. Los ramalazos críticos que has detectados creo que son más una autoburla que otra cosa. Me he permitido, con el permiso de la realidad, darle unas vacaciones a la canción protesta y mirarme el ombligo un rato.

imageP. ¿Puede la música cambiar la situación actual?

R. La música, efectivamente, puede cambiar las cosas a mejor. En este tiempo en el que todas las certezas van cayendo y no hay esperanza que no sufra una traición, la música te da un refugio de verdad y belleza que no depende del paso del tiempo. El reto que tenemos los músicos es hacer música que no solo sea de calidad sino que además le llegue a la gente y sea capaz de sacarla de la comodidad y enseñarle un mundo que no conoce. Esto ocurrió en los 60 en Estados Unidos con la Motown, por ejemplo.

P. ¿Por qué tu LP es un hallazgo?

R. Estoy particularmente feliz con este disco. Es el primero que hago con una temática definida y unitaria. En cierto modo cierra un ciclo musical y personal. Por otro lado, cualquiera puede identificarse con lo que cuentan las letras, que aún así van mucho mas allá de los clichés habituales. Musicalmente está muy trabajado pero buscando siempre la simplicidad en los arreglos.

P. ¿Por dónde pasarás para presentar tu nuevo trabajo?

R. No soy mucho de tocar en directo y tal como está la cosa en las salas no tengo en principio planes de tocar por ahí.

RECOMENDACIONES DE MALESO

Dock Of The Bay  – Otis Redding. El ejemplo de que menos es más. Con una ejecución vocal e instrumental espartanas e impecables, un estilo inédito y el alma de una persona al alcance de tus oídos.

You’re the Top – Cole Porter. Es un poco todo lo contrario de la anterior: exhuberancia y desmadre en música y letra. La canción es tan inteligente que ha complido sus 80 años sin que le hayan salido patas de gallo.

Reir y llorar – Kiko Veneno. Muchas otras de Kiko Veneno podrían estar en esta lista pero desde que oí la frase “La Coca-Cola siempre es igual pero yo no, yo puedo cambiar” en mi cerebro se derrumbó la separación entre poesía y vida cotidiana.

Help – Lennon y McCartney. De lo primero que oí de los Beatles. La entrada de las voces, el arreglo de coros, la letra, el riff de guitarra, la voz solista de Lennon, imposible acertar más veces en dos minutos y dieciocho segundos

God Only Knows – Brian Wilson y Tony Asher. La canción se merece una entrevista entera para ella sola. Un objetivo a imitar que tiene el inconveniente de ser inimitable.


Puro soul con Freedonia

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Una escuela de música los unió. El amor por el soul y el deseo de tener vacaciones, hicieron que los miembros Freedonia empezaran su andadura artística, tocando en diversos locales y ganando algo de dinero. Nueve componentes que se fueron juntando poco a poco, y que no han dejado de evolucionar desde el mismo día en el que se reunieron por primera vez. Ritmos y voces desgarradoras que convergen para darle otro punto de vista al soul y erizar a quien los escuche.

Pregunta. Freedonia está formado por nueve miembros. ¿A la hora de componer canciones no resulta complicado coordinarse?

Respuesta. Alguien trae esbozada una idea y esta va sufriendo aportaciones o modificaciones de todos hasta que el tema está listo para ser grabado. Después, cla adaptamos al directo, de manera que la misma canción sigue en constante evolución, o a veces no. Al principio es complicado, pero a medida que vas encontrando caminos para coordinarte y llegar a consensos, compruebas que los resultados son mucho mejores y a gusto de todos.

P. ¿Qué tiene el soul que no tengan otros estilos musicales?

R. El soul es muy sincero y es un estilo muy popular que parte de las músicas afroamericanas de más raíz, llega directamente a los sentimientos y de él parten multitud de estilos que tenemos muy marcados, como el funk, el pop o el rock. Estamos todos mucho más influenciados por el soul de lo que a priori pueda parecernos.

P. ¿Cómo es el proceso de creación de Freedonia?, ¿por qué centrarse en producir singles?

R. Es un proceso colectivo que respeta la individualidad, es muy emocionante vernos todos reflejados. Nuestra forma de entender la edición es muy tradicional, nos gusta grabar en analógico y editar en vinilo porque entendemos que así se dan las condiciones optimas de escucha del producto. Por supuesto también tenemos soportes digitales (CD, mp3), pero son los analógicos los que realmente plasman la fuerza que queremos en nuestras producciones, y desde ese prisma, el single es algo muy importante, ya que nos sirve para destacar uno de los temas del álbum – incluso dando una versión de máster distinta – y editar alguna rareza escondida en la cara B. Como decíamos es algo tradicional del estilo y nos gusta retomarlo.

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P. ¿Qué os aporta trabajar de manera diferente a las discográficas y de forma más independiente?

R. Hay muchos tipos de sellos discográficos y no todos tienen una intención mal interesada. El hecho de trabajar de forma independiente nos da la posibilidad de controlar el producto final y asegurarnos de que éste sea lo que realmente nos gusta, tanto en lo musical como en el art – work o el diseño de portada. Para nuestros discos y singles hemos contado con la ayuda de Sweet Records y sus estudios, Funkameba, que funcionan de forma independiente y nos han ayudado mucho para conseguir nuestros propósitos.

P. ¿Por qué recurrir a la autofinanciación?

R. Autofinanciarnos es la única opción viable que barajamos para mantener nuestro proyecto vivo y bajo control. Es nuestro público quien nos financia, lo hicieron a través de crowdfunding con el primer disco. Nosotros intentamos hacer sostenible el proyecto para poder dar conciertos, editar con nuestros propios recursos los siguientes discos, mejorar los shows…Es un camino duro, pero de esta forma solo nos debemos a ellos y a nosotros mismos.

P. ¿Esperabais tal éxito con vuestro primer disco, «Freedonia»?

R. Siempre es un halago que guste y se reconozca el trabajo que hacemos, y en ese sentido estamos muy felices con la respuesta de nuestros dos discos. «Dignity and Freedom» está teniendo también muy buena acogida y eso nos hace pensar que estamos en buen camino, pero tenemos muy presente que hay que seguir mejorando y que trabajar duro es la única opción.

P. ¿Hasta qué punto «Dignity and Freedom» es una declaración de intenciones?

R. Hasta el punto más literal del significado de esas palabras. No somos en absoluto ajenos a lo que nos rodea y creemos que hay que poner en valor esos dos conceptos, siempre y ahora más que nunca.

P. ¿Qué supuso para vosotros actuar en Los Conciertos de Radio3?

R. Un concierto en televisión siempre es una difusión importante de nuestro trabajo. Lamentablemente hay pocos espacios para la difusión de la música y Radio 3 es uno de esos oasis en el desierto, estamos muy agradecidos.

P. Para acabar, ¿podríais hacerme un ránking con las cinco canciones, que en vuestra opinión, han marcado la historia de la música?

R. Es muy complicado decidir qué cinco canciones han marcado más la historia de la música. Por un lado, la historia de la música es realmente grande y las canciones muchas, y por otro, los sentimientos que aporta una canción son muy subjetivos. Animamos a explorar los catálogos de sellos como Stax, Motown y Atlantic. O tomar algún libro, como por ejemplo la «Historia-Guía del Soul» de Luis Lapuente (Dr Soul), y escuchar a los artistas a través de cualquiera de las plataformas actuales de internet. Esta es una aventura muy interesante y enriquecedora.


El mundo de Ele

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Compositora y cantante. Ella es Elena Iturrieta, Ele. Con una mezcla de folk, soul, rhythm and blues y góspel, la artista aterriza en el panorama musical con su primer trabajo Summer Rain. Pero, ¿quién es Elena? “Sencillamente soy yo. No hay caretas ni máscaras. Pienso que cuando sacas adelante un proyecto tan personal, como para mí es la música, lo que haces es mostrarte cómo eres”.

Entrar en el mundo de la música

La educación y la música van de la mano en la vida de Elena. Aunque no ha dejado de hacer su trabajo, el ámbito artístico se ha ido haciendo hueco en su día a día. “Poco a poco, me fui dando cuenta de que disfrutaba mucho con la música”, cuenta la artista. Pero aun necesitaba un último empujón, ese que termina siendo decisivo, el que hace que elijas un camino u otro. “De hecho, cuando entré en este gran mundo, me dije: a ver qué pasa”, añade. La suerte nunca viene sola, pero con su talento, el éxito fue llegando. Pablo Cebrián se encargó de la producción del primer trabajo de Ele, Summer Rain. “Pablo me ha apoyado mucho, porque desde el principio supo lo que quería, lo que necesitaba y me ayudó a mejorar. Una vez terminado el disco, me ofreció firmar con Arcadia Music y acepté”, cuenta Elena. “La verdad es que con esta discográfica, me ha tocado la lotería. En todo momento han respetado mis decisiones como artista”, asegura.

Las influencias

No estancarte en un estilo musical. Esa es la clave del éxito de muchos artistas, músicos, compositores o cantantes. Dejarse llevar por melodías y letras diferentes: da igual soul, pop, rock o heavy. Lo importante es escuchar canciones que te transmitan alguna sensación. “Lo realmente importante es tener tu propia manera de hacer las cosas. Lo que te rodea, lo que escuchas y lo que vives es lo que termina influyéndote”. Ele ha evolucionado con un repertorio que va desde Leonard Cohen a Bruce Springsteen. Esta versatilidad a la hora de escuchar música, convierte el trabajo de Elena en una enorme confluencia de géneros.

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Summer Rain

“Este disco es muy especial, porque es el primero que compongo. Tenía muchas ganas de grabarlo y publicarlo”, cuenta Elena Iturrieta. Un trabajo muy cuidado, con unas letras y unas melodías igual de importantes. Cada canción es un mundo. En Positivity y A Thousand Miles Away From You, el coro góspel se convierte en el máximo acompañante de Ele. Daniel and Charlie destaca por sus influencias del jazz de Nueva Orleans, también conocido como dixieland. Otros temas como Calling You, cantado a capella, reflejan el dolor humano ante las pérdidas. “Me encantaría que la gente escuchara Summer Rain y sacara sus propias conclusiones”, anhela la artista. Sin duda, un disco del que no se puede hablar. Sencillamente, hay que sentarse a escuchar.


“Todo el mundo hace su arte” – Elena Iturrieta

 

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