La última semana del Cultura Inquieta

El Festival Cultura Inquieta ha cruzado el ecuador con tres nuevas jornadas de éxito y se prepara para su último maratón musical. Por el escenario del Polideportivo de San Isidro de Getafe pasarán Ilegales con su rock descarado y provocador (6 de julio); Marlango con todo el glamour que desprende Leonor Watling (7 de julio), y Mártires del compás con su inimitable Flamenco Billy que convertirá el cierre de la octava edición en una fiesta memorable (8 de julio).

La segunda semana del festival ha sido, sin duda, la más heterogénea del amplio programa. Xoel López, precedido por un emotivo show acústico de Depedro, y acompañado por una gran banda, conquistó al público con lo mejor de sus veinte años en el escenario. Un concierto redondo que conmovió a sus incondicionales y sorprendió a los neófitos. Los viejos rockeros no defraudaron. Rosendo brilló con luz propia e hizo vibrar a todo el polideportivo de San Isidro; Burning puso a todos los asistentes a mover las caderas, y Los Zigarros y Desvariados demostraron que el rock and roll tiene un digno relevo generacional. El Festival Carpe Diem se convirtió en una multitudinaria quedada juvenil para escuchar durante más de ocho horas lo más sobresaliente del rap y el hip hop y a los artistas más punteros de la música urbana.

Y como el festival es muy inquieto, del polideportivo se desplazó a la explanada del Cerro de los Ángeles donde se realizó, como parte de su programación, la fotografía más grande del mundo (81,78 metros de largo y 34,48 de ancho) efectuada con la técnica de Light Painting, obra de Riders of Light. Entre otras muchas actividades que se desarrollaron durante la semana.

AGENDA

06 julio. ILEGALES + Romeo
07 julio. MARLANGO + El Twanguero + Miss Undergroove +Tu Otra Bonita
08 julio. MÁRTIRES DEL COMPÁS + 33 Malandra

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Me quito el cráneo: «Nosotros creíamos que tocábamos música country y zarzuela interestelar»

La risa y el esperpento trasladado al ámbito de la música. Con la incertidumbre de qué tipo de canciones hacen, «Me quito el cráneo» presenta su primer disco en la Sala BarCo de Madrid esta noche. Del día de hoy, sábado 12 de noviembre de 2016, no se sabe absolutamente nada. Todo lo que suceda a partir de las 23.00 horas, está en manos de Chumi, Carlos y Chus, los tres componentes de la banda madrileña «Me quito el cráneo».

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¿Cómo nace Me quito el cráneo?

«Me quito el cráneo» nació como una banda de country [risas]. No, en realidad, la banda surgió tras juntarme [Chumi] con Nacho, un componente del grupo que ya no está. Luego, se unieron Carlos y Chus. La verdad es que sonábamos bien, pero poco a poco, nos dimos cuenta de que los tres sonábamos aún mejor.

¿Por qué esa alusión con vuestro nombre, a «Luces de Bohemia» de Valle-Inclán?

Porque Valle-Inclán era esperpéntico, como nosotros, y encima Chumi lo ama con locura. Además, tenemos su brazo escondido en el local, como era manco [risas]. Con todo el tema del brazo, Valle-Inclán cada vez contaba una historia distinta para justificar que era manco. La verdad es que, en ese sentido, nuestras entrevistas son un poco igual. Pero a grandes rasgos, nos llamamos así, porque leímos la frase, y aunque al principio no nos gustó, al final nos acabó encantando. Y como no teníamos otro nombre mejor, nos quedamos con «Me quito el cráneo». Es más, tiene un contexto muy «chulo», el del esperpento. Al ser además una expresión, llama mucho la atención.

¿El hecho de considerar vuestro estilo como «difícilmente clasificable», tiene que ver con el tema del esperpento que hablabais?

Nosotros creíamos que tocábamos country y zarzuela interestelar, pero después de hacer una encuesta a 1.500 personas, todas dijeron que teníamos un estilo distinto. Así que, al final, optamos por decir que somos difícilmente clasificables [risas]. Que ya de por sí, el no querer hacer un estilo determinado, es un estilo. No es que huyamos de la etiquetas, es que no las buscamos. Simplemente, nos ponemos a hacer lo que nos gusta, cada uno con sus propias influencias. Lo bueno de venir al local con un nuevo tema, lo haya hecho quien lo haya hecho, es que al final los demás hacen lo que quieren. A excepción de algún arreglo que hacemos entre todos, nadie dirige y eso tiene muchos puntos buenos. Hay mucha libertad en el grupo y no nos ponemos límites entre nosotros.

¿Cómo ha acogido el público este tipo de música inclasificable?

Ten en cuenta que llevamos poco tiempo, ya que tras la marcha de Nacho hubo un parón. Sí que hemos hecho algún concierto, al que han ido principalmente amigos y amigos de nuestros amigos. Pero la gente se lo pasa muy bien y nos dicen que les gustamos. Aunque hay quien dice que hacemos música rara o que las canciones son totalmente distintas entre sí. Pero todo eso, para nosotros es indicador de que estamos haciendo las cosas bien, de que estamos consiguiendo lo que queremos. Incluso el productor Paco Loco, que es un gran profesional, se sorprendió. Después de varios días grabando con él, nos dijo que no sabía qué hacíamos. Para nosotros fue un subidón.

¿Qué supone para vosotros este primer disco?

Es una nueva etapa para «Me quito el cráneo», que hasta ahora no había sido real. Nos quedamos tres, rehicimos temas y creamos nuevos. Y todo eso en apenas tres meses. En definitiva, la música cambió. No tenemos un cantante principal y los instrumentos destacan, por ejemplo. El disco ha sido la meta y el punto de salida. Es una burbuja que nos permite reunirnos a los tres. Además, teníamos muy claro que queríamos grabar con Paco Loco. De hecho, lo cerramos todo con él incluso un año antes de meternos al estudio.

¿Cómo fue trabajar con él, con Paco Loco?

Inicialmente, le escribimos por correo electrónico y le contamos que éramos de su rollo y que queríamos grabar con él. A los diez minutos de mandarle el e-mail, nos llamó por teléfono. «¡Chus, soy Paco!», escuchamos al otro lado. Es un gran profesional, pero a la vez, es una persona tan sencilla. Es maravilloso. La verdad es que después de todo el trabajo que hicimos, fuimos al estudio con la incertidumbre de cuántas canciones grabaríamos, si ocho o diez. Al final, acabamos grabando las diez con bastante tranquilidad. Disfrutamos más que otra cosa. Además flipamos con él, porque a la hora de mezclar, Paco trabaja completamente solo. Es como un pastelero, que con la masa en bruto, hace auténticas obras de arte. Ese proceso, el cómo va dando forma al disco, es impresionante. Al escuchar el resultado final, no nos creíamos que hubiera salido de nosotros.

¿Qué supone para vosotros presentar el disco en la Sala BarCo, de Madrid?

Eso tiene su historia también, porque en su momento estuvimos buscando salas. Queríamos estas fechas, pero por lo general, no suelen decirte sí o no con tanta antelación. En realidad, queríamos actuar en el Vicente Calderón [risas]. Al final, pedimos como favor que nos dejaran actuar en la Sala BarCo y lo conseguimos. Lo cierto es que el sitio nos encanta y el trato es genial.

RECOMENDACIONES DE «ME QUITO EL CRÁNEO»

Hoy por hoy, de Javier Krahe

Come together, de The Beatles

No Surprises, de Radiohead

Whose Authority, de Nada Surf

The Poet and The Pendulum, de Nightwish


Nebraska: «La habitación de los espejos ha sido nuestro punto de inflexión»

2015 fue el año clave para Nebraska. Álvaro, Manu, Arturo y Paco se metían al estudio y «daban a luz» su primer EP: «La habitación de los espejos». Ahora, la banda murciana se encuentra en plena vorágine de conciertos de presentación. Tras quedarse finalistas en los concursos del Festival Gigante y del Granada Sound, Nebraska promete dar mucha guerra.

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Fuente: Nebraska (Facebook)

Pregunta. ¿Cómo nace Nebraska?

Nebraska. Manu y yo [Álvaro] nos conocemos desde hace bastante tiempo y siempre nos ha gustado la música. De hecho, hemos pasado por varias bandas. Fue entonces cuando nos encontramos con Arturo y Paco, y creamos Nebraska.

P. ¿Cuáles son vuestras principales influencias musicales?

N. Antes del EP, las influencias eran muy indies, del estilo de Supersubmarina, Love of lesbian o Izal. Pero después de grabar, éstas desaparecieron. Perdimos un poco el control de la situación y las influencias cambiaron. Paco Román, el cantante de Neuman, fue el productor del disco y quien puso «la guinda al pastel». La verdad es que nos gusta mucho la línea que hemos adoptado. Así que ahora las influencias son algo más duras, «más sucias».

P. «La habitación de los espejos» es vuestro primer EP. ¿Qué significa para vosotros?

N. Supone mucho, porque ha sido el primero. Además, ha sido el punto de inflexión de Nebraska. Antes seguíamos una línea muy básica, pero a partir del EP, de grabarlo dónde y con quién lo grabamos y de todo lo que nos costó sacarlo, cambiamos. Ha sido «un parto muy duro» e intenso, pero a la vez muy gratificante. Hemos aprendido cómo hacer las cosas, cómo componer e incluso cómo grabar.

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P. ¿Cómo fue el proceso de grabación?

N. Grabamos el EP en la Sala de Máquinas de Lorca con Paco Román como productor y Manuel Torregrosa como ingeniero de sonido. El proceso fue brutal, la mejor semana de nuestras vidas. Nosotros nos presentamos con seis temas y no sabíamos los que iban a salir. Pero Paco nos dejó claro enseguida los cinco que irían en el EP. Empezamos a grabar y de repente, las canciones cambiaron radicalmente. Pero el resultado nos emocionó. De hecho, el día que escuchamos los temas finales, se nos erizó la piel.

P. ¿A nivel profesional, cómo fue trabajar con Paco Román y Manuel Torregrosa?

N. A nivel profesional es brutal, porque los dos son gente muy seria, comprometida y que tiene las cosas claras. Eso creemos que es fundamental, porque si tú tienes algo tan preciado como una canción o una obra de arte, no se la vas a confiar a cualquiera que se ría. Por eso, confiamos en personas que trataran nuestro trabajo con respeto.

P. «Que empiece el baile» ha sido el primer single. ¿Qué tiene este tema de especial?

N. Una vez tuvimos todo el EP, «Que empiece el baile» fue la canción que más sabíamos que gustaba a la gente, porque es muy movida y muy alegre. Además, tiene una energía especial. Cuando llegamos al estudio, de hecho, Paco nos dijo exactamente lo mismo. A nivel personal, también le tenemos mucho cariño por el mensaje que tiene, por el buen rollo que transmite. En el fondo habla de que, pase lo que pase, hay que seguir para adelante y ponerse a bailar.

P. ¿Qué ha supuesto para vosotros quedar finalistas en el Festival Gigante y en el Granada Sound?

N. Nos ha servido para darnos cuenta de que nos movemos mucho más de lo que creemos. Y de que, a pesar de llevar muy poco tiempo, si seguimos por este camino, podemos convertirnos no en finalistas, sino en ganadores de estos concursos. Sí que es cierto que teníamos claro que no ganaríamos. Pero lo importante al fin y al cabo, es estar ahí, estar presente. Este año a lo mejor no era el nuestro, pero quizás el siguiente sí que lo sea.

P. ¿Cómo fue presentar el disco en Madrid, en Costello Club?

N. Ha sido impresionante, increíble. La sala Costello es un lugar por el que hemos visto pasar grupos que hemos seguido, como Sidecars. Al vernos tocar allí, nos emocionamos. Además, la gente también respondió muy bien al concierto.

P. ¿Y cómo fue compartir escenario con Ayer?

N. Fue genial también, porque son muy agradables. Trabajan muy bien y a nivel humano y profesional, son brutales. Nos trataron también muy bien y con mucho respeto. Es de esos grupos con los que da gusto trabajar.

P. ¿Cuál es el siguiente paso de Nebraska?

N. El siguiente paso es tocar mucho. De hecho, tenemos varias fechas por Murcia, Valencia, Granada y Madrid. Con el EP giraremos un año entero, hasta septiembre u octubre. Después nos plantearemos grabar un disco. Y en diciembre del próximo año, puede que nos metamos en el estudio.

LOS TEMAZOS DE NEBRASKA

Wonderwall, de Oasis

Pequeña gran revolución, de Izal

Alcohol and cigarettes, de Oasis

Sympathy for the devil, de The Rolling Stones

You can’t always get what you want, de The Rolling Stones

Other side, de The Red Hot Chili Peppers


Eyre Suárez: «Chaveleando es un tributo a Chavela Vargas, un camino por canciones con las que creó su propia biografía»

Chavela Vargas se convierte en la protagonista del nuevo disco de la solista vasca, Eyre Suárez. En «Chaveleando», la vocalista rinde homenaje a la artista mexicana. En este primer trabajo de Eyre, se han seleccionado los mejores temas de Vargas. Canciones que, a pesar de no ser suyos, supo dar un toque muy particular.

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Pregunta. ¿Quién es Eyre Suárez?

Eyre Suárez. Es difícil describirse a uno mismo, la verdad. Pero así a grandes rasgos, puedo decir que me considero buena persona, aunque eso tendrán que corroborártelo las personas de mi entorno.

P. ¿Cómo comienzas en el mundo de la música?

ES. Curiosamente, ya en la escuela cuando tenía cinco años en lugar de hacer alguna otra actividad, la maestra que teníamos solía ponerme a cantar de pie sobre su mesa para todos mis compañeros, así que supongo que ya desde niña tenía esa vocación.

En cursos posteriores recuerdo cantar en las clases de dibujo, que estaba considerado como una asignatura maría [risas]. En los cumpleaños de mis amigos con nueve o diez años, también cantaba.

Me encantaba componer, y es una cosa que hoy en día sigue fascinándome. El hecho de decir las cosas a través de la música y llegar a emocionarlas maravilloso.

P. ¿Con qué género te sientes más identificada?

ES. Me siento identificada con el pop más indie aunque no lo parezca, pero mi verdadera pasión son los cantautores. Siempre me han encantado. Comencé a escuchar a Aute y a Rosa León con nueve años en unas vacaciones con mi familia en Béjar. Me pasé las tardes de aquel verano escuchándolos en la casa de una pareja que vivía allí y fue estupendo. Aute por ejemplo es un cantante al que tengo un cariño especial porque me marcó bastante. A través de él fui descubriendo a Joaquin Sabina, Serrat, Victor Manuel. Más adelante a Mercedes Sosa, Mari Trini, Martirio, que me chifla. Y ya más actuales me quedo con Vanesa Martin, Manuel Carrasco, India Martinez, ¡y cómo no Rosana! Me encanta la positividad de Rosana para todo [risas].

P. ¿Qué tiene Chavela Vargas para rendirle homenaje?, ¿qué significa ella para ti a nivel artístico?

ES. Chavela me resulta fascinante. Es la libertad hecha persona, el feminismo bien entendido. Imagina una persona cantando «Ponme la mano aquí Macorina» hace cuarenta años. Cantando con ese sentimiento tan característico, y no cambiando el género de las letras a las canciones. Si se está cantando a una mujer porque la letra es así y la compusieron así, pues es así y punto. ¿Para qué iba a cambiarlo ella? Es que es única. Auténtica Chavela. Con un par.

A nivel artístico para mí Chavela significa la ruptura de las reglas establecidas hasta el momento. Es una cantante que a pesar de no tener un gran instrumento vocal transmite como la que más, y nos enseña que eso es lo que importa, esa conexión con el público, ese dejarse llevar por las emociones aunque supusieran tristeza y saliéramos llorando de sus conciertos. Siempre digo que si cada uno de nosotros ejerciera la libertad como hizo Chavela el mundo sería de otra manera.

P. ¿Es complicado reinterpretar los grandes temas de Chavela Vargas?, ¿cómo hacerlos tuyos y darles tu propio toque personal, sin perder su esencia original?

ES. Efectivamente es muy complicado interpretar esos temas, pero creo que hemos conseguido hacerlo gracias a ese toque de blues, ese prescindir de trompetas y guitarrones como ya hiciera la propia Chavela en su momento.

P. ¿Podrías definir «Chaveleando» en pocas palabras?

ES. Es un tributo a Chavela Vargas, un camino por canciones que no fueron compuestas por ella y con las que sin embargo creó su propia biografía. Si estudiamos a Chavela con detenimiento nos daremos cuenta de que cada una de ellas refleja un momento de su vida. Exceptuando María Tepozteca, que es un tema que ella misma compuso y que también forma parte de otro episodio de su vida.

P. ¿Es este disco el primero, tu primer contacto con el mundo musical?, ¿qué ha supuesto para ti la publicación del mismo?

ES. Supone una meta conseguida. Yo quería hacer un homenaje a Chavela sí o sí. Ha habido algún contratiempo, pero la publicación del disco ha supuesto para mí una gran satisfacción. Un sueño cumplido.

P. ¿Cómo ha sido la acogida?, ¿cómo te has sentido?

ES. Me siento afortunada. La acogida ha sido espectacular. Yo pensaba que ese tipo de música no iba a calar mucho, pero ese género musical también tiene su público. Me siento doblemente bien por darlo a conocer a aquellos que jamás lo habían escuchado y después de los conciertos se acercan y me comentan: Yo no conocía estas canciones, pero me encantan. 

Es muy gratificante pensar que por una hora han dejado de lado sus preocupaciones y han estado escuchándote con detenimiento y sintiendo la música y esas letras tan sinceras.

P. ¿Y después de «Chaveleando», tienes algún proyecto en mente o de momento, seguirás con la promoción y conciertos de este disco?

ES. Hay proyecto, sí. Me gustaría empezar a dar a conocer mis propias composiciones, pero de momento estamos con “Chaveleando”. Seguiré con la promoción chavelera y los conciertos en honor a Chavela.

P. ¿Por qué ciudades pasarás con este trabajo?

ES. Tenemos previsto pasar por Madrid próximamente, aunque nos encontramos muy a gusto en Malaga y los municipios de la costa malagueña. También nos ofrecieron tocar en Valencia y el País Vasco, pero de momento lo tenemos un poco aparcado debido a otros compromisos profesionales, ya que no nos dedicamos a esto al cien por cien. ¡Que mas quisiéramos!.

P. Por finalizar la entrevista: ¿podrías decir cinco canciones que te hayan marcado artísticamente?

ES. Sin duda una de ellas sería «Maria Tepozteca», por la libertad de su letra. Ese «Tepozteca linda de pezón erecto de zapote prieto» es lo más. Otra canción que me marcó fue «Ojos de gata» de Los secretos, porque viví algo muy parecido a lo que dice la canción. También tiene una especial relevancia para mí el tema «Sin más» de la cantante Merche. «Las simples cosas» de César Isella, con esa letra tan maravillosa y poética. Por último me quedo con una de Vanesa Martín, «Hago música» y desde aquí invito a hacer música a todo el mundo.


El último festival del verano: el DCODE

El fin del verano se acerca. Un final que deja entrever también el fin de los festivales. Pero antes, es el momento del DCODE Festival, «el último festival del verano». Y de nuevo, un ao más, el campus de la Universidad Complutense de Madrid acogerá a grandes grupos del panorama indie, durante 18 horas de música ininterrumpida.

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Artistas nacionales e internacionales de la talla de Bunbury, Zara Larsson, Love of lesbian, Kodaline, Mark Ronson, Delorean, Eagles of death metal, Leon Benavente o Triángulo del amor bizarro, entre muchos otros. Además del ganador del concurso BDCODER, que se conocerá hoy 1 de septiembre, tras la gala celebrada en Conde Duque. Entre los finalistas: B-Touch, Labs Trapp, Cintia Lund, Subterráneos y The Monster Lover. Eso sí, para los horarios de las actuaciones, habrá que esperar a las 12 horas de mañana y consultar la app del DCODE.

Un año más, se realizará la Liga Dcode, en la que artistas y asistentes se darán cita en la pista de fútbol. Además, Dcode Festival vuelve a llevar a cabo el proyecto ECODE, junto a Ecovidrio, cuyo objetivo es promover la sostenibilidad.

El Fer Rivero más versátil en su videoclip, «My world is yours»

Fer_Rivero_1Afincado en China desde hace un par de años, el artista español Fer Rivero ha conseguido arrasar en el país con sus espectáculos, en los que mezcla música, baile y acrobacias. Con tan solo 23 años y con el deseo de ser profeta en su tierra, ha conseguido un enorme éxito en las principales plataformas de internet. Ahora, presenta en Vevo su último videoclip, My world is yours, preámbulo del que será su primer álbum.

Pregunta. ¿Cómo empieza Fer Rivero en el mundo de la música y de la actuación?

Fer Rivero. Desde pequeño siempre he tenido mucho interés por el escenario, jugaba con mis amigos a que era un artista circense y coreografiaba las fiestas de fin de curso en el colegio, pero no vi mi talento real hasta que empecé a destacar como gimnasta ganando competiciones con altas notas en la rama artística y posteriormente como bailarín y coreógrafo, donde comencé a estudiar canto como un extra. Desgraciadamente nunca era suficiente para mí y no veía que mi voz mejorara, por lo que me centré más en el área danza. Un día mis alumnos me escucharon cantar y me recomendaron que siguiera y me grabara, reanimando así el fuego que la música despierta en mí. Fue así como creé junto a uno de mis mejores amigos mi primera canción, y esta tuvo mucho más éxito y repercusión que cualquier coreografía creada hasta la fecha.

 P. ¿Cuánto tiempo llevas viviendo en Hong Kong?, ¿cómo está el panorama musical en China?

FR. Llevo casi dos años viviendo entre Hong Kong y Guangzhou, China. Definitivamente la música en Asia es distinta, sobre todo en China, aunque sí escuchan música internacional (en gran parte americana). Es muy complicado que te acojan como un artista en Asia si no cantas en alguno de los idiomas chinos o no representas algunos de sus valores en tu música.

 P. ¿Ha cambiado dicho panorama desde que vives allí?

FR. Sin duda ha mejorado, creo que el panorama en sí no ha cambiado, pero mi punto de vista y cómo promoverlo hacia el público asiático sí, hablar su idioma y su cultura, contar con la comunidad extranjera y que mis canciones sean en inglés ha ayudado mucho. Ha sido como escribir un libro. Al principio nadie sabía qué esperar, ojeas pero no sabes si seguir, tras varios capítulos ojeando, ya te has enganchado y has empatizado con el protagonista. Abrirme personalmente hacia el público asiático y que vean mi lucha y constancia por conseguir mis sueños es sin duda lo que les hace querer escuchar mi música y apreciarla de una manera que nunca había pasado al principio.

Fer_Rivero_4P. ¿Qué te ha aportado personal y musicalmente tu estancia en China?

FR. Personalmente, muchas lecciones de vida. Pasarlo tan mal en los comienzos y empezar una vida nueva desde cero fue un reto durísimo, pero contar con dos grandes ciudades como Guangzhou y Hong Kong con tantísimo apoyo y trabajo, es sin duda una clave para mi futuro. Musicalmente me ha dado todo, tiempo para estudiar, dinero para invertir, puntos de vista distintos, personas de todo el planeta con influencias de distintas culturas, historias que contar, sonidos e imágenes que quiero plasmar en mi música y sobre todo «pasión».

P. ¿Qué supuso para ti participar en los programas So you think you can dance o la versión española Fama a Bailar!?

FR. So you think you can dance fue un golpe de humildad en mi vida, una lección sobre cómo la honestidad y el amor por la danza pueden hacer muchos más amigos que el ego y el conocido «amiguismo». Ser seleccionado de entre más de 10.000 personas para mostrar tu talento y ser tratado con tanto respeto seas profesional o novato, me hizo ver que sí merece la pena todo el esfuerzo.

Fama a Bailar me dio la fuerza sobre el escenario, la seguridad y la confianza en mí mismo; sí he de admitir que me faltaban muchos factores representados en el programa británico pero el que fuera distinto me hizo sacar el «alma» que llevo dentro.

P. Tu música oscila entre el pop, R&B, jazz y rap. ¿Por qué mezclar estilos tan diferentes?, ¿qué los hace especiales?

FR. Creo que en la mezcla está la innovación, mezclar puede salir muy bien o muy mal, pero en el caso de que salga bien, puedes encontrarte a ti mismo. Soy un tipo de persona que no puedo escoger una sola cosa, así que ¿porqué no tenerlo todo en la cantidad exacta? Creo que ese toque de versatilidad y riesgo hace de mis canciones un estilo más variado y una nueva opción musical a tener en cuenta.

Fer_Rivero_collageP. ¿Y por qué, además, mezclar en los videoclips, tus propios temas con las acrobacias?

FR. La acrobacia ha sido una parte única en mi vida, no solo para bien, también he vivido etapas muy oscuras como gimnasta, pero sobre todo he aprendido a ser responsable y a trabajar duro, ser aún capaz de que mi cuerpo se mantenga en forma y de realizar acrobacia tanto en aire como en suelo me mantiene metafóricamente hablando «con los pies en tierra».

P. ¿Cómo ha sido la experiencia de grabar el vídeo de tu canción, My world is yours?, ¿cómo fue ese proceso de grabación?

FR. He de admitir que me sentí cómodo, normalmente me complico mucho para grabar un videoclip, esta vez quería centrarme en la canción, creo que la canté en directo más de 30 veces durante el rodaje, fui yo mismo y amé la canción cada vez que grabábamos. Por primera vez sí siento que transmito de manera real la canción mediante el vídeo, da igual el sitio, da igual la ropa, da igual el color, soy simplemente «yo» ofreciendo mi mundo a quien esté dispuesto a abrazarlo.

P. ¿Puedes avanzar algo de tu primer LP, más allá de este tema?

FR. Claro, el álbum tiene estilos distintos, no quiero que las canciones suenen iguales, quizás algunas te hacen bailar y otras te hacen pensar, el conjunto sin duda va a ser el 100% de lo que siento. Canciones como How Clever Is Your Brain van a rondar el estilo de My World Is Yours, mientras que otras canciones como In Love With You serán más comerciales y bailables. Por supuesto he añadido también algunas canciones como Sense to my Life donde expreso lo más profundo de mí con un piano y una base, espero que el público sienta esas canciones como yo lo hago.

Fer_Rivero_2P. Vendes tus temas en plataformas musicales y posteriormente, la recaudación la destinas a proyectos solidarios. ¿Es importante que los artistas muestren también su potencial humano?

FR. Para mí es muy importante ver más allá de la imagen comercial del artista, creo que un artista representa mucho más que su música o una marca y si realmente quieren ayudar a otros en proyectos solidarios, van a tener mi respeto y admiración. Siempre he querido mejorar la sociedad y aunque suene utópico, creo que con la música y la caridad puedo comenzar un movimiento más grande.

P. ¿Hace falta más humanismo en el mundo del arte en general, y en el de la música, en particular?

FR. Sí, creo que el dinero recolectado en el mundo del arte está mal distribuido en parte por culpa de los artistas, llega un momento en el que muchos se centran más en vender su producto que en ser ellos mismos y si consiguen ganar dinero con ello, suele ser para lujo y gastos innecesarios, destinar una mínima parte de ese dinero que se gana a crear algo mayor para otras personas a ellos no les ocupa nada y les puede llenar mucho más que cualquier gasto material. En la música es fácil perder nuestra propia esencia, querer llegar a ser ese producto que otros quieren, olvidar de donde venimos y el objetivo principal que queríamos conseguir. Temo que algún día deje de ser como soy ahora por culpa del éxito.

P. ¿Han sido la gimnasia y la música tus vías de superación personal, ante las dificultades que has ido teniendo a lo largo de tu vida?

FR. Sin duda al 100%. La gimnasia, la música y la danza han sido entrenamientos intensivos para mí, física y mentalmente. Cada vez que surge un problema, he sabido superarlo y ver más allá. Los obstáculos van a aparecer siempre, somos nosotros los que decidimos cuánto sufrir por ello. Gracias a las ‘’piedras’’ que he ido apartando del camino durante mi formación, ahora siento que soy capaz de conseguir todo lo que me proponga, da igual si es complicado o la pérdida que requiera, siempre me recuperaré más fuerte que cuando comencé.


Jesús Lorenzo: «En el rock encontré la mejor manera de dar rienda suelta a mi creatividad»

IMG_3217Jesús Lorenzo (Rafal, Alicante) es músico, poeta y director de cine. Desde el año 1999 es uno de los componentes de la banda «Dirección Prohibida», pero actualmente se está centrando en el mundo de la música de autor y de la poesía. Además, compagina estos aspectos con el cinematográfico, ámbito en el que ya se ha estrenado con «Todo irá bien».

Pregunta. ¿Cómo empezaste en el mundo de la música?

Jesús Lorenzo. Empecé de bien pequeño. Ya con 10 años estudiaba solfeo y piano en la escuela de música del pueblo. Soy de una localidad que tiene mucha tradición musical y es casi como una religión el que los pequeños estudien música. Yo tuve la fortuna de ser uno mas. Continué en la escuela de música llegando a tocar un instrumento de viento, pero poco después apareció en mi vida una guitarra y se torció todo [risas].

P. ¿De qué manera nace «Dirección prohibida»?

JL. La banda nace hace unos 15 años aproximadamente y yo creo que como casi todas las bandas de rock de adolescentes. Empiezan a mezclarse las primeras inquietudes sociales con la pasión por la música de un puñado de chavales que van juntos al instituto, y un día alguien propone la idea de formar un grupo y mira, a algunos les dura poco el experimento y nosotros aquí seguimos. Con muchos cambios en la formación, pero resistiendo tras un puñado de años, muchísimos kilómetros a las espaldas y cinco discos bien bonitos, aunque esté feo que yo lo diga [risas].

P. ¿Cómo definirías el estilo del grupo?

JL. Pues es que hacemos rock en español, no creo que necesitemos demasiadas etiquetas extrañas. Eso creo que es algo que también ha estado en nuestro favor todo este tiempo, aunque como en todo habrá quien crea que es algo que nos resta. No sé, hay quien lo ha llamado «Rock Poético», «Rock urbano». Al final es el rock de «Dirección prohibida» y tiene eso, que al escucharlo no te recuerda especialmente a ningún otro grupo y estamos orgullosos de ello, ya que es muy difícil aguantar tantos años en un mundo tan duro como es el del rock nacional, sobre todo con una personalidad propia.

IMG_3200P. ¿Qué lo hace especial?

JL. Bueno, quizá, como contaba anteriormente este es un rock bastante puro, sin demasiados alardes complejos, nos gusta ir al grano en cuanto a lo musical, ir a la esencia sin rodeos. Y luego siempre han resaltado las letras de las canciones, que es algo de lo que me encargo personalmente y donde me gusta darle una vuelta de tuerca a las historias y a la forma de contarlas, con mas metáforas y esencia poética y bueno, al final se tiene que notar mi parte de poeta por algún lado [risas].

P. En el mundo de la música, además de al rock, también te centras en la música de autor. ¿Qué tiene de especial cada una y por qué centrarte en estilos a priori, bastante diferentes?

JL. Sí, lo cierto es que la canción de autor siempre me ha gustado. Durante toda mi vida he compuesto canciones de este estilo, casi todas para tocarlas y cantarlas en petit comité. Algunas de mis composiciones, con un estilo más cercano a la canción de autor sí han visto la luz, pero lo han hecho porque han ido saliendo en los discos de la banda. Como por ejemplo, «Por seguir vivo», que contó con la colaboración de Rulo para el disco «Haciendo balance». O las dos que aparecen en el último disco «El sembrao de los necios», como son «La de cerrar los bailes» junto a Kutxi Romero (Marea) o «De valiente», con la colaboración también del genial cantautor Carlos Chaouen, entre otras. Pero lo cierto es que ha llegado un momento de mi vida en el que me apetece dedicarle un poco más de tiempo a las canciones así. De ahí, que me haya planteado ahora sacar unas cuantas canciones nuevas con este estilo al margen de la banda y presentarlas por mi cuenta.

P. ¿Las colaboraciones y los vídeos que subes a tu canal son independientes del trabajo que realizas con «Dirección prohibida»?

JL. Bueno, durante la trayectoria del grupo hemos tenido la suerte de hacer grandes amigos y contar con grandes colaboraciones. He mencionado ya algunas, pero también hemos contado con Vito Iñiguez, de Sinkope o Aris, de Tranfer, entre muchos otros. Todas estas cosas son los regalos y tesoros que nos ha ido dejando el rock. Y bueno, de cara a mi nueva etapa espero también poder contar con colaboraciones de amigos.

12794611_1719677178319037_8859253524305792424_nP. ¿Y cómo empiezas a introducirte en el ámbito de la poesía?

JL. La poesía es algo que siempre me gustó, desde adolescente era el típico que escribía cosas a la chica guapa de clase, aunque casi nunca se lo hacía llegar [risas]. Y nada, luego llegó el rock, donde encontré la mejor manera de dar rienda suelta a mi creatividad en cuanto a la lírica se refiere. Me sentí muy feliz y realizado por poder juntar dos de mis pasiones y hacerlas una.

P. ¿Cómo compaginas ambas cosas?

JL. Fue un placer y un lujo descubrir que no solo eran compatibles, sino que eran tan necesarias para mi. No concibo ahora mismo una cosa sin la otra. Además, el escribir poesía en el rock me llevó a poder publicar mi primer libro de poemas en el año 2009, con el prólogo además también del gran Kutxi Romero. Fue una experiencia increíble.

P. También te dedicas a la dirección de cine. ¿Tienes algún proyecto entre manos en la actualidad?

JL. Si, tras la genial experiencia de mi último cortometraje «Todo irá bien», me ha llegado la oportunidad de rodar un nuevo proyecto con un equipo más profesional y es una aventura que también tengo muchas ganas de vivir. El rodaje dará comienzo a finales de este mismo mes y tiene por nombre «ANA». Ahora mismo estamos en pleno proceso de pre-producción y con mucha ilusión.

P. ¿En qué ámbito de los tres te sientes más cómodo?

JL. Quizá en la música por llevar mas tiempo con ella, le seguiría la poesía y el cine en tercer lugar, ya que es algo que aunque me apasiona de siempre y en lo que hice mis pinitos de joven, es ahora cuando estoy entrando un poco mas en serio en el mundillo. Aunque disfruto mucho aprendiendo cada día, sí que es verdad que le tengo un poco más de respeto.

IMG_3390P. En cuanto a la poesía, ¿cuáles son tus referentes poéticos?

JL. Pues los tengo desde Bécquer (que fue de los primeros poetas que leí de jovencito), o mi paisano y admirado Miguel Hernandez, hasta autores más contemporáneos como Marwan o el propio Kutxi Romero, por nombrar dos que a priori vienen de mundos distintos. La poesía da igual de donde venga, al fin y al cabo, es poesía.

P. ¿Podrías definir tu poesía en pocas palabras?

JL. Trato de que mi poesía llegue a piel, como un gran amor o un buen orgasmo. Consigo mi objetivo, si en lo que dura el poema la piel reacciona es. Eso intento al escribirla.

P. Tanto en Instagram como en Facebook, cuelgas numerosos poemas. ¿Tienes o piensas recopilar estos versos en una sola publicación?

JL. Ahora mismo estoy preparando mi segundo libro de poemas, que espero que pueda ver la luz en los próximos meses. Contará con muchos de los poemas que voy publicando a diario en mis redes sociales y también con otros muchos inéditos.

EMDIV Music Festival y el concurso de bandas

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Verano, tiempo libre, vacaciones, amigos y ¡festivales de música! Cada día que pasa, queda menos para el 25 de junio, fecha en la que se celebrará la quinta edición del EMDIV Music Festival de Elda. Miles de espectadores se volverán a reunir en el antiguo campo de fútbol Pepico Amat, en un espectáculo de lujo. Supersubmarina, Zahara, Sidonie, Varry Brava, los irlandeses Delorentos o Ley DJ, se conforman como los pilares del cartel. Un cartel que se complementa con las bandas y DJs locales: Olivia, We are England, Yiorch, Corrientes Circulares DJs o Cristian Set Roc, entre muchos otros.

Cuarta guerra de bandas

Una edición más y por cuarto año, la organización del festival, junto al programa «Corrientes Circulares» y el medio online @murciaindie, ha puesto en marcha un concurso de bandas. Entre los premios del ganador, está la actuación en el festival, la aparición en medios de comunicación o la entrevista acústica en el programa radiofónico, «Corrientes Circulares».

Solistas o bandas rock, pop o electrónica. Unos sencillos pasos de inscripción en la plataforma social riffbizz. 45 minutos de actuación. Tras los breves conciertos, se elegirán a tres finalistas. Uno de ellos será escogido por el público, otro por el programa «Corrientes Circulares» y el tercero, por el medio digital @murciaindie. Finalmente, los tres elegidos actuarán de nuevo el 16 de abril, en un lugar todavía «por determinar».

Lolo Moldes: «Cráteres son heridas cicatrizadas, que han dejado su huella»

Foto Lolo Moldes 4

Es músico, compositor, productor musical e ingeniero de sonido. Aunque la relación de Lolo Moldes con el mundo de la música viene de mucho más atrás, de cuando tenía ocho años y empezó a tocar la guitarra. O de cuando comenzó a dar clases en el conservatorio. De hecho, él mismo ha reconocido que ya nació con una guitarra debajo del brazo. Ahora está en pleno proceso de promoción de «Cráteres», su primer audio-libro recién presentado a los medios, y que llevará al leonés el próximo sábado 12 de marzo a la Sala Barco de Madrid. Un trabajo que va más allá de la música, ya que también aúna poesía e ilustración. Esta última, a cargo de los artistas bercianos Cristina Montero, Ana Gaztelumendi, C. C. Sulé, Jorge Solana, El Abrelatas, Javier Carpintero, Roque Castedo, Raquel Palacio, JuanMa Salví y Roberto Canedo.

Pregunta. ¿Qué te llevó a lanzar tu carrera como artista?

Respuesta. Lo cierto es que la inercia me llevó hasta este punto. En ningún momento me planteé lanzar mi carrera musical. Simplemente, llega un día en el que pintas un cuadro que te gusta y decides mostrarlo en público.

P. ¿Cómo nace «Cráteres»?

R. En principio, tan solo eran unos textos y unas melodías que tenía guardados y que poco a poco fueron cogiendo forma. Hasta que se convirtieron en canciones. Pero como además, tenían cierto colorido y carácter desde mi punto de vista, consideré que tenían que complementarse con imágenes. Por eso contacté con unos amigos de El Bierzo, para proponerles que dibujaran las canciones. A ellos les gustó la idea y se volcaron enseguida.

P. ¿Cómo está estructurado este trabajo?

R. Tiene dos partes. En la primera de ellas aparecen las canciones, con las letras de las mismas y su respectiva ilustración. La segunda está dedicada a la poesía y reflexión. Son resquicios que quedaron anotados durante el proceso compositivo y no quise que se perdieran, porque forman parte de toda la creación de «Cráteres».

Portada dossier (2)

P. ¿Por qué llamarlo así, «Cráteres»?

R. «Cráteres» es claramente una metáfora. Si tuviera que definirlo con una frase, diría que son heridas cicatrizadas, pero que han dejado su huella. En definitiva, es un mapa del alma. Engloba muchas cosas en cuanto a la temática. principalmente, hacen referencia a cuatro pilares fundamentales: los sentimientos familiares, temas políticos que de alguna manera te mueven, la tierra y el amor.

P. ¿Qué hace especial este trabajo?

R. Es honesto y sincero, ha salido del alma sin ningún tipo de pretensión, más que ser un proyecto terapéutico. Ocurre que después de mucho tiempo viviendo en Madrid, me siento desilusionado con el entorno y decido poner tierra por medio. Me marcho para poner mis ideas en orden y descansar. A partir de ahí, nace y se consolida «Cráteres». Por eso pienso que es honesto y sincero.

P. ¿Cómo ha sido la experiencia de grabar este audio-libro?, ¿repetirías?

R. El formato quizás no lo repetiría, pero el estilo, y los puntos personales y musicales a los que he llegado gracias a «Cráteres», sí que me gustaría conservarlos, porque me han hecho evolucionar y crecer en una dirección que me gustaría seguir investigando.

P. ¿Cómo ha sido el proceso de producción de «Cráteres»?

R. Para conseguir que la esencia de «Cráteres» se mantuviera intacta, todo lo que es el proceso creativo de los temas y las melodías, es una carrera de fondo en la que yo me encerré completamente solo con mis instrumentos. Secuencio los instrumentos que yo no puedo tocar, para luego pasárselos a instrumentistas que sí que pueden hacerlo y que además, aportan su toque personal.

Foto Lolo Moldes 3

P. ¿Cómo diste con las personas que te iban a ayudar en este proceso?

R. En el tema musical, ya tenía claro con anterioridad a las personas que quería que formaran parte del plantel, porque llevo mucho tiempo trabajando en el mundo de los directos y he coincidido con mucha gente. Y poco a poco vas asociando a las personas que pueden encajar, tanto a nivel profesional como humano. Este último aspecto es muy importante para que el proyecto creciera.

A nivel artístico, el diseño de los dibujos fue previo al proceso de producción. Con anterioridad, pasé a unos amigos unos bocetos de los temas al desnudo, tan solo con la guitarra y la voz, para que no se vieran influenciados por otros artificios. Y sobre eso, construyeron sus obras. No hubo ningún tipo de restricción en este sentido, cosa que ha hecho que «Cráteres» tenga mucha más fuerza.

P. ¿Qué supone para ti presentar tu disco en la Sala Barco de Madrid?

R. Pues imagínate. La Sala Barco es una de las más emblemáticas de la ciudad. Llegar de fuera y poder actuar allí es todo un lujo.

P. ¿Alguna sorpresa para el concierto del 12 de marzo?

R. Bueno, algo hay pensado [risas]


El festival Wegow Day agota las entradas

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El próximo sábado 5 de marzo, Ochoymedio Club (Sala But) se convertirá en el escenario del festival indoor Wegow Day, por el que pasarán tres bandas de las grandes bandas del panorama indie español. Los catalanes Dorian, que se alzan como cabeza de cartel, Varry Brava y Mirémonos son los grupos elegidos para participar en este espectáculo.

Wegow es quien organiza este evento musical. Esta página web, la pionera y primera red social que conecta a personas amantes de la música en directo y con gustos musicales similares, ha aprovechado la celebración de su segundo aniversario para reunir a Dorian, Varry Brava y Mirémonos en un mismo escenario. Por el momento, el éxito de Wegow Day ha sido tal, que a poco más de dos semanas del espectáculo, se han agotado todas las entradas.

Un festival que dará comienzo el 5 de marzo a las 20.00 horas y que durará hasta la medianoche. Tras la actuación de estas tres bandas referentes en España, diversos DJs residentes harán disfrutar con sus sesiones el resto de la noche. Por lo que, desde la finalización del concierto de estos grupos y hasta las 2 de la madrugada, los asistentes podrán acceder a la sala de manera gratuita.

La apertura de puertas será a las 19.30 horas, aunque hasta las 20.00 horas no dará comienzo este mini-festival. La primera banda en actuar será Mirémonos, a la que seguirá Varry Brava, alrededor de las 21.00 horas. Dorian, primer grupo en confirmar y cabeza de cartel, saldrá al escenario sobre las 22.00 horas y se encargará de cerrar el Wegow Day.

Dorian

Este grupo procedente de la ciudad de Barcelona, se ha convertido a lo largo de sus 10 años de vida en un referente de la música indie, no solo en España, también en bastantes países de Latinoamércia como México, donde han actuado en multitud de ocasiones. Con su último trabajo, «Diez años y un día», han celebrado su décimo aniversario como banda. De hecho, durante 2015 recorrieron numerosos escenarios de todo el mundo. Entre las sorpresas de este disco, ha habido colaboraciones con otros artistas, como Santi Balmes (Love of lesbian). Además, en su gira de presentación contaron con nuevos instrumentos, como violín, viola y violonchelo .

Varry Brava

Esta banda murciana creada en el año 2009, saltó al panorama musical con la que fue su primera maqueta «Ídolo» en 2010. Poco a poco, fueron adquiriendo mayor repercusión tras aparecer en los «Conciertos» de Radio 3. Además, con este trabajo recorrieron algunos de los escenarios y festivales más importantes a nivel nacional. En 2012, llegó su primer álbum «Demasié» y dos años después, su último trabajo, «Arriva: 16 Horas de Juego y 4 Litros de Bebida energética», con el que consiguieron «colarse» en la lista de discos más vendidos.

Mirémonos

Un graffiti en una pared de Malasaña les dio el nombre del grupo en el año 2009. Y a continuación, llegó su primer EP «Kaizen», con el que ganaron el concurso Creación Joven del Ministerio de Cultura. 2011 se planteó como año productivo para los madrileños, que publicaron su single «Jägermeister», considerado por la revista Mondosonoro como uno de los cinco mejores demos del año. «Porno» surgió en 2012, mientras que en 2014 nació su último EP, «Triángulo de las Bermudas». A finales de 2015, realizaron y subieron a Bandcamp, el single «Parece carnaval».


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