Zenobia presenta «Alma de fuego II» en Madrid

A finales de 2016 publicaban su nuevo álbum, «Alma de fuego II». Y con el cambio de año, toca gira. El «Alma de Fuego Fest» comenzó el 11 de febrero en Burgos y el próximo 17 de marzo, llega a la capital del reino. Zenobia presentará su trabajo más reciente en la Sala Penélope de Madrid. No estarán solos, porque compartirán escenario con las bandas Regresión y Guadaña. Un tour, que continuará por las ciudades de Bilbao y Barcelona.

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«Alma de fuego II» llega siete años después de su predecesor, del segundo álbum de la banda, el que fuera el más emblemático, «Alma de fuego». Con este nuevo trabajo, las demandas de los fans, obtienen su merecida respuesta. Y es que, tanto el título del nuevo disco, como el sonido del mismo, nos devuelven a los Zenobia más duros, a los Zenobia del año 2009.

El álbum ha sido grabado y mezclado, una vez más, por su productor habitual Dan Díez en los estudios Rock Lab de Haro (La Rioja).

Esta segunda entrega llega con novedades. Haber fichado por Maldito Récords no es la única. Jorge Berceo, Víctor de Andrés, Salva Hache y Javi Herrero, cuentan con una nueva incorporación en su banda: la de Ernesto Arranz a los teclados. Pero las buenas nueva no quedan ahí. El Orfeón Logroñés colaboró con Zenobia, en la grabación del tema «Militia est vita».

Zenobia en los Premios MIN

La banda riojana está también de enhorabuena, por haber pasado a la siguiente fase de los Premios MIN. Optaban a siete de las candidaturas de estos premios a la música independiente: Mejor Artista, Canción del Año, Mejor Álbum, Mejor Álbum de Rock, Mejor Productor, Mejor Videoclip Musical y Mejor Diseño Gráfico. Y el próximo 28 de marzo, sabremos si el nombre de Zenobia está entre los ganadores.


ENTRADAS DISPONIBLES EN TICKETEA

Viernes, 17 de marzo 2017

Sala Penélope (C/Hilarión Eslava, 36)

Metro: Moncloa

Apertura de puertas: 19.30h

Concierto: 20.00 horas


 

 

Oda al agua en «Mar abierto», el nuevo álbum de Jenny & The Mexicats

Se conocieron hace casi nueve años. Un ‘tablao’ flamenco fue suficiente para juntar a dos mexicanos, una inglesa y un español. Ese fue el gérmen de lo que hoy es Jenny & The Mexicats. Casi una década después, Jenny Ball, David González, Pantera e Icho presentan su tercer disco, «Mar abierto». Esta noche, la Joy Eslava de Madrid, será testigo de una auténtica revolución de géneros musicales, tan distintos como las nacionalidades de los miembros de esta multicultural banda.

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Pregiunta. ¿De qué manera se refleja en vuestra música, la multiculturalidad de la banda?

Pantera. Lo cierto es que no está hecho con ninguna intencionalidad. Simplemente, al juntarnos personas con diferentes caracteres y nacionalidades, sale. Nuestra música es el resultado de juntar a un guitarrista flamenco, a un contrabajista de rockabilly, una trompetista de música clásica y a un tipo influenciado por la timba cubana y el jazz. Es el idioma en común que hablamos.

Pregunta. ¿Cómo nace vuestro último álbum, «Mar abierto»?

Pantera. Fue un proceso un poco caótico, ya que cada uno aporta un género, unas letras, unas experiencias. Jenny, por ejemplo, compone muy poéticamente; mientras que David o yo, tenemos otro estilo y contamos nuestras experiencias sin tanta poesía. Eso sí, siempre intentamos que suenen bien, tratamos de hacer lo mejor de cada canción. La creación de este álbum fue muy divertida. Al final, acabamos todos hablando del agua, de la lluvia y de los temporales. De ahí, «Mar abierto».

Pregunta. ¿Y por qué, precisamente el agua como hilo conductor del disco?

Pantera. Fue casualidad. En su momento, cuando acabamos de montar los temas en el local de ensayo, nos dimos cuenta de que la temática común era el agua. Sin querer, encontramos el hilo conductor de este álbum. En cuanto al título, «Mar abierto», nos pareció una frase muy bonita y por eso la elegimos.

Pregunta. ¿Fue complicado crearlo durante la gira anterior?

Pantera. Más que complicado, fue trabajoso buscar ratos libres en los que pudiéramos parar y crear este nuevo álbum. Tuvimos que abrir el cajón y empezar a darle estructura a algunos de los temas, antes de entrar a grabarlos al estudio.

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Pregunta. ¿Cómo fue grabar de nuevo en los Estudios Valenzo de Ciudad de México?

Pantera. Muy bien, la verdad. Siempre intentamos trabajar con la gente que nos da buena vibra, buen rollo. Los productores son los mismos que nos ayudaron con los dos discos anteriores. Con los anteriores, tuvimos un «Disco de Oro» y algunos de los sencillos fueron «número 1» durante unas semanas. Así que, si algo funciona bien, ¿para qué vamos a cambiarlo?

Pregunta. La mitad de las canciones está en inglés y la otra en español. ¿Por qué se conoce a este sonido, como «sonido Mexicat»?

Pantera. Lo llamamos así, porque siempre nos intentan etiquetar y no sabemos cómo llamar a nuestro sonido. En México nos pasaba mucho: nos decían que si hacíamos pop en español, pop en inglés, que si música del mundo, que si es jazz. Así que, al final, surgió lo del sonido Mexicat como una broma y se quedó. Al principio, era algo entre nosotros, pero al final el término se expandió. Somos un poco el hijo bastardo de Amy Winehouse, con Paco de Lucía, Camarón y Elvis Presley.

Pregunta. ¿Qué supone para vosotros presentar «Mar abierto» en España?

Pantera. Es muy bonito para nosotros. Porque aunque seamos dos mexicanos, una inglesa y un español, la banda se creó en Madrid y empezamos a girar por toda España. En su momento, cuando empezamos y no teníamos todo el equipo humano actual, nos recorrimos todas las pequeñas salas del país. Y lo cierto es que nos gustaría quedarnos más tiempo, pero no podemos. Tenemos que seguir girando por EEUU, donde tenemos 22 fechas a partir del 10 de marzo. Además, también tenemos previsto viajar a México, Colombia, Argentina, Inglaterra o Alemania.

Pregunta. ¿No os hubiera gustado descansar un poco entre una gira y otra?

Pantera. Sí, quizás sí. Pero hay muchas cosas que contar y muchas letras que explotar todavía. Así que, casi preferimos enseñar todo lo que tenemos que enseñar antes de descansar.

Capitán Cobarde: «Todas las canciones de Carretera Vieja son cuentos»

Hay historias que merecen ser contadas. Historias con carga social. Historias sin ella. Historias con tintes más alegres. Pero historias al fin y al cabo. Cuentos que si tienen la voz de Capitán Cobarde, suenan de diferente manera. Suenan bonitas. «Carretera Vieja» es el segundo álbum del artista sevillano, tras dejar atrás su anterior nombre artístico [Albertucho]. Y lo cierto, es que ya puede presumir de haber recorrido casi todo el país.

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¿Cómo fue la transición de Albertucho a ser Capitán Cobarde?

Fue un paso muy natural, la verdad. Empecé en esta profesión con 17 años, cuando me vine a Madrid desde Sevilla por temas de trabajo. Desde ese momento, tuve suerte de conocer a las personas adecuadas. Llevo toda la vida haciendo esto y pienso que lo primordial es ser honesto con uno mismo y con la gente que te escucho. Yo lo único que he hecho, es hacer lo que me da la gana. Sin más.

En este último disco, se dice que hay mucha mezcla de géneros (rock andaluz, folk, etc), pero aseguras hacer siempre lo que te apetece. ¿Es una manera de huir de las etiquetas?

Sí. A ver, tengo mis gustos como todo el mundo. Lo cierto es que son muy variados y todo lo que me resulta interesante, lo escucho. Mi música favorita siempre ha sido el folk-rock: Neil Young, Bob Dylan…Pero no me cierro y escucho más cosas. Y al final, todo eso lo adapto a mi manera y hago mi propia música. Pero las etiquetas, las pone la gente. Tú simplemente haces tu música.

¿Por qué quieres reinventar el folk andaluz?

Esa es la identidad de la que hablaba. Yo escucho muchas cosas, pero al final me interesa estar en el mapa. Yo no hago música country y parece que sea de Kentucky [risas]. Yo soy de Sevilla. Así que lo de querer reinventar el folk, es más que nada un homenaje que quiero hacer a mi tierra. Me encantaría hacer un disco en el que, con mis propias influencias, pudiera homenajear a Triana y al resto de grupos que han creado esa cultura tan bonita del rock’n’roll sevillano.

El anterior álbum salió adelante mediante crowdfunding. ¿Repetirías experiencia?

Si no me queda más remedio, sí. Es una experiencia bonita porque tu gente te ayuda, pero he tardado muchísimo tiempo en sacar el álbum. Fueron casi dos años hasta que finalmente vió la luz: entre que preparas el crowdfunding, consigues el dinero, sacas adelante el proyecto…la espera se hizo eterna. Tiene mucho de bonito porque tu gente está ahí, pero yo prefiero que venga uno y me diga: «Toma, te pago el disco y lo hago en dos meses». A mí me gusta trabajar más rápido.

¿Y cómo ha sido pasar del crowdfunding a trabajar con una discográfica como Maldito Records?

En lo que respecta a rapidez, se ha notado. Maldito Records confió en el proyecto y al final, como resultado tenemos un disco que suena «cojonudo». Todo el mundo se ha implicado mucho. Me gusta trabajar rápido porque si no, al final te cansas de las canciones.

¿Cómo definirías el disco en dos o tres palabras?

Todas las canciones son cuentos. Eso es lo que tienen en común.

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¿Qué hay tras «Carretera Vieja», el título del álbum?

Es la carretera que va a casa de mis padres. Y es que a la carretera de Dos Hermanas, se la conoce como Carretera Vieja. Es por el camino por el que he ido muchas veces con la cabeza agachada. Es como el nexo de unión entre la música y la vida.

¿Cómo ha sido colaborar en este disco con Juanito Makandé, El Canijo de Jerez, Astola o DePedro?

Ha sido un placer porque son colegas míos. Aparte de ser unos artistas maravillosos. Son compañeros de trabajo y de «modus vivendi», porque desde los 16 años, todos estamos subidos en los escenarios. Nos hemos criado cantando.

Dani Alcover ha sido el productor del disco. ¿Cómo fue trabajar con él?

Es un tío encantador. Aparte de que es un auténtico genio, porque tiene mucho recorrido, además de una gran sensibilidad musical. Ha mirado mucho por las letras, quería que sonaran a cuento. Dani les ha dado vida. La verdad es que ha sido una maravilla trabajar con él.

¿Por qué esas ganas de rescatar o contar historias a través de este disco?

Sencillamente, porque me gusta. Mark Twain, por ejemplo, decía que le gustaban tanto las historias, que al final tenía que acabar haciéndolas él. A mí me pasa un poco lo mismo, es una manera de revelarme: como me gustan las historias, quiero ser yo quien las haga. Al final de todo eso, queda la moraleja. Y quien le da sentido a los cuentos, es tu propia oreja.

De ahí, que haya canciones como «Una flor» en este álbum.

Claro. Esa canción es el cúlmen del sinsentido y la violencia. Algo similar pasa con otros temas, como con «Enano de ojos tristes». Sí, a simple vista son unos enanos que se están marchando de un circo, pero si analizas un poco, descubres que la historia va más allá. El hombre bala es la violencia o el domador es un mafioso. Obviamente, cada uno puede ver lo que quiera. Esa es la magia de los cuentos.

RECOMENDACIONES MUSICALES DE CAPITÁN COBARDE

Pasa la vida, de Pata Negra

De cartón pieda, de Joan Manuel Serrat

Little Lion Man, de Mumford & Son


Vendetta: «En Bother nada sobra y nada falta, es un disco redondo y valiente»

Casi ocho años juntos y cuatro discos previos. Llegó el 2016 y Vendetta sorprendió con nuevo trabajo. Después de dos años, la banda volvía a los estudios de grabación de PaxkalEtxepare, para grabar su quinto álbum «Bother», con el que las raíces ska se mantienen, pero se mezclan con ciertos toques reggae y electrónicos. Y con la llegada de este nuevo año, la banda comienza con nueva gira, con la que recorrerán distintas ciudades españolas y también algunas europeas.

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Pregunta. Este pasado año, no habéis parado con vuestra anterior gira. ¿Cómo ha sido no tener ni un minuto de descanso?

Vendetta. Estamos muy acostumbrados a no parar, por desgracia. O más bien por suerte. La verdad es que estamos hechos a eso, arrancamos siempre con toda la energía del mundo, con acabar la gira y pensar en los nuevos temas, así que al final acabas empalmando con la siguiente. Así que, cuando nos dicen que vamos por el quinto disco, no nos lo podemos creer. No hemos tenido tiempo para respirar y reflexionar.

P. ¿Cómo ha sido llevar vuestra música hasta Latinoamérica?

V. Desde que empezamos, hemos hecho giras internacionales. Desde el primer año, cogimos la furgoneta y nos fuimos a Suiza con unos contactos que teníamos. Así que picando piedra, hemos pasado ya por Suiza y Alemania, e incluso hemos cruzado el charco, llegando hasta Perú, Argentina, Chile o Uruguay. Este año también lo tendremos en cuenta y atravesaremos fronteras. Para nosotros este punto es muy importante, ya que somos una banda afincada en Euskal-Herria, tocamos mucho dentro de España y salir fuera del país, para nosotros es ampliar nuestro repertorio de sensaciones. Porque claro, el público es diferente en cada lugar.

P. ¿Y cómo es la acogida de vuestras canciones en otros países, especialmente aquellas que cantáis en euskera?

V. En cada lugar es diferente. En Suiza, por ejemplo, el circuito que frecuentamos es muy alternativo y la gente va a nuestros conciertos, principalmente por el estilo que trabajamos. Porque ni el español, ni el euskera ellos lo entienden, al menos la mayoría. Y la verdad es que es muy curioso ver cómo van, cantan las canciones y bailan. Pero es que esa misma sensación la tenemos incluso cuando venimos a actuar a Madrid. El púbico responde de manera positivo. Y es muy bonito ver cómo gente que no sabe euskera, se aprende los temas. En Latinoamérica nos pasa algo similar a lo que nos sucede en Madrid, por ejemplo.

P. ¿Cómo nace «Bother», en medio de toda esa gira anterior?

V. Surge de la necesidad de escribir, de contar, de crear. Al final, somos una banda de directo, pero nos gusta contar cosas nuevas en nuestros conciertos, y para eso hay que sacar disco nuevo. El proceso de creación, no tiene fecha fija. No es cuestión de decir: «de tal fecha a tal fecha es la gira, y de ésta a ésta, componemos». Son aspectos que van surgiendo de manera simultánea. Sí que es cierto que hay un periodo como de dos años, que parece un estándar en las bandas. Y al final, entras en esa dinámica de sacar disco cada dos años. En nuestro caso, hacerlo a la vez que giramos es algo cañero, pero nos gusta. Así que no nos cuesta sacar tiempo para ello.

P. ¿Podrías definir el disco en un par de palabras?

V. Redondo, porque hemos trabajado el disco 360º. En todo lo que respecta a estilo, temas, diseño del álbum, a todo en general. Nada sobra y nada falta. Además es un disco valiente.

P. «Bother the police» fue el primer single y la primera parte de un videoclip de tres. ¿Por qué esta canción la primera?, ¿y por qué publicar un videoclip en tres partes?

V. Fue el primero de los tres, porque es una canción que representa muy bien a Vendetta, refleja muy bien qué somos. Además, en ese tema cantamos todos, es súper marchoso y tiene ese toque de reivindicación.

En cuanto a lo de la trilogía, teniendo en cuenta que hemos dado un salto en este disco en cuanto a sonoridad, también hemos decidido darlo en el tema del formato de los videoclips. Tres vídeos relacionados entre sí, en lo que a historia se refiere [ya están publicadas la primera y la segunda parte].

P. Hablando del cambio de sonoridad. ¿Por qué esta evolución?

V. Consideramos que ya era el momento de cambiar, al ser éste el quinto álbum.  No queríamos repetir, no queríamos seguir haciendo lo mismo que en álbumes anteriores. Habíamos trabajado ya algo la electrónica, y en «Bother» hemos profundizado en este aspecto. De hecho, este género nos ha ayudado mucho, da un toque diferente al disco. Nos ha servido para darle una vuelta de tuerca más a nuestro sonido.

La verdad es que nos gusta investigar otros estilos y mezclarlos, a lo «jamaicano». Y esta vez, le hemos dado más importancia que otras veces, aunque siempre hayamos mezclado tres y cuatro géneros distintos.

P. En cuanto a las letras, ¿qué importancia tienen?

V. No sabríamos decir una proporción exacta, pero importancia tienen mucha. En realidad, los músicos ponemos voz a las cosas que vemos, a las cosas que nos pasan a nosotros y a todas las personas que sufren lo mismo que nosotros. En ese aspecto, siempre hemos tenido claro que pondríamos voz a todo aquello que nos pareciera injusto. Sin dejar de ser alegres y combativos.

P. ¿Cómo afrontáis este tour 2017?

V. La gira empieza a finales de marzo. Recorreremos varias ciudades españolas, festivales y también caerá Europa. Y la afrontamos con muchísmas ganas, con ansias de montar el mejor directo, que hayamos hecho nunca.

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RECOMENDACIONES MUSICALES DE «VENDETTA»

«So lonely», The Police

«X Ray-Visions», Clutch

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«Trafalgar en acústico», de Rafa Caballero llega mañana a Madrid

Mañana 18 de febrero, en la Sala Fulanita de Tal (Madrid), Rafa Caballero presenta su proyecto Trafalgar en acústico. El concierto es a las 21.30 horas.

Foto de Marina Talavera

Foto de Marina Talavera

Rafa Caballero continúa con la presentación de su primer disco en solitario, Trafalgar (2016. Con él en la mano, lanza también un nuevo proyecto: Trafalgar en acústico, un duelo musical donde la voz y el piano se retan en diferentes estilos y que dialogan a base de swing, blues, jazz, bossa, flamenco, tango, boleros o rancheras, entre otros. Este programa de conciertos arranca en Madrid, mañana sábado 18 de febrero en la sala Fulanita de Tal y después recorrerá diferentes ciudades españolas a lo largo de los próximos meses. En esta gira acústica, el cantante va acompañado por el pianista francés Pierrick Reglioni. Para el estreno en la capital, el show contará también con el batería Alfredo Martín (Alfie) como músico invitado.

Trafalgar en acústico ofrecerá una revisión inédita de los temas propios de la ópera prima de Rafa Caballero y también una selección de grandes clásicos de la canción hispanoamericana. En este primer disco publicado hace unos meses, Trafalgar, el cantante jerezano afincado en Madrid mezcla boleros, rancheras y medios tiempos con pinceladas de jazz y flamenco donde la voz, las letras y el sonido del piano son las señas de identidad. «Yo soy un escritor de canciones, más allá del estilo y los sonidos. Lo que hago es contar y cantar mis historias», plantea Rafa Caballero. El trabajo, grabado en los estudios Lalavalab de Madrid, ha obtenido en este tiempo el asombro y el aplauso de crítica y público por ser un disco arriesgado hoy en día y original.

El que fuera cantante y compositor de Hoja de Ruta, y de otros grupos anteriores, se ha rodeado para sus primeros pasos en solitario de músicos de solera como son el citado Pierrick Reglioni al piano (83 Nolystreet), Rayco Gil a las percusiones (Marcela Moreno, Little Wonders), Alberto Román al bajo (Sadunia) y Alfredo Martín a la batería (Hoja de Ruta, Afro Night), con quienes Rafa Caballero seguirá presentando también su Trafalgar en eléctrico durante este año. Otros músicos como Iria Armesto (The Chinese Birdwatchers, Amaral) o David Pardo (Hoja de Ruta) han colaborado también en el CD.

Boreal Project: «Boreal evoca una alusión al norte, con todas las metáforas que la palabra pueda sugerir»

La banda de jazz/folk Boreal Project debuta con su ópera prima «Boreal», un LP que salió adelante gracias a una campaña de crowdfunding. La Sala Galileo Galilei será testigo este miércoles 7 de diciembre, de la primera presentación pública de este álbum. A partir de las 21.00 horas, tenemos una cita en los escenarios con Lorea Aranzasti, Mario Quiñones, Miguel Ángel López, Gerardo Ramo y Miguel Benito.

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¿Cómo nace Boreal Project?

Nace hace dos años cuando Lorea Aranzasti (voz) y Miguel Ángel López (piano) se conocen estando de gira por Suiza. Allí deciden comenzar a componer y enseguida nos unimos el resto (contrabajo, guitarra y batería).

¿Por qué ese nombre?

Creemos que evoca una alusión al norte, con todas las metáforas que la palabra pueda sugerir.

¿Por qué aunar jazz y folk en las canciones?

Porque es lo que nos gusta. No hay un planteamiento estilístico planeado a priori. Es lo que hacemos y es lo que nos gusta. Después tratamos de que todas esas influencias se aúnen de forma orgánica.

¿Por qué vuestras letras y vuestros acordes son un viaje al norte?

Sentimos la necesidad en este proyecto de parar el ritmo, de crear una música que nos detenga y nos coloque en una posición más meditativa.

¿Qué importancia tienen las letras de las canciones para vosotros?

Mucha. Intentamos que la estética y sonoridad de nuestras letras funcionen lo mejor posible con la sonoridad de nuestra música.

¿Qué influencia o importancia tiene el violín barroco en vuestros temas?

No mucha la verdad, pero hay algún que otro detalle en el disco que deja entrever esta faceta.

¿Qué pensáis de la siguiente frase: “El grupo apunta a ser una referencia de la música independiente de la escena actual”?, ¿de acuerdo o no?

Totalmente en desacuerdo. No apuntamos a nada. Tan solo pretendemos vivir de esto. Tal y como está la situación musical hoy en día, no creo que tengamos la oportunidad de convertirnos en referencia de nada, pero si así fuera, será algo no pretendido pero por supuesto bien recibido.

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¿Cómo surge este primer disco, Boreal?

A partir de componer poco a poco un repertorio propio y de darnos cuenta de que sería bonito llevarlo a un disco. Después de una serie de ensayos y conciertos, vimos que el repertorio estaba lo suficiente maduro como para sonar orgánicos en un disco.

¿Cómo fue el proceso de creación de esos nueve temas?

¡Muy variado! Hay temas de Lorea, de Miguel Ángel y míos. Cada uno compone a su manera. No obstante Lorea y yo hemos colaborado mucho en casi todos los temas aportando pequeños arreglos o aportaciones.

¿Por qué decidisteis versionar un tema de Goldfrapp?

A Lorea y a mí nos encanta esta banda y disfrutamos mucho tocando ese tema en concreto.

¿De qué manera afrontáis la presentación del disco en Madrid, el 7 de diciembre?

Como una gran fiesta en la que lo vamos a pasar muy bien y en la que queremos que la gente pueda relajarse y vivir un bonito viaje con nuestra música.

¿Algún avance de lo que se vivirá en el concierto?

Estaremos todos los músicos del disco, los cinco de la banda y el trío de cuerdas, y tocaremos el disco entero de arriba abajo como concepto.

¿Cuál es el siguiente paso de Boreal Project?

Tocar mucho en directo y seguir componiendo para el siguiente disco.


Distrito Rojo: «Este disco es sincero, directo, fresquito. Son diez canciones de rock con letras bastante íntimas»

Tarragona fue testigo del nacimiento de Distrito Rojo, banda de rock formada por Xavi Moreno, Albert Paredes, Joan Claver y Jordi Busquets. Tras varios proyectos fallidos, las ganas de seguir componiendo fueron más grandes. Y hasta ahora. Actualmente, los catalanes se encuentran en plena promoción de su trabajo, «Distrito Rojo».

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Pregunta. ¿Cómo coinciden «Distrito Rojo» y cómo nace la banda?

Distrito Rojo. Xavi y yo [Joan] nos conocemos desde hace tiempo y hemos tenido varios proyectos juntos. «Distrito Rojo» nace de una necesidad, tras cerrar una etapa anterior. Decidimos volver a la carga con este nuevo proyecto. Teníamos ya varios temas pensados y nos pusimos en marcha, sacando disco y preparando toda esta movida.

Pregunta. ¿Y por qué ese nombre?

DR. Buena pregunta. Es un nombre que curiosamente, cuando acabamos la anterior banda que teníamos, tenía pensado. Así que se lo dije a Joan. Lo más gracioso es que él también lo tenía apuntado en una lista de posibles nombres. Entonces lo tuvimos claro [risas]. Es un juego de palabras que puede tener varios significados y nos gustaba.

Pregunta. ¿De qué manera volcáis en este proyecto, toda la experiencia previa en este mundo?

DR. Todo lo anterior que has hecho, no deja de ser un aprendizaje y te marca un poco el camino a seguir. Los aciertos, los errores y las cosas que te hubiera gustado hacer en su momento, influyen. Al final, tratas de avanzar y aprender de lo que has hecho anteriormente.

Pregunta. ¿Qué estilo creéis que define mejor lo que es «Distrito Rojo»?

DR. Somos una banda de rock. No nos gusta decir mucho más. Diríamos que rock, quizás por la sonoridad y por la manera de escribir y hacer las letras. Aunque realmente, es algo que no nos gusta. Huimos un poco de las etiquetas. Al final es música.

Pregunta. Definid este disco con dos o tres palabras.

DR. Sincero, directo, ‘fresquito’ [risas], variado. Son diez canciones de rock con letras bastante íntimas, personales, que tratan de temas diferentes.

Pregunta. ¿Por qué es tan importante que las letras sean tan íntimas?

DR. Al final, uno escribe lo que le sale. Cuando te pones a escribir un tema, no lo haces de manera premeditada, sabiendo a ciencia cierta lo que vas a escribir. No piensas: “voy a escribir de la guerra”. Simplemente escribes lo que en ese momento, está en tu cabeza. Lo que te viene en ese momento y quieres realmente plasmar en un tema.

Pregunta. ¿Cómo fue grabar el disco en los Estudios Sonido XXI, junto a Javi San Martín?

DR. Allí estuvimos mezclando el disco, realmente. El álbum lo grabamos en nuestro estudio de grabación y a Sonido XXI solo fuimos a mezclar. Aunque Javi sí que vino antes al estudio y nos hizo la preproducción, nos ayudó a montar los temas.

Pregunta. ¿Y cómo fue la experiencia de trabajar con él?

DR. Con él ya habíamos trabajado en la banda anterior. Habíamos grabado dos discos juntos y además, ya teníamos con él una relación de amistad. Digamos que lo quisimos grabar en casa, por hacerlo tranquilamente y con tiempo, pero con la supervisión de Javi, porque nos gusta su manera de ver la música. Además, tener una visión externa de un profesional como él, siempre viene bien.

Pregunta. Rulo colabora con vosotros en vuestro tema «Vuelo nocturno». ¿Cómo se dio la colaboración?

DR. A Rulo lo conocíamos ya desde hacía unos años y tuvimos la oportunidad de que cantara con nosotros. Así que no lo dudamos ni un momento. Nos hacía ilusión, le pasamos el tema y él aceptó encantado. Eso sí, no pudimos estar juntos en el estudio, porque él tenía mucho trabajo. Así que lo grabó desde casa y nos lo mandó.

Pregunta. ¿Cuál es el siguiente paso de la banda?

DR. Básicamente, seguir con la promoción y empezar a programar conciertos, que es lo que realmente nos gusta. No apetece que la gente nos vea, para que de verdad capten la esencia del grupo. De hecho, el 31 de marzo por ejemplo, actuamos en la «Jimmy Jazz» y el 1 de abril en «La Mala», ambas salas en Madrid. Antes, actuamos en Calatayud (el 2 de diciembre) y en Zaragoza (el 3 de diciembre).

RECOMENDACIONES DE «DISTRITO ROJO»

«Bohemian Rhapsody», de Queen

«Agradecido», de Rosendo

«Salir», de Extremoduro


Me quito el cráneo: «Nosotros creíamos que tocábamos música country y zarzuela interestelar»

La risa y el esperpento trasladado al ámbito de la música. Con la incertidumbre de qué tipo de canciones hacen, «Me quito el cráneo» presenta su primer disco en la Sala BarCo de Madrid esta noche. Del día de hoy, sábado 12 de noviembre de 2016, no se sabe absolutamente nada. Todo lo que suceda a partir de las 23.00 horas, está en manos de Chumi, Carlos y Chus, los tres componentes de la banda madrileña «Me quito el cráneo».

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¿Cómo nace Me quito el cráneo?

«Me quito el cráneo» nació como una banda de country [risas]. No, en realidad, la banda surgió tras juntarme [Chumi] con Nacho, un componente del grupo que ya no está. Luego, se unieron Carlos y Chus. La verdad es que sonábamos bien, pero poco a poco, nos dimos cuenta de que los tres sonábamos aún mejor.

¿Por qué esa alusión con vuestro nombre, a «Luces de Bohemia» de Valle-Inclán?

Porque Valle-Inclán era esperpéntico, como nosotros, y encima Chumi lo ama con locura. Además, tenemos su brazo escondido en el local, como era manco [risas]. Con todo el tema del brazo, Valle-Inclán cada vez contaba una historia distinta para justificar que era manco. La verdad es que, en ese sentido, nuestras entrevistas son un poco igual. Pero a grandes rasgos, nos llamamos así, porque leímos la frase, y aunque al principio no nos gustó, al final nos acabó encantando. Y como no teníamos otro nombre mejor, nos quedamos con «Me quito el cráneo». Es más, tiene un contexto muy «chulo», el del esperpento. Al ser además una expresión, llama mucho la atención.

¿El hecho de considerar vuestro estilo como «difícilmente clasificable», tiene que ver con el tema del esperpento que hablabais?

Nosotros creíamos que tocábamos country y zarzuela interestelar, pero después de hacer una encuesta a 1.500 personas, todas dijeron que teníamos un estilo distinto. Así que, al final, optamos por decir que somos difícilmente clasificables [risas]. Que ya de por sí, el no querer hacer un estilo determinado, es un estilo. No es que huyamos de la etiquetas, es que no las buscamos. Simplemente, nos ponemos a hacer lo que nos gusta, cada uno con sus propias influencias. Lo bueno de venir al local con un nuevo tema, lo haya hecho quien lo haya hecho, es que al final los demás hacen lo que quieren. A excepción de algún arreglo que hacemos entre todos, nadie dirige y eso tiene muchos puntos buenos. Hay mucha libertad en el grupo y no nos ponemos límites entre nosotros.

¿Cómo ha acogido el público este tipo de música inclasificable?

Ten en cuenta que llevamos poco tiempo, ya que tras la marcha de Nacho hubo un parón. Sí que hemos hecho algún concierto, al que han ido principalmente amigos y amigos de nuestros amigos. Pero la gente se lo pasa muy bien y nos dicen que les gustamos. Aunque hay quien dice que hacemos música rara o que las canciones son totalmente distintas entre sí. Pero todo eso, para nosotros es indicador de que estamos haciendo las cosas bien, de que estamos consiguiendo lo que queremos. Incluso el productor Paco Loco, que es un gran profesional, se sorprendió. Después de varios días grabando con él, nos dijo que no sabía qué hacíamos. Para nosotros fue un subidón.

¿Qué supone para vosotros este primer disco?

Es una nueva etapa para «Me quito el cráneo», que hasta ahora no había sido real. Nos quedamos tres, rehicimos temas y creamos nuevos. Y todo eso en apenas tres meses. En definitiva, la música cambió. No tenemos un cantante principal y los instrumentos destacan, por ejemplo. El disco ha sido la meta y el punto de salida. Es una burbuja que nos permite reunirnos a los tres. Además, teníamos muy claro que queríamos grabar con Paco Loco. De hecho, lo cerramos todo con él incluso un año antes de meternos al estudio.

¿Cómo fue trabajar con él, con Paco Loco?

Inicialmente, le escribimos por correo electrónico y le contamos que éramos de su rollo y que queríamos grabar con él. A los diez minutos de mandarle el e-mail, nos llamó por teléfono. «¡Chus, soy Paco!», escuchamos al otro lado. Es un gran profesional, pero a la vez, es una persona tan sencilla. Es maravilloso. La verdad es que después de todo el trabajo que hicimos, fuimos al estudio con la incertidumbre de cuántas canciones grabaríamos, si ocho o diez. Al final, acabamos grabando las diez con bastante tranquilidad. Disfrutamos más que otra cosa. Además flipamos con él, porque a la hora de mezclar, Paco trabaja completamente solo. Es como un pastelero, que con la masa en bruto, hace auténticas obras de arte. Ese proceso, el cómo va dando forma al disco, es impresionante. Al escuchar el resultado final, no nos creíamos que hubiera salido de nosotros.

¿Qué supone para vosotros presentar el disco en la Sala BarCo, de Madrid?

Eso tiene su historia también, porque en su momento estuvimos buscando salas. Queríamos estas fechas, pero por lo general, no suelen decirte sí o no con tanta antelación. En realidad, queríamos actuar en el Vicente Calderón [risas]. Al final, pedimos como favor que nos dejaran actuar en la Sala BarCo y lo conseguimos. Lo cierto es que el sitio nos encanta y el trato es genial.

RECOMENDACIONES DE «ME QUITO EL CRÁNEO»

Hoy por hoy, de Javier Krahe

Come together, de The Beatles

No Surprises, de Radiohead

Whose Authority, de Nada Surf

The Poet and The Pendulum, de Nightwish


Kike Tormenta: «La gente dice que soy un poeta, pero nunca he pensado que lo fuera»

Kike Tormenta, el «artista inclasificable». Se le ha considerado músico y poeta a partes iguales por todo lo que transmite en sus canciones. Diez años después de iniciar su carrera en solitario, el artista celebra esta década en la Sala Boite de Madrid. Esta noche a las 21.30 horas, Kike Tormenta se sube al escenario y se presenta en una sala, completamente llena de gente.

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¿Qué balance haces de estos diez años de carrera?

Kike Tormenta. Llevo diez años en solitario, pero en el mundo musical llevo mucho más. Mi primer concierto fue a los 13 años, tocando la batería. A partir de ahí tuve varios grupos. Pero en plan serio, hace 18 años con el proyecto «Paso a paso». Una vez disuelto este grupo, fue cuando inicié la carrera en solitario.

¿Cómo ha cambiado tu mundo, desde que empezaste en la música?

K.T. No ha cambiado mucho. He cambiado yo por dentro: los planteamientos que tenía, toda mi investigación personal y mi posicionamiento en el suelo. Sí que es cierto que con el tiempo, quiero hacer las cosas mejor. Pero en el momento, pienso que estoy haciéndolo lo mejor posible.

¿Qué hizo que iniciaras tu carrera en solitario?

K.T. El punto de inflexión fue la disolución del anterior proyecto, «Paso a paso», que tenía con mi hermano. Familiarmente, estábamos pasando un momento muy duro y todo ello quedó reflejado en nuestro interior. Entre unas cosas y otras, se decidió dejar el proyecto, pero yo me quedé con unas canciones en el aire que iban a ir para el segundo disco de «Paso a paso». Entonces, tras pensar qué hacer con mi necesidad de escribir, las titulé con el nombre de «Todo o nada» y seguí componiendo, hasta conseguir sacar mi primer LP en solitario, llamado «Despierto de repente». Lo cierto es que tenía mucha rabia dentro y sentía que tenía que «vomitar» de la forma más bonita todos esos sentimientos, en forma de canciones.

¿De ahí que tus canciones tengan ese toque poético?

K.T. Eso me dice la gente, que soy un poeta. Pero nunca he pensado que lo fuera. He hecho canciones sin tener en cuenta nada más. Yo solo hago lo que me sale. Soy autoexigente, pero intento no serlo demasiado, porque a veces, menos es más. Me gustan las palabras sencillas y los mensajes que se entienden fácilmente.

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Se te considera un «artista inclasificable» en cuanto a estilo. ¿Huyes de las etiquetas?

K.T. Hablando con mis amigos de broma, yo les decía que hacía «dark pop». Creo que las etiquetas son una tontería, que a su vez nos sirven un poco para encajar las cosas en nuestras cabezas. Pero sí que pienso que los prejuicios están muy a la orden del día, entonces no quería limitar a la gente con ninguna palabra. Quería que la gente viniese y luego decidiera lo que mi música le había hecho sentir. Al fin y al cabo, considero que lo que hago son canciones.

¿Qué visión tiene Kike Tormenta de la música?

K.T. La música traspasa todo tipo de fronteras. La música es como los pájaros, que van volando, surcando todas las fronteras físicas. Creo que las canciones también vuelan y se posan donde mejor se encuentran.

¿Qué supone para ti celebrar tus diez años en solitario en la Sala Boite?

K.T. Supone mucho. Más que una celebración, es un encuentro con la gente que me sigue desde hace tiempo. Para mucha gente, este concierto es importante. Para mí también, pero me gustaría vivirlo más alegre. Será una ceremonia en toda regla.

¿Has preparado alguna sorpresa para celebrar este décimo aniversario en solitario?

K.T. Como broche final de este aniversario, hemos preparado una acción poética única en un lugar muy significativo de la ciudad, el Viaducto de Madrid. Se titula «Diez años. Todo o nada». Se puede encontrar en mis redes sociales y en las de Masquepalabras.org.

¿Tienes algún proyecto nuevo en mente?

K.T. Sí. Estoy metido con el nuevo disco. En acabar este concierto, continuaré con él. Será mi primer disco en un estudio real. Luego tengo algún otro proyecto en mente, que prefiero guardar en secreto.

Para cerrar, ¿qué canciones de la historia te han marcado más?

K.T. Ahora mismo me vienen a la mente, «Where is my mind?» de Pixies, «Quemando tus recuerdos» de Extremoduro y «Lucha de gigantes» de Antonio Vega.


42 Buttons: «Jugamos con una esencia musical antigua, pero pasada por el filtro moderno»

Era el mes de enero cuando se juntaban David Romero (bajo), Pável Mora (teclado y voz), Javi Torres (guitarra y voz), José Medina (batería) y Fran Vela (trombón). Así nacía 42 Buttons, aunque el germen de lo que hoy es la banda ya estaba implantado. Poco a poco, han iniciado una carrera meteórica: se alzaron ganadores del concurso de bandas de Fender y actuaron en el Festival Cultura Inquieta. Con nuevos proyectos en mente, la banda getafense promete dar mucho juego.

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’42 Buttons’ en Cultura Inquieta – Foto: Carlos Díaz Casado

Pregunta. ¿Cómo nace 42 Buttons?

Respuesta. Anteriormente, teníamos otra banda que se llamaba H, pero acabó disolviéndose. Sin embargo, nos quedamos tres de este grupo anterior y ahí empezó a formarse lo que es hoy 42 Buttons. Decidimos no venirnos abajo e irnos a tomar cerveza, que es lo que mejor se nos da y la mejor manera que tenemos de pensar [risas]. Hablamos de lo que queríamos hacer y de hacia dónde direccionar la banda en esos momentos. Entre otras cosas, decidimos dar un pequeño giro en el estilo.

P. ¿Y por qué ese nombre? Porque es un tanto curioso.

R. Hemos conseguido que llame la atención. Se le ocurrió un día a Pável y al final se quedó. Nos gusta dejar la explicación de porqué nos llamamos así, un poco en el aire [risas]. La verdad es que no nos gustan los nombres que son algo. Además, desde el minuto 0, en internet somos los primeros en salir cuando buscas 42 Buttons. Lo cierto es que lo único que ha requerido que nos sentemos y hablemos es el hecho de hacia dónde queríamos dirigir la banda, en cuanto al estilo. Todo lo demás ha venido rodado.

P. ¿Y qué estilo es el que os define más?

R. No lo sabemos muy bien. Nos han definido de muchas maneras y nos han comparado con cosas que jamás nos hubiéramos imaginado. Lo que intentamos buscar es la base de la música negra funk-soul más clásica, pasada por un filtro un poco más actual, introduciendo entre otras cosas, voces procesadas y bases más electrónicas. Jugamos con la esencia antigua, pero pasada por el filtro moderno. De hecho, esa esencia se nota también en la propia construcción de los temas. No seguimos una estructura tan marcada y abrimos paso a la creatividad y la improvisación. Además, dejamos que prime la instrumentación. Aunque poco a poco, estamos dejando paso a las voces y están surgiendo algunas letras. Por ejemplo, Matías Muñoz, una poeta de Getafe, compuso un poema «Bodrum Beach», específicamente para uno de nuestros temas. Lo que tenemos claro es que, dentro de las pocas letras que tenemos, éstas tengan un mensaje que traspase y llegue a la gente.

P. En muy poco tiempo, montáis la banda, os presentáis al concurso de bandas de Fender, ganáis y actuáis en el Festival Cultura Inquieta. ¿Qué supuso para vosotros todo eso?

R. Inicialmente, sentimos incredulidad, sorpresa y mucha emoción. Nos encontrábamos en esos momentos validando nuestra propuesta musical y dijimos: «Vamos a ver cómo se traga esto el público»: temas de siete minutos, cambios de compás o cambios de ritmo. No sabíamos cómo iba a responder la gente, pensábamos que nos dirían: «Bueno, sois un poco rayados, ¿no?» [risas]. Sin embargo, ocurrió todo lo contrario. En realidad, fue una meta, una manera de ponernos en marcha. Aunque dudamos. Tres días antes del concierto, estuvimos pensando si concursar o no, porque no veíamos el proyecto lo suficientemente maduro. Y luego, mira. Durante las dos semanas antes de la final, estuvimos dando un giro al repertorio y a la estética. Y fue ahí cuando hicimos un bolo realmente potente y la gente reaccionó de manera muy positiva. Luego, actuar en Cultura Inquieta fue increíble, también nos colocaron un día mejor que el que estaba previsto. Además, en todo momento nos trataron como una banda más, a pesar de haber sido ganadores de un concurso y no estar incluidos en el cartel. Todo ello nos dio confianza en el proyecto y nos demostró que a la gente también le gustan las cosas diferentes.

P. ¿Cómo fue compartir escenario junto «Aurora & The Betrayers» y la «Fundación Tony Manero»?

R. Compartir escenario con dos bandas grandes es increíble, no dejas de tocar con personas que tienen ya un enorme recorrido en este mundo. Además, estuvimos hablando con todos ellos detrás del escenario y son gente muy maja. No sabemos si fue bien o mal, pero acabamos a las tantas de la madrugada con la «Fundación Tony Manero» [risas]. La verdad es que compartimos muy buen momento con ambos grupos en el backstage. Fue un lujo actuar con bandas grandes, sin quedar por debajo de ellos en ningún momento. Y aprendimos mucho de ellos.

P. Vais a publicar en breves el DVD con la actuación en Cultura Inquieta. ¿Cómo va el trabajo de post-producción?

R. Va fenomenal. Y suena muy, muy interesante. Posiblemente para finales de mes o principios del próximo, ya estará a punto.

P. ¿Y cuál es el siguiente paso de 42 Buttons?

R. Vamos dando pequeños pasos continuamente. Estamos cerrando varias cosas interesantes en Getafe, en Madrid y fuera también. Además, también estamos hablando para llevar a cabo una propuesta cultural con otros artistas. Pero todo ello está todavía en proceso. Aunque lo inminente, es la publicación del DVD.


LOS TEMAZOS DE «42 BUTTONS»

Ten, de Pearl Jam

Wish you were here, de Pink Floyd

Cualquier tema de Jimi Hendrix

Welcome to the jungle, de Guns N’ Roses

A galopar (Alberti), de Paco Ibáñez

 

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