Stormy Mondays: «Suitcase Full Of Dreams nace como Alicia en el País de las Maravillas»

Quién iba a decirle hace unos años a Jorge Otero, Pablo A. Bertrand, Dani Menéndez, Danny Montgomery y Rafa Sánchez, que su música acabaría sonando en el espacio. Mucho ha cambiado todo desde entonces, lo que parece seguir igual, es el enorme trabajo que hacen estos músicos, al frente de Stormy Mondays. A punto de acabar el año 2017, los asturianos presentan nuevo disco, «Suitcase Full Of Dreams».

¿Cómo nace Suitcase Full Of Dreams?

Como Alicia en el País de las Maravillas: comenzamos en el principio, y cuando llegamos al final, paramos.

¿Cómo ha sido grabarlo de principio a fin en vuestro propio estudio?, ¿qué ha supuesto para vosotros?

Lo hemos disfrutado mucho, tenemos un estudio fantástico y yo tenía muchas ganas de encargarme de principio a fin de todo. El estudio propio es siempre un arma de doble filo: se trabaja muy a gusto, pero acabas tardando muchísimo más de lo que pensabas en acabar el trabajo.

¿Por qué innovar en el formato y publicar el CD + vinilo en uno?

Descubrimos que existía el formato, que apenas había sido utilizado en el mundo, y que la fábrica tenía un representante en Asturias. No podíamos perder esa oportunidad.

¿Qué ha supuesto para vosotros ser pioneros en este aspecto?

Como todo lo que hacemos, lo hacemos porque nos gusta a nosotros, y con el deseo de que guste a más gente. Nos alegramos de haber podido fabricar un artefacto que sea digno de hacerle un hueco en la estantería.

¿Por qué limitar tanto la edición, y publicar tan solo 500 ejemplares?

Es una forma más de hacerlo especial. Me ha tocado numerar los 500 ejemplares a mano, así que a punto estuve de arrepentirme de la idea…

Suenan varios estilos en este álbum: Rock, Folk Rock, Americana y Soul. ¿Una manerade huir de las etiquetas o de buscar un sonido propio?

En realidad es la mejor forma que se nos ocurre para etiquetar lo que creemos que es un sonido propio, enmarcado en esos estilos.

¿Por qué abrir con un tema cantado en inglés y asturiano?, ¿cómo surge?

Es una idea que ya teníamos para el anterior disco, pero no teníamos la canción adecuada. Lo importante de estas cosas es que fluyan de forma natural, y con “Suitcase Full Of Dreams” vimos que eso ocurría. Según nos dicen, es la primera canción que se publica combinando estos dos idiomas, pensábamos que ya lo habría hecho alguien más, pero no.

Afirmáis lo siguiente: “No hacemos comida rápida; nuestra música está cocinada a fuego lento”. Sin embargo, éste es el décimoquinto álbum de vuestra carrera. ¿Cómo habéis evolucionado vosotros?, ¿ha cambiado algo en vuestra manera de hacer y concebir la música?

Hacemos la música que nos gustaría escuchar a nosotros. Eso no ha cambiado desde el primer disco. Nos gusta la música hecha por personas y no por máquinas, nos gusta tocar juntos en el estudio.

Por tanto, ¿qué balance hacéis de vuestra carrera?

Dicen que los éxitos repentinos requieren años de preparación. No sé si llegará el éxito repentino, pero el camino que hemos recorrido ha sido fantástico. No lo cambiaría por el éxito comercial.

Importancia del diseño de la portada, en la que aparece un Cadillac del 55, que perteneció a Ava Gardner.

Nos gusta que los discos sigan siendo objetos físicos, nos gusta tenerlos en la mano, admirar las portadas. Nos enteramos de que este coche estaba en Asturias y supimos que debía estar en nuestra portada. Nuestro fotógrafo de siempre, Carlos Garna, hizo un trabajo estupendo, una vez más.

¿Cómo fue el trabajo de masterización en Londres?

En esta ocasión fue especialmente interesante, ya que pudimos escuchar nuestro trabajo con Tim Young, en sus altavoces de casi dos metros de altura, y ver que realmente sonaba muy bien. Fue la prueba de fuego de nuestro estudio. A Tim le gustó mucho, salimos de allí encantados.

Volviendo un poco la vista atrás: ¿qué significó para vosotros que vuestra música llegara al espacio y cómo se dio dicha oportunidad?

Imagínate: ¡ser parte, aunque ínfima, de la carrera espacial! Nos enteramos de que la NASA convocaba un concurso para despertar a los astronautas del Endeavour con una canción. Se presentaron 1350 de todo el mundo, y acabamos ganando nosotros. ¡Increíble!

¿Siguientes pasos de Stormy Mondays?

Nos gustaría mucho presentar el disco en Madrid este invierno, a ver si se nos logra.

Para cerrar la entrevista: ¿qué canciones de otras bandas no faltan cuando viajáis y estáis de gira?

En nuestros conciertos siempre nos gusta tocar alguna versión. En los últimos años: Van Morrison, Beatles, Rolling Stones, Waterboys, Dan Baird, Tom Petty.


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«Nada que perder», el álbum más brutal y contundente de Fullresistance

En 2003, comenzaban las andadas en el mundo de la música. Tras catorce años y tres discos después, Fullresistance se plantan esta noche en la Sala Trashcan (Madrid), para presentar su cuarto trabajo «Nada que perder». Nueve temas, producidos bajo la atenta mirada de Alberto Marín (Def con Dos o Ankhara), que defenderán por primera vez en la capital.

Y es que Javier Samper, Iván Navarre Crespo, Miguel Ángel Samper, Pedro Javier Agustín y Alberto Izquierdo llegan dispuestos a todo.

Pregunta. ¿Por qué Fullresistance?

Fullresistance. Nosotros en un principio buscábamos un nombre que reflejara nuestra filosofía de hacer música y con Fullresistance lo conseguimos, ya que significa resistencia total. Además, nos sonaba bien y a la gente también se le quedaba fácilmente.

P. Filosofía de Fullresistance

F. Rock&Roll. Seguir haciendo lo que nos gusta, cueste lo que cueste y le pese a quien le pese. La música como modo de vida. Hacer nuestro trabajo lo más profesional que podamos y hacer disfrutar a la gente en los conciertos. Y pelear.

P. ¿De qué manera ha cambiado Fullresistance desde que empezó?

F. Musicalmente tenemos muchas influencias. Desde metal hasta el rock, pasando por el thrash. Todos aportamos nuestras ideas y el poso está ahí. Entonces, ¿cómo hemos evolucionado? Al principio, el grupo era mucho más rockero. Ahora, cada vez pesan más las composiciones metaleras. Siempre hemos sido rockeros y metaleros, pero el cambio nos lo ha pedido el cuerpo.

P. ¿Cómo se forja «Nada que perder»?

F. Después de casi dos años con la gira de «Dos minutos más», decidimos parar. No queríamos estar forzados a componer y a hacer directos a la vez. Quisimos disfrutar de cada momento. Así que tras el parón, empezamos a componer nuevos temas. Y en cosa de un año, ya teníamos todas las canciones de «Nada que perder».

P. ¿Cómo fue trabajar con Alberto Marín?

F. Una pasada. Trabajar con músicos del nivel de Alberto es increíble, no solo por la visión profesional que pueden aportarte. A nivel personal fue impresionante también, por la rapidez con la que ha conectado con nosotros. Estamos muy contentos. Contar con Alberto Marín es una de las mejores cosas que ha podido hacer Fullresistance.

P. ¿Hasta qué punto son importantes las letras en Fullresistance?

F. No es de lo menos relevante, pero somos un grupo muy guitarrero. Nos centramos más en el sonido, en las guitarras y en las bases. Javier, el vocalista, es quien se encarga de las letras y son un poco ambiguas. Habla de vivencias, de ocurrencias, que no siempre tienen por qué haberle pasado a él. Si bien es cierto que también tenemos algunos temas reivindicativos.

P. ¿Cómo afrontáis la nueva gira?

F. La afrontamos con muchas ganas. Sobre todo el concierto de Madrid, porque es una ciudad señalada. Principalmente para las bandas que no somos de aquí. Tenemos mucha ilusión con esta nueva gira, ya que el punto culminante siempre es llevar al directo nuestro disco y poder defender las nuevas canciones. Trataremos de tocar en el mayor número de lugares.

P. Recta final: definición de «Nada que perder» en dos o tres palabras.

F. Brutal. Contundente.


Distrito Rojo: «Este disco es sincero, directo, fresquito. Son diez canciones de rock con letras bastante íntimas»

Tarragona fue testigo del nacimiento de Distrito Rojo, banda de rock formada por Xavi Moreno, Albert Paredes, Joan Claver y Jordi Busquets. Tras varios proyectos fallidos, las ganas de seguir componiendo fueron más grandes. Y hasta ahora. Actualmente, los catalanes se encuentran en plena promoción de su trabajo, «Distrito Rojo».

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Pregunta. ¿Cómo coinciden «Distrito Rojo» y cómo nace la banda?

Distrito Rojo. Xavi y yo [Joan] nos conocemos desde hace tiempo y hemos tenido varios proyectos juntos. «Distrito Rojo» nace de una necesidad, tras cerrar una etapa anterior. Decidimos volver a la carga con este nuevo proyecto. Teníamos ya varios temas pensados y nos pusimos en marcha, sacando disco y preparando toda esta movida.

Pregunta. ¿Y por qué ese nombre?

DR. Buena pregunta. Es un nombre que curiosamente, cuando acabamos la anterior banda que teníamos, tenía pensado. Así que se lo dije a Joan. Lo más gracioso es que él también lo tenía apuntado en una lista de posibles nombres. Entonces lo tuvimos claro [risas]. Es un juego de palabras que puede tener varios significados y nos gustaba.

Pregunta. ¿De qué manera volcáis en este proyecto, toda la experiencia previa en este mundo?

DR. Todo lo anterior que has hecho, no deja de ser un aprendizaje y te marca un poco el camino a seguir. Los aciertos, los errores y las cosas que te hubiera gustado hacer en su momento, influyen. Al final, tratas de avanzar y aprender de lo que has hecho anteriormente.

Pregunta. ¿Qué estilo creéis que define mejor lo que es «Distrito Rojo»?

DR. Somos una banda de rock. No nos gusta decir mucho más. Diríamos que rock, quizás por la sonoridad y por la manera de escribir y hacer las letras. Aunque realmente, es algo que no nos gusta. Huimos un poco de las etiquetas. Al final es música.

Pregunta. Definid este disco con dos o tres palabras.

DR. Sincero, directo, ‘fresquito’ [risas], variado. Son diez canciones de rock con letras bastante íntimas, personales, que tratan de temas diferentes.

Pregunta. ¿Por qué es tan importante que las letras sean tan íntimas?

DR. Al final, uno escribe lo que le sale. Cuando te pones a escribir un tema, no lo haces de manera premeditada, sabiendo a ciencia cierta lo que vas a escribir. No piensas: “voy a escribir de la guerra”. Simplemente escribes lo que en ese momento, está en tu cabeza. Lo que te viene en ese momento y quieres realmente plasmar en un tema.

Pregunta. ¿Cómo fue grabar el disco en los Estudios Sonido XXI, junto a Javi San Martín?

DR. Allí estuvimos mezclando el disco, realmente. El álbum lo grabamos en nuestro estudio de grabación y a Sonido XXI solo fuimos a mezclar. Aunque Javi sí que vino antes al estudio y nos hizo la preproducción, nos ayudó a montar los temas.

Pregunta. ¿Y cómo fue la experiencia de trabajar con él?

DR. Con él ya habíamos trabajado en la banda anterior. Habíamos grabado dos discos juntos y además, ya teníamos con él una relación de amistad. Digamos que lo quisimos grabar en casa, por hacerlo tranquilamente y con tiempo, pero con la supervisión de Javi, porque nos gusta su manera de ver la música. Además, tener una visión externa de un profesional como él, siempre viene bien.

Pregunta. Rulo colabora con vosotros en vuestro tema «Vuelo nocturno». ¿Cómo se dio la colaboración?

DR. A Rulo lo conocíamos ya desde hacía unos años y tuvimos la oportunidad de que cantara con nosotros. Así que no lo dudamos ni un momento. Nos hacía ilusión, le pasamos el tema y él aceptó encantado. Eso sí, no pudimos estar juntos en el estudio, porque él tenía mucho trabajo. Así que lo grabó desde casa y nos lo mandó.

Pregunta. ¿Cuál es el siguiente paso de la banda?

DR. Básicamente, seguir con la promoción y empezar a programar conciertos, que es lo que realmente nos gusta. No apetece que la gente nos vea, para que de verdad capten la esencia del grupo. De hecho, el 31 de marzo por ejemplo, actuamos en la «Jimmy Jazz» y el 1 de abril en «La Mala», ambas salas en Madrid. Antes, actuamos en Calatayud (el 2 de diciembre) y en Zaragoza (el 3 de diciembre).

RECOMENDACIONES DE «DISTRITO ROJO»

«Bohemian Rhapsody», de Queen

«Agradecido», de Rosendo

«Salir», de Extremoduro


Nebraska: «La habitación de los espejos ha sido nuestro punto de inflexión»

2015 fue el año clave para Nebraska. Álvaro, Manu, Arturo y Paco se metían al estudio y «daban a luz» su primer EP: «La habitación de los espejos». Ahora, la banda murciana se encuentra en plena vorágine de conciertos de presentación. Tras quedarse finalistas en los concursos del Festival Gigante y del Granada Sound, Nebraska promete dar mucha guerra.

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Fuente: Nebraska (Facebook)

Pregunta. ¿Cómo nace Nebraska?

Nebraska. Manu y yo [Álvaro] nos conocemos desde hace bastante tiempo y siempre nos ha gustado la música. De hecho, hemos pasado por varias bandas. Fue entonces cuando nos encontramos con Arturo y Paco, y creamos Nebraska.

P. ¿Cuáles son vuestras principales influencias musicales?

N. Antes del EP, las influencias eran muy indies, del estilo de Supersubmarina, Love of lesbian o Izal. Pero después de grabar, éstas desaparecieron. Perdimos un poco el control de la situación y las influencias cambiaron. Paco Román, el cantante de Neuman, fue el productor del disco y quien puso «la guinda al pastel». La verdad es que nos gusta mucho la línea que hemos adoptado. Así que ahora las influencias son algo más duras, «más sucias».

P. «La habitación de los espejos» es vuestro primer EP. ¿Qué significa para vosotros?

N. Supone mucho, porque ha sido el primero. Además, ha sido el punto de inflexión de Nebraska. Antes seguíamos una línea muy básica, pero a partir del EP, de grabarlo dónde y con quién lo grabamos y de todo lo que nos costó sacarlo, cambiamos. Ha sido «un parto muy duro» e intenso, pero a la vez muy gratificante. Hemos aprendido cómo hacer las cosas, cómo componer e incluso cómo grabar.

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P. ¿Cómo fue el proceso de grabación?

N. Grabamos el EP en la Sala de Máquinas de Lorca con Paco Román como productor y Manuel Torregrosa como ingeniero de sonido. El proceso fue brutal, la mejor semana de nuestras vidas. Nosotros nos presentamos con seis temas y no sabíamos los que iban a salir. Pero Paco nos dejó claro enseguida los cinco que irían en el EP. Empezamos a grabar y de repente, las canciones cambiaron radicalmente. Pero el resultado nos emocionó. De hecho, el día que escuchamos los temas finales, se nos erizó la piel.

P. ¿A nivel profesional, cómo fue trabajar con Paco Román y Manuel Torregrosa?

N. A nivel profesional es brutal, porque los dos son gente muy seria, comprometida y que tiene las cosas claras. Eso creemos que es fundamental, porque si tú tienes algo tan preciado como una canción o una obra de arte, no se la vas a confiar a cualquiera que se ría. Por eso, confiamos en personas que trataran nuestro trabajo con respeto.

P. «Que empiece el baile» ha sido el primer single. ¿Qué tiene este tema de especial?

N. Una vez tuvimos todo el EP, «Que empiece el baile» fue la canción que más sabíamos que gustaba a la gente, porque es muy movida y muy alegre. Además, tiene una energía especial. Cuando llegamos al estudio, de hecho, Paco nos dijo exactamente lo mismo. A nivel personal, también le tenemos mucho cariño por el mensaje que tiene, por el buen rollo que transmite. En el fondo habla de que, pase lo que pase, hay que seguir para adelante y ponerse a bailar.

P. ¿Qué ha supuesto para vosotros quedar finalistas en el Festival Gigante y en el Granada Sound?

N. Nos ha servido para darnos cuenta de que nos movemos mucho más de lo que creemos. Y de que, a pesar de llevar muy poco tiempo, si seguimos por este camino, podemos convertirnos no en finalistas, sino en ganadores de estos concursos. Sí que es cierto que teníamos claro que no ganaríamos. Pero lo importante al fin y al cabo, es estar ahí, estar presente. Este año a lo mejor no era el nuestro, pero quizás el siguiente sí que lo sea.

P. ¿Cómo fue presentar el disco en Madrid, en Costello Club?

N. Ha sido impresionante, increíble. La sala Costello es un lugar por el que hemos visto pasar grupos que hemos seguido, como Sidecars. Al vernos tocar allí, nos emocionamos. Además, la gente también respondió muy bien al concierto.

P. ¿Y cómo fue compartir escenario con Ayer?

N. Fue genial también, porque son muy agradables. Trabajan muy bien y a nivel humano y profesional, son brutales. Nos trataron también muy bien y con mucho respeto. Es de esos grupos con los que da gusto trabajar.

P. ¿Cuál es el siguiente paso de Nebraska?

N. El siguiente paso es tocar mucho. De hecho, tenemos varias fechas por Murcia, Valencia, Granada y Madrid. Con el EP giraremos un año entero, hasta septiembre u octubre. Después nos plantearemos grabar un disco. Y en diciembre del próximo año, puede que nos metamos en el estudio.

LOS TEMAZOS DE NEBRASKA

Wonderwall, de Oasis

Pequeña gran revolución, de Izal

Alcohol and cigarettes, de Oasis

Sympathy for the devil, de The Rolling Stones

You can’t always get what you want, de The Rolling Stones

Other side, de The Red Hot Chili Peppers


Versos Rotos quema Madrid

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Fotos de Alicia Delicado

Llegaron a Madrid desde Alicante, con la intención de «quemar» Costello Club y lo consiguieron. Puede que la sala no estuviera a rebosar, pero que hicieron bailar al público es un hecho. Vinieron a jugársela y no salió mal. Una hora de concierto que se esfumó casi como un suspiro y que dejó a más de uno con ganas de más. Y es que Versos Rotos supo cerrar con «energía» un buen concierto, que sus compañeros de la banda «Naranja» abrieron con acierto.

Pregunta. El año pasado publicasteis «Vacío Cuántico», ¿cómo lo definiríais?

Versos Rotos. «Vacío Cuántico» ha sido un gran salto en nuestra carrera, ya que lo grabamos con José Caballero, que es un productor de renombre. Además, justo este año, tras grabar el EP, le han dado el Premio al Mejor Productor Independiente. Y lo cierto es que ha sido un lujo trabajar con él, porque es un profesional que ya sabe cómo funcionan las cosas en este ámbito, lo que además te motiva a seguir en este mundo.

IMG_2236P. Precisamente, la siguiente pregunta era que cómo fue la experiencia de grabar junto a José Caballero en los Estudios Neo.

VR. José, además de ser un gran profesional, es una gran persona. Es un hombre muy llano y sencillo, lo que nos ha ayudado mucho. Y la manera que tiene de trabajar es muy metódica e intensa.

P. ¿Qué significa el tema «Energías» para vosotros?

VR. «Energías» engloba en un solo tema, el ideal y la historia de «Versos Rotos». Es lo que sentimos, lo que necesitamos. Nosotros seguimos peleando por nuestro sueño. Y es que «Energías» es precisamente eso: la lucha constante por los sueños. Así lo hemos querido reflejar en el videoclip, mediante la historia del protagonista, interpretado por Raúl D’Alessandro, quien pelea día a día por ayudar a su madre enferma. Poco a poco, gracias al esfuerzo, su vida va mejorando. Es una metáfora de nuestra propia vida. En nuestro caso, nuestra lucha es en el mundo de la música, que es muy duro.

IMG_2233P. ¿Cómo fue la experiencia de grabar el videoclip y trabajar junto al cineasta David Valero y al boxeador Raúl D’Alessandro?

VR. Fue una experiencia muy positiva y muy bonita, porque no habíamos grabado nunca un videoclip de la forma en la que hemos hecho este. El videoclip anterior se hizo realizando varias tomas mientras nosotros tocábamos en directo. Sin embargo, el vídeo de «Energías» exigía una tarea previa de pre-producción, que duró varios meses. Se grabó en octubre, pero en junio ya sabíamos cómo sería: teníamos los guiones con las respectivas escenas. A todo este trabajo no nos habíamos enfrentado nunca, pero la verdad es que David Valero lo hizo todo muy fácil. Nosotros éramos cuatro niños disfrutando de tres días de grabación.

Y en cuanto a Raúl, hizo un enorme trabajo. Sin ser actor, ya que él se dedica al boxeo, hizo un «papelón», con expresiones que realmente reflejaban el dolor de ver a su madre mal y tener que ayudarla.

Fue un lujo trabajar con todo el equipo. Desde David y Raúl, hasta Miguel con el tema de la fotografía y Sandra con el atrezzo, pasando también por las chicas de maquillaje. Todos se portaron de maravilla y hubo un buen rollo increíble.

IMG_2227P. El hecho de que San Vicente del Raspeig también se volcara con el proyecto, supondría un subidón…

VR. La verdad es que sí. Hubo mucha gente que se prestó como figurante. Y a nivel de comercios, también se volcaron muchísimo. Ninguno nos cerró las puertas, más bien al contrario: todo el mundo fue muy servicial, querían que hiciéramos este trabajo y nos apoyaron mucho. Fueron tres días intensos, de no sé cuántas horas de trabajo, pero muy bonitas. ¡Y la verdad es que ya tenemos ganas de que David piense en el siguiente videoclip! [Risas].

P. ¿Qué ha supuesto para vosotros actuar en Madrid, en Costello Club?

VR. Es la primera vez que actuábamos nosotros por nuestra cuenta, sin ser teloneros de ninguna otra banda, aunque sí que compartimos escenario con «Naranja». Nosotros organizamos el concierto y vinimos a jugárnosla [risas]. Era motivador porque era la primera vez que veníamos, sin saber realmente qué pasaría. Además, Costello Club era una sala en la que teníamos que tocar sí o sí. Lo teníamos claro desde que nació la banda o al menos desde que cambió de rumbo el proyecto. Y en casi nuestro décimo aniversario, venir a Madrid era obligatorio. Además era un reto para nosotros, porque estamos acostumbrados a hacer bolos en Alicante y allí más o menos, podemos saber cómo pueden funcionar, pero en Madrid no.

P. Casi 10 años como banda. ¿Tenéis pensada alguna manera de celebrarlo?

VR. Precisamente, en la furgoneta lo estuvimos discutiendo. La idea es hacer algo, pero el qué y el cómo todavía no se saben [risas]. Hay que hacer algo porque es obligatorio. En el quinto aniversario lo hicimos y en el décimo también. Hay que celebrarlo porque parece que si no se hace, no pasan las cosas.


Origen, lo nuevo de Bye Bye Lullaby

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Era el año 2011 cuando Bye Bye Lullaby nacía en California. Aunque no fue hasta 2012 cuando Esther Valverde y Dani H. Serrano sacaron su trabajo, California. Después de varios años tocando en acústico, era el momento de «empezar de cero y componiendo nuevos temas». Tiempo después, con la llegada de Origen, se unieron a la banda Javi Amado y Gorka Ruiz.

De esta manera, Bye Bye Lullaby ha crecido como banda dentro del género folk-rock. Y entre sus principales influencias, The Beatles, JJ Cale, Calexico, The Kinks, Miles Davis, The Rolling Stones, Guns and Roses o The Doors, entre otros.

Bye Bye Lullaby

Foto: Gus Alves

Pregunta. ¿Qué tiene el folk – rock?

Esther y Dani. Es un género en el que nos movemos cómodamente. Además, es el punto común de los estilos musicales de los miembros de la banda.

P. ¿Cómo fue trabajar con Gloria Hernández Serrano, ilustradora de vuestro disco California?

E y D. Fue una gozada, con Gloria hicimos numerosas reuniones donde nos hacía reflexionar sobre el significado de las letras y sobre las emociones que teníamos al componer los temas, para poder empezar ella a trabajar con conceptos abstractos y hacer los primeros bocetos de las ilustraciones. Estamos encantados tanto con el resultado como con su modo de trabajar el diseño de los dos discos, de hecho gracias a estas reuniones salió la letra del tema Origen.

P. ¿Qué significa para vosotros Origen?

E y D. Significa sobre todo satisfacción, alegría y complicidad, pues además en este disco nos hemos juntado no sólo con dos musicazos, sino también amigos de toda la vida: Gorka y Javi Amado. Lo definiríamos como un disco «fresco, directo y potente».

P. De los trabajos que habéis publicado hasta el momento, ¿cuál ha sido el más importante para vosotros?

E y D. Todos son siempre importantes, son muchas y variadas las emociones que se viven y plasman en las composiciones. El primero fue una ensoñación más intimista, este segundo es de trazo limpio y extrovertido, y más enérgico.

Festival Country Charro (Salamanca) - 13/12/2014

Foto: Gus Alves

P. ¿Qué supuso ganar el Premio Talento Ribera del Sonorama?

E y D. Un placer enorme, un pase para poder tocar en este genial festival y esperamos que también haya contribuido a dar más empuje a Bye Bye Lullaby. Lo pasamos de miedo en el Sonorama y el concierto fue una pasada. A mayores, y gracias a la gente de Ribera del Duero, hemos tenido más difusión y también nos llevaron recientemente a actuar en un ciclo de la Seminci.

P. ¿Cómo vivisteis que vuestro trabajo fuera Top Circular, la semana del 27 de abril en el programa Corrientes Circulares (Cadena Ser)?

E y D. Fue toda una sorpresa, el disco había visto la luz hacía escasas 2 semanas. Desde aquí queremos dar las gracias tanto a Corrientes Circulares como a todos nuestros seguidores, que con sus votos hicieron posible este primer reconocimiento.

Bye Bye Lullaby

Foto: Gus Alves

P. ¿Qué ha supuesto actuar en Radio 3?

E y D. Hemos crecido escuchando Radio 3, nos parece un auténtico lujo formar parte de su historia sonora.

P. ¿Qué cinco canciones de la historia os han marcado como artistas?

E y D. Sultans of Swing, de Dire Straits; Welcome to the jungle, de Guns and Roses; Sing, sing, sing, de Benny Goodman; Grace, de Jeff Buckley; One for my baby (and one more for the road), cantada por Billie Holiday.


Folk – rock con Stormy Mondays

Stormy Mondays 2015

Jorge Otero, Pablo Bertrand, Dani Menéndez, Danny Montgomery y Rafa Sánchez empezaron en el mundo de la música hace muchos años, «tantos que ya ni me acuerdo», asegura Otero. Durante todo este tiempo, han pasado muchos miembros por Stormy Mondays y como cualquier banda, los primeros conciertos los dieron en la calle hasta que «alzaron el vuelo».

Pregunta. ¿Qué tiene el folk – rock?

Jorge Otero. ¡Estamos intentando averiguarlo con estos discos! Creo que es interesante la mezcla de instrumentos más antiguos con instrumentos eléctricos, y también que la música tenga raíces. En nuestro caso, bebemos del folk de ambos lados del Atlántico, y siempre se filtra algo de nuestra tierra, Asturias.

P. ¿Cómo definiríais vuestra carrera después de tantos años y 14 discos?

J.O. Somos una banda de rock, que ahora mismo está metida en una aventura folk. Somos independientes y hacemos lo que nos gusta.

P. Pioneros en la distribución por internet, ¿cómo fueron los inicios a través de esta plataforma?

J.O. Tenemos una web desde el ’96, y lo primero que hicimos fue intentar averiguar cómo hacer que nuestras canciones sonaran en la Red. Hemos utilizado todos los formatos de audio online que existen, y vivimos la revolución del mp3 en primera persona.

P. Habéis actuado junto a Slash y Bruce Springsteen. ¿Cómo fueron ambas experiencias?

J.O. Muy distintas. Slash se subió a tocar a nuestro escenario en plenas fiestas de San Mateo en Oviedo, teníamos 17 años. Fue una experiencia totalmente increíble, veinte minutos que parecieron veinte segundos. Con Bruce Springsteen compartí escenario en New Jersey, en el festival Light Of Day para la lucha contra el Parkinson. Me invitó a tocar Joe Grushecky, y nunca olvidaré el codazo que me dio para empujarme al centro del escenario y cantar con Bruce en el mismo micrófono.

Jorge Otero Stormy MondaysP. ¿Qué supone haber sido los únicos españoles en el festival Woodstock ’99?

J.O. En su momento fue una auténtica hazaña, de hecho nos lo sigue pareciendo. Gracias a tener nuestra música en las principales webs dedicadas a la difusión de canciones en mp3, nos eligieron para tocar en el festival. Paradójicamente, nuestro disco apenas se podían comprar fuera de Asturias.

P. ¿Cómo fue ganar el concurso que ganasteis de la NASA?

J.O. Aquí el mérito no es solo nuestro. Es cierto que de 1.350 canciones, la NASA eligió 10, entre ellas la nuestra. Pero nunca hubiéramos ganado sino llega a ser por el apoyo que muchos miles de personas nos dieron en la votación popular. Siempre nos ha gustado la carrera espacial, y ahora formamos parte de ella. Además, gracias a eso salió una pregunta sobre nosotros en Saber y ganar, ¡y eso es otro orgullo!

P. ¿Qué significa para vosotros: Wading The River y The Lay of The Land?

J.O. Son dos discos en uno. Los hemos editado en forma de EP doble porque así los concebimos, eran dos discos separados que acabaron convergiendo. En uno ampliamos nuestro sonido rock de siempre, en otro nos lanzamos por la senda del folk-rock. Forman un conjunto de gran fuerza.

Stormy Mondays live 2015P. ¿Cómo fue la producción de este nuevo trabajo?

J.O. Muy elaborada. Comenzamos en los estudios ACME, nuestro habitual cuartel general de operaciones, con la banda en directo. Fuimos terminando el disco poco a poco en nuestro propio estudio. Y finalmente, Mike Stavrou mezcló las canciones en Australia. Stav fue ingeniero de los estudios AIR de George Martin, y trabajar con él ha sido un auténtico privilegio.

P. ¿Qué ha supuesto publicarlo?, ¿cómo ha ido la presentación del nuevo disco?

J.O. Sobre todo ha supuesto un gran descanso, porque casi ni nos habíamos dado cuenta de que llevamos un año y medio trabajando en el disco. Estamos ahora mismo a punto de presentarlo en directo en Gijón, Barcelona, Madrid y Bilbao. En mayo ya hicimos un preestreno con un single de adelanto, y la acogida fue excepcional.

P.¿Podríais definirlo en dos o tres palabras?

J.O. Un gran disco.

P.Kepa Junkera ha colaborado con vosotros en este nuevo trabajo. ¿Cómo fue trabajar con él?

J.O. Hace años que toca con nosotros el multiinstrumentista Héctor Braga, un auténtico maestro del folk, y gracias a él entramos en contacto con Kepa. Nos gustó mucho que ni se lo pensó un segundo a la hora de dar el sí, y eso que le mandamos la canción más rock del disco, ¡y en la peor tonalidad posible para la trikitixa! Hizo un trabajo excelente.

Recomendaciones de Jorge Otero

Like A Rolling Stone (Bob Dylan)
Thunder Road (Bruce Springsteen)
In The Garden (Van Morrison)
Round Here (Counting Crows)
Be My Downfall (Del Amitri)


Desde Montevideo: Jesús Ksavie

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A los 4 años le regalaron su primera guitarra. Eso sí, de plástico. Pero fue el inicio de algo, fue el inicio del músico que llevaba dentro. A los 15, entró en uno de los mejores conservatorios de Montevideo, donde aprendió a tocar diversos instrumentos y se forjó como programador y técnico de sonido. Sin embargo, su etapa de cantante empezó a los 18 años. Pasó por diversas bandas, aunque la que más destacó fue «Cabrón», con la que actuó en los mejores escenarios del rock latinoamericano. Su carrera como solista comenzó algo más tarde, una vez se trasladó a Madrid. Tenía 24 años cuando creó «Jesús Ksavie Band». Un proyecto en el que 100% puede ser él.De hecho, el mismo Jesús Ksavie explica:  «Mi proyecto solista me llevó también a crear mi propio sello digital Rock Producción, creado para distribuir mi música».

Influencias que marcan

Músico con inquietudes con influencias variadas, como muchos artistas. Aunque entre el repertorio que más ha influido a la hora de crear su propia música, destacan Pearl Jam, Red Hot Chili Peppers, Divididos, Gustavo Cerati, Jimmie Hendrix, The Beatles o Led Zeppelin. «Y hay muchas más que indirectamente me han llegado en algún momento específico de mi vida», explica Jesús Ksavie.

JESUS KSAVIE 2De alma rockera, también se considera un músico independiente. Tan independiente, que tiene su propio sello musical. Llegados a este punto, el artista uruguayo, reconoce: «El rock en todas sus variantes goza de muy buena salud. Hay miles de personas en todos los países del mundo que apoyan a los músicos, y bandas independientes. Y lo más importante que tiene el Rock Independiente frente a otros géneros es la INDEPENDENCIA, con todo lo que abarca esta hermosa palabra».

Así y todo, sus puertas no están cerradas a otros estilos musicales. «Nunca se descarta la experimentación. Por ejemplo, «La Harley», la canción que le da nombre al disco, es un Blues-Rock. En cualquier caso, no estoy cerrado a otros estilos hermanos del Rock, aunque a la hora de componer me gusta más jugar con el tema de fusionar estilos», explica el uruguayo afincado en Madrid.

Ser o no ser independiente

Libertad a la hora de hacer las cosas. Uno de los mayores beneficios de ser independiente. Pero, ¿qué ventajas y desventajas tiene realmente serlo? «Es una pregunta compleja, ya que no hay una forma correcta de hacer las cosas. Cada músico o compositor emplea el sistema que le resulta más cómodo. En mi caso particular, en los momento álgidos de creación me van saltando ideas como fuegos artificiales y es una ventaja para mi el dominar tantos instrumentos, porque inmediatamente me voy al instrumento y ejecuto, o pruebo la idea en la canción sin perder tiempo, y sin dejar que se diluya o se pierda esa fogosidad de la inspiración», cuenta Jesús. Aspecto negativo, quizás, el económico, porque «cuando te embarcas en un proyecto solista eres tu contra el mundo».

Las obras maestras de Jesús Ksavie

JESUS KSAVIE 3«EP» fue la primera toma de contacto de Jesús Ksavie como solista. Publicar este primer trabajo supuso una enorme «satisfacción persona por haber conseguido un gran objetivo, con la obligación añadida de mantener el ritmo creativo», cuenta el artista. Entonces publicó «Odisea hacia tu cabeza», obra en el que la evolución del músico, se hizo patente sobre todo, en la parte técnica. Y por último, llegó «La Harley», trabajo cuyo preludio fue el tema «Single». ¿Cómo definir este último disco? «Es mi primer trabajo de larga duración de mi carrera. Once canciones frescas, cargadas de sentimientos y enérgico Rock n´Roll. Hay una canción muy personal dedicada exclusivamente a mi madre (fallecida en 2013): «Fusilando mis sueños». En realidad todas y cada una de las canciones que componen «La Harley» están cargadas de sentimientos y vivencias personales. Todas son trocitos de mi, de mi personal visión del mundo que me rodea».

Próximos proyectos

«De momento estoy metido de lleno en la promoción de mi nuevo trabajo «La Harley». Además, próximamente se rodaran tres videoclips de canciones de este álbum. De hecho, se puede participar en la elección de las canciones en este enlace: http://www.jesusksavie.com/encuesta», explica Jesús Ksavie. Aunque el artista no descarta seguir componiendo, a pesar de seguir centrado en su último trabajo publicado, «siempre surgen canciones nuevas que voy grabando cuando tengo un tiempito libre, pero aun no pertenecen a ningún proyecto».

Recomendaciones musicales de Jesús Ksavie

1. The Wall – Pink Floyd
2. Whole lotta love – Led Zeppelin
3. Layla – Eric Clapton
4. Smells like teen spirit – Nirvana
5. TNT – AC/DC

Who is FOO?

La universidad juntó en el año 2008 a esta banda de rock psicodélico, formada por cuatro amigos de Lleida. Así que, a la pregunta de: «Who is FOO?», podemos decir que los miembros de este grupo leridense responden a los nombres de Oriol, Ernesto, Pol y Dani. Foo se ha forjado a base de rock, toques psicodélicos y de influencias musicales al más puro estilo «The Strokes» o «Led Zeppelin», bandas que los miembros del grupo recomiendan sin ninguna duda.

Tres trabajos han marcado su carrera musical hasta ahora. Primero llegó «Elenin», su primer LP, seguido del EP «The Rain». Ahora están inmersos en la gira del que es su segundo disco, «Parallel Lives». Siete años de cambios, aprendizaje, conciertos y noches sin dormir, que han hecho que los chicos de la banda catalana crezcan artísticamente. «Desde la publicación de Elenin hasta la de Parallel Lives ha habido una evolución clara de la banda, hemos podido experimentar con los sonidos y encontrar nuestro propio estilo», cuenta el bajista de Foo, Ernesto.

«Parallel Lives»

Tiempo de redescubrimientos, que llevó a esta banda catalana a grabar su segundo disco en una fábrica del barrio barcelonés de Gràcia. «La experiencia fue muy positiva. Buscábamos un ambiente diferente al de los estudios», cuenta Ernesto. «También pensábamos que molestaríamos a los vecinos, pero no se quejaron en ningún momento por la música», añade.

11200966_982429558436867_5965189671944813410_oComo productor repite Marc Molas, incondicional de la banda. De nuevo, ayuda a los chicos de Foo, que lo consideran «un miembro más del grupo». «Marc nos ha ayudado mucho a buscar nuestro estilo final y también ha estado con nosotros durante nuestra evolución. Nos conocemos desde hace mucho tiempo, así que la relación con él es muy buena. Ya colaboró con nosotros en la creación de nuestro primer disco, Elenin», explica el bajista de Foo.

A falta de fechas por confirmar, la banda catalana ya ha actuado en Galicia y en varios puntos de Cataluña, como Barcelona o su tierra natal, Lleida. Esta noche, a las 22.00 horas, los podremos ver en el Thundercatclub de Madrid. «Todavía hay fechas por determinar, pero la gira de verano y la de final de año ya está planificada», narra Ernesto.

Facebook de «Foo»

Conociendo a BudaSam

BUDASAM

Hard – rock con aires bilbaínos, y con influencias del rock de finales de los 80 y principios de los 90. BudaSam nace en 2011, de la mano de Iván González y Kike Herrero. Tras preparar las canciones del que sería el primer EP, «decidimos que queríamos desarrollar el grupo y tocar en directo», cuenta Kike. Y así se subieron al tren de BudaSam, Aitor Etxebarrena, Iñigo Arbaiza y Ander Alonso.

Como un torbellino, la banda bilbaína arrasó con uno de sus primeros singles No lo dejes escapar, situándose en la cabeza de la lista de la emisora Euzkadi Gaztea. Pero no solo eso. Participaron en el recopilatorio El Nuevo Legado de Efecto Diablo, siendo el segundo grupo más votado, y también aparecieron en el programa radiófonico Pecado Mortal, tras ser seleccionados entre más de 500 bandas.

Y durante este periodo de actividad incesante, grabaron sus dos primeros videoclips. El primero de ellos, Vivir. Gracias a la ayuda de los impulsores de Proyecto Vivi: India, Nepal, China, Vietnam y Camboya se convirtieron en algunos de los paisajes más representativos del vídeo. «En cada lugar que visitaban, pedían la colaboración de las personas, que al final aparecían con la letra de la canción escrita en carteles. Luego nosotros nos dedicamos a editar las imágenes», explican. El segundo de sus videoclips, tiene un escenario completamente diferente. Con Beso Vudú, pasan de lo «exótico» de Asia, a lo más «rockero». Un concierto, el público, la música de BudaSam y la sala La Cúpula de Bilbao.

Y en primavera de 2014, con la ayuda del productor Jagoba Ormaetxea, vio la luz el primer disco de la banda de Bilbao, Ensuciando el silencio. Una combinación de ritmos pausados, sentimentalistas y otros más duros, más rockeros, más «guitarreros». Un trabajo producto de la fluidez, de la rotura de los esquemas. «No seguimos ningún proceso de creación determinado. Un día podemos llegar con un ritmo de guitarra, y otro con unas frases escritas, por lo que le damos más prioridad al texto. Nos han criticado porque no seguimos una línea concreta y porque después de escuchar las canciones, no saben encasillarnos dentro de un estilo musical», narran los artistas.

¿Qué hay del futuro, entonces? «Estamos componiendo nuevos temas. Algunos están ya bastante avanzados. De todos modos, es un proceso que requiere tiempo, y más ahora que lo estamos compaginando con la gira», aseguran. Paciencia, pues.


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