Desde Montevideo: Jesús Ksavie

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A los 4 años le regalaron su primera guitarra. Eso sí, de plástico. Pero fue el inicio de algo, fue el inicio del músico que llevaba dentro. A los 15, entró en uno de los mejores conservatorios de Montevideo, donde aprendió a tocar diversos instrumentos y se forjó como programador y técnico de sonido. Sin embargo, su etapa de cantante empezó a los 18 años. Pasó por diversas bandas, aunque la que más destacó fue «Cabrón», con la que actuó en los mejores escenarios del rock latinoamericano. Su carrera como solista comenzó algo más tarde, una vez se trasladó a Madrid. Tenía 24 años cuando creó «Jesús Ksavie Band». Un proyecto en el que 100% puede ser él.De hecho, el mismo Jesús Ksavie explica:  «Mi proyecto solista me llevó también a crear mi propio sello digital Rock Producción, creado para distribuir mi música».

Influencias que marcan

Músico con inquietudes con influencias variadas, como muchos artistas. Aunque entre el repertorio que más ha influido a la hora de crear su propia música, destacan Pearl Jam, Red Hot Chili Peppers, Divididos, Gustavo Cerati, Jimmie Hendrix, The Beatles o Led Zeppelin. «Y hay muchas más que indirectamente me han llegado en algún momento específico de mi vida», explica Jesús Ksavie.

JESUS KSAVIE 2De alma rockera, también se considera un músico independiente. Tan independiente, que tiene su propio sello musical. Llegados a este punto, el artista uruguayo, reconoce: «El rock en todas sus variantes goza de muy buena salud. Hay miles de personas en todos los países del mundo que apoyan a los músicos, y bandas independientes. Y lo más importante que tiene el Rock Independiente frente a otros géneros es la INDEPENDENCIA, con todo lo que abarca esta hermosa palabra».

Así y todo, sus puertas no están cerradas a otros estilos musicales. «Nunca se descarta la experimentación. Por ejemplo, «La Harley», la canción que le da nombre al disco, es un Blues-Rock. En cualquier caso, no estoy cerrado a otros estilos hermanos del Rock, aunque a la hora de componer me gusta más jugar con el tema de fusionar estilos», explica el uruguayo afincado en Madrid.

Ser o no ser independiente

Libertad a la hora de hacer las cosas. Uno de los mayores beneficios de ser independiente. Pero, ¿qué ventajas y desventajas tiene realmente serlo? «Es una pregunta compleja, ya que no hay una forma correcta de hacer las cosas. Cada músico o compositor emplea el sistema que le resulta más cómodo. En mi caso particular, en los momento álgidos de creación me van saltando ideas como fuegos artificiales y es una ventaja para mi el dominar tantos instrumentos, porque inmediatamente me voy al instrumento y ejecuto, o pruebo la idea en la canción sin perder tiempo, y sin dejar que se diluya o se pierda esa fogosidad de la inspiración», cuenta Jesús. Aspecto negativo, quizás, el económico, porque «cuando te embarcas en un proyecto solista eres tu contra el mundo».

Las obras maestras de Jesús Ksavie

JESUS KSAVIE 3«EP» fue la primera toma de contacto de Jesús Ksavie como solista. Publicar este primer trabajo supuso una enorme «satisfacción persona por haber conseguido un gran objetivo, con la obligación añadida de mantener el ritmo creativo», cuenta el artista. Entonces publicó «Odisea hacia tu cabeza», obra en el que la evolución del músico, se hizo patente sobre todo, en la parte técnica. Y por último, llegó «La Harley», trabajo cuyo preludio fue el tema «Single». ¿Cómo definir este último disco? «Es mi primer trabajo de larga duración de mi carrera. Once canciones frescas, cargadas de sentimientos y enérgico Rock n´Roll. Hay una canción muy personal dedicada exclusivamente a mi madre (fallecida en 2013): «Fusilando mis sueños». En realidad todas y cada una de las canciones que componen «La Harley» están cargadas de sentimientos y vivencias personales. Todas son trocitos de mi, de mi personal visión del mundo que me rodea».

Próximos proyectos

«De momento estoy metido de lleno en la promoción de mi nuevo trabajo «La Harley». Además, próximamente se rodaran tres videoclips de canciones de este álbum. De hecho, se puede participar en la elección de las canciones en este enlace: http://www.jesusksavie.com/encuesta», explica Jesús Ksavie. Aunque el artista no descarta seguir componiendo, a pesar de seguir centrado en su último trabajo publicado, «siempre surgen canciones nuevas que voy grabando cuando tengo un tiempito libre, pero aun no pertenecen a ningún proyecto».

Recomendaciones musicales de Jesús Ksavie

1. The Wall – Pink Floyd
2. Whole lotta love – Led Zeppelin
3. Layla – Eric Clapton
4. Smells like teen spirit – Nirvana
5. TNT – AC/DC

Bajo la influencia de Dondelirio

Lucía Matarredona y Alejandro Pinilla hacen música que emociona hasta el punto de poner los pelos de punta o incluso hacer llorar al público. Consiguen que quien los escuche caiga en sus garras y reaccione bajo la influencia de Dondelirio. Pero, ¿qué tiene exactamente Dondelirio para causar ese cúmulo de sensaciones? El nombre delata. Aunque en un principio surgió de manera espontánea, el significado real llegó después. «El Delirio muestra toda nuestra movida interior, caótica y de locura ilimitada. Luego, el Don da una connotación elegante y de reconocimiento a esa locura», explica la vocalista.

Indie o pop, las influencias de los alicantinos van de Zahara a Love of lesbian, de los que versionaron su canción «1999». «Es un tema que veníamos tocando desde hacía tiempo, y por esa época, el grupo pedía que la gente grabara covers suyas para colgarlas en su página web. Así que aprovechamos», cuenta Alejandro Pinilla. También han colaborado con los ilicitanos LoveMeBack. «Contactamos con ellos gracias a una amiga, porque nos gustaba lo que hacían. Así que organizamos una especie de concierto, en el que ellos tocaban una canción nuestra y nosotros una suya. La verdad es que la experiencia fue muy buena», narra Lucía.

El primer EP de la banda vio la luz este pasado invierno, tras meses de preparación y un proceso de auto-edición. Cinco canciones forman este trabajo tan «necesario» y tan de «síntesis». Cinco temas con letras profundas y cargadas de sentimiento.


Who is FOO?

La universidad juntó en el año 2008 a esta banda de rock psicodélico, formada por cuatro amigos de Lleida. Así que, a la pregunta de: «Who is FOO?», podemos decir que los miembros de este grupo leridense responden a los nombres de Oriol, Ernesto, Pol y Dani. Foo se ha forjado a base de rock, toques psicodélicos y de influencias musicales al más puro estilo «The Strokes» o «Led Zeppelin», bandas que los miembros del grupo recomiendan sin ninguna duda.

Tres trabajos han marcado su carrera musical hasta ahora. Primero llegó «Elenin», su primer LP, seguido del EP «The Rain». Ahora están inmersos en la gira del que es su segundo disco, «Parallel Lives». Siete años de cambios, aprendizaje, conciertos y noches sin dormir, que han hecho que los chicos de la banda catalana crezcan artísticamente. «Desde la publicación de Elenin hasta la de Parallel Lives ha habido una evolución clara de la banda, hemos podido experimentar con los sonidos y encontrar nuestro propio estilo», cuenta el bajista de Foo, Ernesto.

«Parallel Lives»

Tiempo de redescubrimientos, que llevó a esta banda catalana a grabar su segundo disco en una fábrica del barrio barcelonés de Gràcia. «La experiencia fue muy positiva. Buscábamos un ambiente diferente al de los estudios», cuenta Ernesto. «También pensábamos que molestaríamos a los vecinos, pero no se quejaron en ningún momento por la música», añade.

11200966_982429558436867_5965189671944813410_oComo productor repite Marc Molas, incondicional de la banda. De nuevo, ayuda a los chicos de Foo, que lo consideran «un miembro más del grupo». «Marc nos ha ayudado mucho a buscar nuestro estilo final y también ha estado con nosotros durante nuestra evolución. Nos conocemos desde hace mucho tiempo, así que la relación con él es muy buena. Ya colaboró con nosotros en la creación de nuestro primer disco, Elenin», explica el bajista de Foo.

A falta de fechas por confirmar, la banda catalana ya ha actuado en Galicia y en varios puntos de Cataluña, como Barcelona o su tierra natal, Lleida. Esta noche, a las 22.00 horas, los podremos ver en el Thundercatclub de Madrid. «Todavía hay fechas por determinar, pero la gira de verano y la de final de año ya está planificada», narra Ernesto.

Facebook de «Foo»

Conociendo a BudaSam

BUDASAM

Hard – rock con aires bilbaínos, y con influencias del rock de finales de los 80 y principios de los 90. BudaSam nace en 2011, de la mano de Iván González y Kike Herrero. Tras preparar las canciones del que sería el primer EP, «decidimos que queríamos desarrollar el grupo y tocar en directo», cuenta Kike. Y así se subieron al tren de BudaSam, Aitor Etxebarrena, Iñigo Arbaiza y Ander Alonso.

Como un torbellino, la banda bilbaína arrasó con uno de sus primeros singles No lo dejes escapar, situándose en la cabeza de la lista de la emisora Euzkadi Gaztea. Pero no solo eso. Participaron en el recopilatorio El Nuevo Legado de Efecto Diablo, siendo el segundo grupo más votado, y también aparecieron en el programa radiófonico Pecado Mortal, tras ser seleccionados entre más de 500 bandas.

Y durante este periodo de actividad incesante, grabaron sus dos primeros videoclips. El primero de ellos, Vivir. Gracias a la ayuda de los impulsores de Proyecto Vivi: India, Nepal, China, Vietnam y Camboya se convirtieron en algunos de los paisajes más representativos del vídeo. «En cada lugar que visitaban, pedían la colaboración de las personas, que al final aparecían con la letra de la canción escrita en carteles. Luego nosotros nos dedicamos a editar las imágenes», explican. El segundo de sus videoclips, tiene un escenario completamente diferente. Con Beso Vudú, pasan de lo «exótico» de Asia, a lo más «rockero». Un concierto, el público, la música de BudaSam y la sala La Cúpula de Bilbao.

Y en primavera de 2014, con la ayuda del productor Jagoba Ormaetxea, vio la luz el primer disco de la banda de Bilbao, Ensuciando el silencio. Una combinación de ritmos pausados, sentimentalistas y otros más duros, más rockeros, más «guitarreros». Un trabajo producto de la fluidez, de la rotura de los esquemas. «No seguimos ningún proceso de creación determinado. Un día podemos llegar con un ritmo de guitarra, y otro con unas frases escritas, por lo que le damos más prioridad al texto. Nos han criticado porque no seguimos una línea concreta y porque después de escuchar las canciones, no saben encasillarnos dentro de un estilo musical», narran los artistas.

¿Qué hay del futuro, entonces? «Estamos componiendo nuevos temas. Algunos están ya bastante avanzados. De todos modos, es un proceso que requiere tiempo, y más ahora que lo estamos compaginando con la gira», aseguran. Paciencia, pues.


Paul Zinnard, músico inquieto

Paul Zinnard 1

El año 2010 fue un año clave para Carlos Oliver, o Paul Zinnard, que es como lo conocen en el ámbito musical. Iniciaba una carrera en solitario, motivado por unas inquietudes tan reales como personales. “Paul Zinnard nace después de unos años estando en varias bandas, y tras sentir la necesidad de hacer algo solo. Me apetecía coger la guitarra y no depender de nadie”, afirma el artista mallorquín, afincado en tierras madrileñas.

Inicios musicales

“En el mundo de la música empecé muy joven, como muchos artistas. Y en un principio, no sabía si me iba a gustar o no”, explica Paul Zinnard. Bajo las influencias del rock y de bandas como Deep Purple o Radio Futura, el cantante fue formándose y creciendo musicalmente.

A lo largo de su carrera, ha pasado por bandas como The Bolivians o The Pauls, pero fue durante la grabación del trabajo más reciente de este último grupo, cuando decidió emprender carrera en solitario.

Clean-cut and rude

Clean-cut and rude es el tercer álbum en solitario del mallorquín, tras Songs of Hatred and Remorse (2010) y Orbit One (2012). Este último disco, rompe completamente con lo que Paul Zinnard había presentado anteriormente: deja de lado esa música más tranquila, “que llegaba al corazón”, para dar paso a melodías que “entran por los pies” y hacen bailar al público. El propio cantante habla de este último trabajo: “Cada nuevo proyecto nace de las sustracciones del anterior, ya que en cada uno de ellos siempre hay algún aspecto que dejas de lado. En esta ocasión, he decidido retomar los ritmos que aparecían en los discos realizados hace unos años”.

Portada

“Lo cierto es que este proyecto se gestó con facilidad. Quería que fuera un disco bastante espontáneo y necesitaba que todo fuera muy ágil, para que la gente no llegara a cansarse de él”, cuenta Paul Zinnard. Y claro que fue una producción frenética: en poco más de un mes, el compositor ya había compuesto las letras. “Casi vomité las canciones”, afirma. Lo cierto, es que con la ayuda de Mauro Mietta –pianista que ya participó en discos anteriores- se formó parte de esta obra musical. Rápidamente, Santi Guillén, Miguel de Lucas y a Cristian Chilo, se unieron al proyecto. “Los temas ya los teníamos preparados, así que juntos nos pusimos a ensayar y salió todo prácticamente a la primera”, cuenta el vocalista.

La maldición

Clean-cut and rude iba a ser el nombre de un disco que Zinnard grabó junto a The Pauls. Pero este jamás vio la luz. “No lo publicamos porque no era lo que realmente queríamos y esperábamos”, afirma el artista. Un título que permaneció en el olvido hasta que el mallorquín grabó este último álbum: “Entonces me di cuenta de que era el trabajo que yo había deseado hacer”, asegura.

La sesión fotográfica

Dejarse llevar por la emoción, no preocuparse ni obcecarse por la perfección absoluta. De ahí la idea de grabar este trabajo como si se tratara de una sesión fotográfica: entrar al estudio y actuar del mismo modo que en un concierto, en vivo y en directo. El resultado final, Clean-cut and rude. Tras la frenética grabación, que duró apenas tres días, llegó el momento de sentarse y elegir: de las once canciones iniciales, en el disco aparecen ocho de ellas. “Queríamos captar, igual que se capta la fuerza de una mirada en una fotografía, la espontaneidad de nuestra producción”, asegura Paul.

Las recomendaciones de Paul Zinnard

  1. September. Earth, Winds and Fire.
  2. Shoot me all night long. AC/DC
  3. Any time at all. The Beatles.
  4. Sleeping on the sidewalk. Queen.
  5. Strange kind of woman. Deep Purple.

Desde México, llega Zoé

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Conocida nacional e internacionalmente, la banda latinoamericana Zoé ha llegado al alma de mucha gente con su rock clásico, al más puro estilo de The Beatles, Pink Floyd, The Cure o Depeche Mode. Diecisiete años en el panorama musical y continúan pisando fuerte.

Formación

Inicios complicados para el grupo, que gracias al boca a boca empezaron a hacerse un hueco en este mundo. México los vio nacer y emerger. Fue testigo directo de su expansión. “Zoé es una banda de amigos que se conocen desde hace aproximadamente 20 años. Cada uno de nosotros empezó con proyectos separados, hasta que se dio una unión y un arranque oficial en México DF”, explica Rodrigo Guardiola, batería de la banda. Cinco discos de estudio, conciertos y una carrera de crecimiento constante. Quizás esta sea la definición que más se ajusta a Zoé, esa banda cuyo nombre dice tanto, con tan solo tres letras. “Es una palabra que tiene varios significados en distintos idiomas, pero las razones originales por las cuales elegimos esta denominación, fueron su connotación femenina, su brevedad y su potencial gráfico. Además, así se llama la hermana de una persona muy cercana a la banda”.

La carrera musical

En el año 2001, Zoé publicaba su primer trabajo. Sony quiso apostar por ellos, pero dos años después, el contrato se rompió. “El grupo nunca dejó de trabajar ni de tocar en vivo. Lo único que sucedió es que encontramos un sello independiente, con el que produjimos la siguiente publicación. La historia con esa discográfica tampoco funcionó y regresamos a la transnacional EMI, con la que actualmente seguimos”, cuenta Rodrigo. Nada frenó al grupo liderado por León Larregui. Zoé, Rocanlover, Memo Rex Commander y el Corazón Atómico de la Vía Láctea, Reptilectric y Prográmaton, conforman los cinco discos de estudio de la banda mexicana. Pero sin duda, 2011 fue el punto de inflexión. “Fue el primer año que logramos hacer una gran gira y pisar por primera vez muchas ciudades. Hicimos casi 100 shows por 17 países. Estamos muy agradecidos por el apoyo de la gente”.

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La importancia de las palabras

El propio nombre del grupo ya muestra la importancia que tienen las letras para los miembros de Zoé. Sus canciones van más allá de las melodías, con mensajes que hacen pensar y que hacen sentir. “Las letras de León Larregui son una parte esencial de Zoé y tienen un rango de interpretación. Es un humor y un estilo que la gente ya identifica muy bien. Al final los temas son muy universales, así que seguro tienen el poder de hacer un cambio fuerte en las personas que conectan con ellas”, explica Rodrigo Guardiola. Pero la simbología de las letras va más allá. Hasta el nombre de los discos tienen un significado especial. Sin ir más lejos, Reptilectric procede de la unión de Reptil y Eléctrico. El mito maya de la serpiente emplumada sirvió de influencia para la banda mexicana. Según cuenta la leyenda, hace muchos años, existía un templo al que los habitantes llevaban ofrendas. Este lugar estaba custodiado por un guerrero cuyo traje estaba formado con plumas. Una vez llegaron los conquistadores, engañaron a una joven para que los llevara ante el templo. Pensando que era la cómplice de los invasores, el guerrero acabó con la vida de la mujer. Como respuesta, los recién llegados asesinaron al guardián, que se arrastró por el suelo como si fuera una serpiente. Antes de morir, pronunció unas palabras, que hicieron que el templo se hundiera en el agua.

Estrechando lazos y amistades

Soda Stereo ha sido y es una de las bandas iberoamericanas más influyentes de los últimos años. Ha sido un hito y la principal influencia de muchos grupos de rock: Dorian dedicó una canción a los argentinos; en uno de sus conciertos, U2 realizó un homenaje al que fue el líder de Soda Stereo, Gustavo Cerati; y Shakira le dedicó su tema Sale el sol. Y estos son solo algunos de los tantos recordatorios. En 2006, Zoé actuó en uno de sus espectáculos junto a Cerati, acontecimiento que marcó a los mexicanos. “Soda Stereo y lo que siguió haciendo Gustavo Cerati, son muy importantes para nosotros. Crecimos escuchando sus discos. Gracias a esta banda, nos dimos cuenta de que en Latinoamérica también se podía hacer una carrera seria con la música”, narra Rodrigo.

La relación de Zoé con España también es muy estrecha. Desde hace años, mantienen una buena amistad con los catalanes Dorian. “Los conocimos por un contacto que compartimos aquí en DF. Hemos actuado con ellos, tanto en México como en España”. Pero el vínculo no termina ahí. Este año 2014, durante diez semanas, participaron junto a Vetusta Morla en la primera edición del Tour Atlántico. “Hicimos 18 fechas con ellos allá y otras tantas aquí en Latinoamérica. Fue un gran momento de esta gira 2014, ya que pudimos conocer muchas ciudades de España, junto a unos grandes amigos”, comenta el batería de Zoé. “Continuaremos de gira hasta julio de 2015 y luego, posiblemente haremos otro disco. También estamos buscando un momento para visitar España”, añade Rodrigo Guardiola.


El mundo de Ele

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Compositora y cantante. Ella es Elena Iturrieta, Ele. Con una mezcla de folk, soul, rhythm and blues y góspel, la artista aterriza en el panorama musical con su primer trabajo Summer Rain. Pero, ¿quién es Elena? “Sencillamente soy yo. No hay caretas ni máscaras. Pienso que cuando sacas adelante un proyecto tan personal, como para mí es la música, lo que haces es mostrarte cómo eres”.

Entrar en el mundo de la música

La educación y la música van de la mano en la vida de Elena. Aunque no ha dejado de hacer su trabajo, el ámbito artístico se ha ido haciendo hueco en su día a día. “Poco a poco, me fui dando cuenta de que disfrutaba mucho con la música”, cuenta la artista. Pero aun necesitaba un último empujón, ese que termina siendo decisivo, el que hace que elijas un camino u otro. “De hecho, cuando entré en este gran mundo, me dije: a ver qué pasa”, añade. La suerte nunca viene sola, pero con su talento, el éxito fue llegando. Pablo Cebrián se encargó de la producción del primer trabajo de Ele, Summer Rain. “Pablo me ha apoyado mucho, porque desde el principio supo lo que quería, lo que necesitaba y me ayudó a mejorar. Una vez terminado el disco, me ofreció firmar con Arcadia Music y acepté”, cuenta Elena. “La verdad es que con esta discográfica, me ha tocado la lotería. En todo momento han respetado mis decisiones como artista”, asegura.

Las influencias

No estancarte en un estilo musical. Esa es la clave del éxito de muchos artistas, músicos, compositores o cantantes. Dejarse llevar por melodías y letras diferentes: da igual soul, pop, rock o heavy. Lo importante es escuchar canciones que te transmitan alguna sensación. “Lo realmente importante es tener tu propia manera de hacer las cosas. Lo que te rodea, lo que escuchas y lo que vives es lo que termina influyéndote”. Ele ha evolucionado con un repertorio que va desde Leonard Cohen a Bruce Springsteen. Esta versatilidad a la hora de escuchar música, convierte el trabajo de Elena en una enorme confluencia de géneros.

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Summer Rain

“Este disco es muy especial, porque es el primero que compongo. Tenía muchas ganas de grabarlo y publicarlo”, cuenta Elena Iturrieta. Un trabajo muy cuidado, con unas letras y unas melodías igual de importantes. Cada canción es un mundo. En Positivity y A Thousand Miles Away From You, el coro góspel se convierte en el máximo acompañante de Ele. Daniel and Charlie destaca por sus influencias del jazz de Nueva Orleans, también conocido como dixieland. Otros temas como Calling You, cantado a capella, reflejan el dolor humano ante las pérdidas. “Me encantaría que la gente escuchara Summer Rain y sacara sus propias conclusiones”, anhela la artista. Sin duda, un disco del que no se puede hablar. Sencillamente, hay que sentarse a escuchar.


“Todo el mundo hace su arte” – Elena Iturrieta

 

Miralls & Miratges

LOL

Todo empezó en Barcelona en el año 1997. Santi, Jordi, Joanra, Uri y Julián empezaban en el mundo de la música y creaban su primera maqueta para un concurso de la revista Ruta 66. La llamaron Love of lesbian. Pronto, los medios de comunicación bautizaron al grupo con el mismo nombre. Y cuando quisieron cambiarlo, ya era demasiado tarde.

Evolución

Los inicios de Love of lesbian estuvieron marcados por sus canciones en inglés. Así nacieron los tres primeros discos de la banda, Microscopic Movies, It is fiction? y Ungravity. “Nos dejamos llevar por el momento, por el país, por lo que se escuchaba en ese momento. Luego nos dimos cuenta de que cantar en inglés no nos llevaba a ningún sitio”, explica el guitarrista de la banda, Jordi Roig. El año 2005 fue su punto de inflexión. Dejaron el idioma anglosajón a un lado y se pasaron al castellano. “Queríamos hacer un trabajo más artístico y más para nosotros”, cuenta Jordi. Y el experimento salió bien, aunque ellos tenían otros planes para el grupo. “Nuestro propósito inicial era sacar un disco, hacer diez conciertos y dejarlo”, añade. Pero los seguidores y el éxito, no dejaron que se marcharan sin más.

La profundidad de los temas

“Un artista indie es aquel que sale adelante con sus propios medios. Él se lo guisa y él se lo come. Crea sus canciones, las graba, elige la portada de sus discos”, dice Jordi Roig. En Love of lesbian, Santi Balmes es quien escribe las letras de los temas. “Santi es muy hiperactivo a la hora de componer, puede dedicarle cuatro o cinco folios a una canción. Recrea y retrata historias, cuya fuente de inspiración es la vida misma”, cuenta el guitarrista del grupo. El resultado: temas profundos, capaces de atrapar a quien busque entenderlos. Y por esta razón, están enmarcados dentro del género indie.

De manera paralela, el vocalista de Love of lesbian, ha publicado varios cuentos y novelas. “Para cualquier banda, es tranquilizador que el líder desarrolle su creatividad escribiendo libros, y no haciendo carrera en solitario”, bromea Roig.

La noche eterna. Los días no vividos

En 2012, la banda catalana sorprendía a sus fans con un doble disco, el séptimo trabajo de su carrera, que recogía todas las experiencias vividas durante la gira de 1999. Viajes, conciertos, noches en vela y mañanas dormidas. Todo ello queda reflejado en La noche eterna. Los días no vividos, el disco más importante para los componentes del grupo. “El disco refleja aquellos días en los que no estás, porque vives por la noche”, explica Jordi. Una reflexión sobre la ausencia, la pérdida de momentos por estar lejos, sobre la vida nocturna y sus misterios.

M&M

Miralls i miratges. Espejos y espejismos

“La música como espejo de tu realidad, o la música como creadora de espejismos donde refugiarse. Una dualidad que muchas veces se confunde en una misma melodía y un mismo verso”. Bajo esta premisa, nace Miralls & Miratges. Las canciones más hirientes e íntimas de Love of lesbian, llevadas al teatro. “Nos fascinaba la idea de crear un proyecto diferente. No es una obra de teatro, es más bien una representación de algunos de nuestros temas”, explica Jordi Roig. Guillem Albà y Blai Rodríguez son los encargados de teatralizar las melodías de la banda, con la ayuda de cajas de cartón, maniquíes y teatros de sombras.

“En la habitación de la memoria hay espejos, polvo y alguna bonita mentira”, recita Santi Balmes. El público calla y el espectáculo empieza.

La Habitación Roja

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En el año 1994, L’Eliana vio nacer a La Habitación Roja. Jorge Martí y José Marco fueron los impulsores de la banda, a la que pronto se unieron Pau Roca, Marc Greenwood y Jordi Sapena. Dos décadas después, este grupo enmarcado dentro del género indie-rock, se mantiene unido, convirtiéndose así en uno de los más consolidados del panorama musical español.

Veinte años de música

La Habitación Roja no nació en un momento puntual. Al principio, éramos un grupo de amigos que se juntaban para hacer canciones y pasar un buen rato juntos. Sí que es cierto que en los inicios, tras grabar nuestra primera maqueta, nos recorrimos toda Valencia dando conciertos”, explica el guitarrista del grupo, Pau Roca. Pero mantenerse tantos años en el ámbito musical, sin duda es complicado. Y más cuando se llevan a cabo otros proyectos paralelos. Juntarse, hacer las canciones y grabar puede ser un problema. Sin embargo, Pau cuenta que es lo más difícil es encontrar a las personas adecuadas. “Nosotros hemos tenido suerte porque nos complementamos, congeniamos y trabajamos muy a gusto. Hay muy buena comunicación entre nosotros”.

Indie-rock

El género indie se ha convertido en los últimos años en un fenómeno mundial, imposible de frenar. Multitud de grupos e incluso escritores se enmarcan dentro de esta corriente, asociada a la independencia. El Sonorama es uno de los grandes festivales musicales, en el que actúan muchas de estas bandas y por supuesto, La Habitación Roja no ha sido una excepción. “No es la primera vez que actuamos, pero siempre es una gran experiencia participar en este festival”. Sin embargo, aunque se les etiquete como grupo “indie-rock”, ellos prefieren no encuadrarse dentro de ningún género.  “Nosotros vamos haciendo las canciones de la manera que más nos gusta, no nos planteamos ningún estilo ni pensamos en qué pasará”, cuenta Pau Roca.

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La moneda al aire

Los componentes de La Habitación Roja han llegado a 2014 unidos y con nueve trabajos publicados. La moneda al aire es el último y quizás, el mejor disco de su carrera. Con menos guitarras y con mayor potencia en la base rítmica, los arreglos y las voces, La Habitación Roja ha alcanzado un gran reconocimiento. “Las canciones debían funcionar con menos elementos y había que tirar menos de la distorsión en las guitarras. También nos apetecía llegar más allá en un tipo de canción en el que no nos hemos prodigado mucho”, cuentan los chicos de la banda. El lugar de la grabación ha sido muy especial para ellos, ya que por los Estudios Rockfield de Gales han pasado artistas como Black Sabbath, Motorhead, Oasis, New Order o Coldplay. “Un montón de nuestras bandas y cantantes favoritos han estado en estos estudios. Ha sido muy gratificante grabar en Rockfield. Además, queríamos que nuestro disco naciera en el mejor estudio y con los mejores medios técnicos”.

Tal como prodigan, “la suerte está echada y la moneda está en el aire”.


Tras la estela de Versos Rotos

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Año 2006, se acerca el festival de fin de curso. Alberto Guillén, Tomás Gomis, Jordi Hernández y Juan Toledo van a clase juntos y deciden actuar en su instituto. No tienen un nombre artístico, pero su profesora de literatura les echa una mano. Así nace Versos Rotos. Ocho años después continúan trabajando juntos. Con dos EPs publicados y un concurso que marcó un antes y un después en su trayectoria, se preparan para grabar su tercer trabajo en febrero.

La inspiración

“Alberto trae la base rítmica y la melodía de la voz. A partir de ahí, trabajamos los cuatro hasta que todo va cogiendo forma. A veces, salen canciones completamente diferentes a las que teníamos pensadas”, explica Tomás. “Juntos sacamos lo que es el eléctrico: la batería, el bajo, que la guitarra vaya en armonía con la voz. Esto es lo más difícil”, aclara Alberto. “A veces, la inspiración viene en dos horas y en otras ocasiones tarda una semana en aparecer. Para escribir las letras, intento motivarme, contagiarme”, añade el vocalista.

El punto de inflexión

Como cada año, la concha de la Explanada de Alicante acoge el certamen de Promoción de Música Joven. Era el año 2010 cuando los chicos de Versos Rotos se presentaron, proclamándose al fin los ganadores de esta decimotercera edición. “A partir de ese momento, recibimos llamadas para actuar en diferentes lugares. Lo cierto es que cualquier concurso te ayuda: no solo aumenta la repercusión mediática, también nuestra motivación. Además, coincidió con la salida de nuestro primer EP”, explica Juan. “Ganar un premio significa que otras personas reconocen tu trabajo”, añade Tomás. Este fue el verdadero punto de inflexión para la banda. “La música pasó de ser un hobby a ser algo serio. Día a día, trabajamos para profesionalizarnos más”, asegura Jordi.

hemistiquio

Hemistiquio

Hemistiquio nace en un momento en el que necesitábamos grabar. Nuestro último trabajo fue en 2010 y habían pasado 3 años desde entonces. Teníamos un sonido diferente al del primer EP, así que hablamos con Roberto, el productor y comenzamos a grabar”, cuentan los artistas. Intenso, eléctrico, enérgico, bailable. Así es Hemistiquio, según los chicos de Versos Rotos. Tanto nacional como internacionalmente, la acogida ha sido enorme. “Gracias a las redes sociales, nuestro trabajo ha llegado hasta Latinoamérica. En España, hemos actuado en Madrid, Barcelona, Cádiz, Murcia. Al principio no salíamos de Alicante”, narran. “Nuestro proyecto ya tiene otra perspectiva. Antes éramos un grupo de amigos que se juntaban para pasarlo bien”.

Sobrevivir en el mundo de la música

¿Quién no sabe lo sacrificada que es la música? Tiempo, dedicación, trabajo y sobre todo, paciencia. Nadie te regala nada en la vida, y menos en el ámbito artístico. Durante los ocho años de vida de Versos Rotos, Alberto, Tomás, Jordi y Juan han compartido escenario con Love of lesbian, Miss Caffeina, Sidecar, Supersubmarina, Sexy Zebras y The Sunday Drivers. “Ves de otra manera la música, ya que trabajas con grupos que viven prácticamente de este mundo y te contagian esas ganas de seguir. Siempre nos repiten lo mismo: que trabajemos y nunca tiremos la toalla. La gente nos anima a pelear por nuestro proyecto”, cuentan los jóvenes artistas. Desde 2008 están luchando por hacerse un hueco en el panorama musical, con la única ayuda de ellos mismos. “De momento, salimos adelante con nuestros propios medios y recursos. Podríamos recurrir al crowdfunding, pero es un arma de doble filo y no nos atrevemos a hacer una campaña de este tipo”, explican. “De todos modos, si algún día tuviéramos que hacerlo, nos lo plantearíamos”, añaden.

Marcar la diferencia

“Parecerá un tópico, pero lo que nos hace diferentes como artistas, es que somos amigos. Pero cuatro amigos de verdad, que comparten experiencias del día a día y disfrutan haciendo música”, asegura Tomás Gomis. “Además, desde el festival de fin de curso de 2006, tenemos un objetivo común, Versos Rotos. Nuestra amistad y unión nos han mantenido hasta ahora. Son los valores que nos dan la fortaleza que necesitamos”, concluye. Así hacen vibrar a la gente y consiguen no dar tregua durante sus conciertos.  Pop, rock, indie, ¿qué más da? “Dejamos que cada uno interprete nuestra música. El estilo sale de manera paralela a nuestras canciones”.


“Que empiece ya esta función”

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