St.Woods: “My Side habla mucho del amor, del desamor, de estar desesperado y de cómo una persona puede encontrarse perdida”

St. Woods empezó su andadura en redes sociales y en plataformas como YouTube, donde su repercusión y fama empezaron a subir como la espuma. Con el paso del tiempo y unos cuantos viajes a las espaldas, Nacho García se deja ver en la capital, al frente de este mágico proyecto. Mañana, 15 de septiembre, St.Woods se sube al escenario de la Sala Tempo, junto a Gentleman Clef.

Empezaste con covers que subías a YouTube. ¿Qué ventajas tiene esta plataforma y de qué manera facilita el acceso a la industria?

Cualquiera puede subir una canción y en el momento más inesperado, pillarle la ola o el boom, y que empiece a ser escuchado en Filipinas. YouTube es una plataforma muy democrática: puedes subir contenido en cualquier momento. De todas formas, en Internet hay mucha gente con talento a la que nadie escucha. Así la final lo que cuenta es la mezcla de subir material, tener suerte y estar en el momento adecuado.

¿Dónde está a día de hoy, la frontera entre St.Woods y Nacho?

Por haber, no hay una línea que los separa. La idea de llamarme St. Woods y tener un sello de identidad, era darle un toque más impersonal a este proyecto. Tengo una gran proyección en él. Y llamándome Nacho, no lo iba a conseguir de la misma manera.

¿Y cómo ha cambiado St. Woods la vida de Nacho?

La ha cambiado mucho. Es muy fuerte la sensación de que algo tan íntimo como son las canciones, las puedan escuchar miles de personas. El haber sacado este EP y el seguir intentándolo, me ha dado mucha perspectiva respecto a lo que iba a hacer con mi vida,  respecto a qué pienso sobre mí y a cómo quiero aportar mi personalidad a la música.

¿Cómo has evolucionado desde que empezaste en la música?

Empecé siendo un chaval de 14 años que subía covers de Ed Sheeran y, poco a poco, he ido profesionalizando todo el proceso. Ya no solo pienso en componer una canción y publicarla. Ahora hago las canciones pensando en mí y las publico solo si me gustan. Mi intención ahora es ser el mejor artista del mundo. Obviamente, tengo un estilo concreto, pero me da igual que me escuche un indie o que me escuche un trapero. Siempre me mantengo fiel a lo que quiero hacer.

¿Dónde acudir cuando la inspiración falla?

A las drogas sintéticas [risas]. El problema de la inspiración es que llega cuando llega: si viene, viene y si no, no. La cosa está en que igual en una hora, hago tres discos o compongo media canción. Así que termino por pensar que detrás de cada artista hay un trabajo muy grande de referencia. Si durante un mes escucho a Bon Iver, lo más probable es que mis canciones tengan una carga importante de Bon Iver. Pero si amplío horizontes y escucho a más artistas, la inspiración fluye más rápido, porque acabas cogiendo un poco de cada uno de ellos. Por tanto, cuando la inspiración me falla, escucho grupos y artistas que no conocía.

¿Qué piensas de comparaciones con artistas como Sam Smith?

A mí me parece una maravilla. Hay gente que piensa que eso genera presión. Pero no tiene por qué. Recuerdo cuando salí en Radio 3 y dijeron que soy el Bon Iver español. O cuando en Los 40 comentaban que era el nuevo Ed Sheeran. Yo creo que es maravilloso, porque al final es gente a la que escucho y a la que admiro un montón. Y ojalá llegara a la talla de ellos. Lo que obviamente no pretendo ser, es una copia de ellos.

¿Cómo nace este último EP, “My Side”?

Yo estuve estudiando fuera y me fui de Erasmus unos meses a Bélgica. Estando allí y un poco por curiosidad, empecé a tocar en la calle, soltando ideas al azar y conectándolas. Vi que funcionaba y que la cosa salía muy bien. Entonces decidí que lo que ganara tocando en la calle, lo iba a gastar en viajar a otro lugar. Acabé viajando todo un mes por Europa. Ese fue el germen de este EP, que en un principio tenía unas 50 ideas, que planteé a Brian Hunt. Es un disco que St.W y estar de acuerdo con sentirse de esa manera. Es un viaje.

¿Cómo ha sido trabajar con Brian Hunt?

Pienso que la mejor versión que hay en este disco es la que hay, y lo es gracias a Brian. Necesitaba la visión de alguien profesional, que me dijera qué poner y qué quitar. Así que trabajar con Brian es lo mejor que podría haber hecho. Si no hubiese trabajado con él, me hubiese costado mucho más sacar adelante este trabajo.

¿Cómo ha sido participar en Balcony.tv?

Yo soy muy friki de YouTube. Veo muchísimos vídeos, sean de la temática que sean. Y recuerdo especialmente tres: la Balcony Sessions de Ed Sheeran, la de Mumford & Sons y la de Lily Allen. Por eso, cuando me escribieron de Balcony.tv Madrid, al principio pensé que se trataba de una broma. Pero no.

El día de la grabación, pasó todo de repente: yo no tenía guitarra y me tuvieron que dejar una, fue una locura. Como curiosidad, en Balcony fue la segunda vez que cantaba el single, y de hecho, posteriormente se cambió la letra del mismo. Aunque la melodía es la que se había compuesto justo el día de antes.

Siguientes pasos de St. Woods

Telonear a todos los artistas que pueda, cerrar fechas para el otoño (tanto dentro como fuera de España), sacar algunos temas nuevos y empezar a trabajar en el nuevo EP próximamente.


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Rafa Caballero: «Hijos del sur surge de la obra literaria de mi amigo escritor, Javier López Menacho»

Con «Trafalgar» ya empezó a recorrerse parte de la geografía española. Pero con «Hijo del sur» regresa pisando fuerte y haciendo una oda a su tierra, Andalucía. Y es que es importante saber a dónde vamos, pero también de dónde venimos. Rafa Caballero llega a La Fídula el próximo 2 de junio, para rescatar a todas las grandes figuras de su tierra.

Foto de Marina Talavera

¿Cómo surge «Hijos del Sur»?

De la obra literaria de mi amigo, escritor y también jerezano Javier López Menacho. Un libro donde Javi escribe veintiún relatos sobre veintiún personajes, artistas en general, que han dejado un legado cultural enorme en nuestra tierra, Andalucía. Me sentí identificado con la obra y me vino la inspiración.

¿Por qué es importante recordar nuestros orígenes?

Bueno, es igual de importante recordar de dónde venimos, que tener claro a dónde vamos. Pero está claro que los orígenes son la raíz. Creo que tenemos la obligación de conservar lo nuestro, cada tierra, cada región. Conservarlo, compartirlo y aceptar las costumbres y riquezas de las regiones vecinas. Los pueblos, la gente, la gastronomía, los idiomas, la jerga, el folclore. Son nuestros padres, nuestras abuelas. Si no somos capaces de cuidar eso, no queremos a nadie.

Importancia de la letra de Hijos del Sur.

La que tiene para mí es infinita. Como sureño y andaluz. Es una canción himno que rinde homenaje a las mujeres y los hombres que han sentido una tierra y la han convertido en arte. Supongo que el tiempo le dará su lugar.

¿Cómo fue contar con la guitarra de Paco Lara y la voz de Carmela Páez, La Chocolata?

En primer lugar con Carmela, La Chocolata. Nos habíamos felicitado por nuestros trabajos y ya comentamos hacer algo juntos. Tardé poco en plantearle cantar Hijos del Sur conmigo. Y menos tardó en sumarse. Ha sido genial compartirlo con ella, es una artista fuera y dentro. Transmite muy buena energía y mucha alegría.

Paco ha sido más en la distancia. Grabó las guitarras en Jerez, en el estudio de Alberto Román, bajista de todo mi proyecto Trafalgar. Lo llamé y le pedí que hiciera algo bonito por la causa y así ha sido.

¿Qué supuso para ti publicar este tema?

Como con todos, satisfacción. Cuando lo publicas es porque lo has dado por terminado. Y antes de dar una canción por terminada hay mucho trabajo detrás. Primero crearla, luego ensayos, arreglos, etc. Hasta llevarla al estudio. Si a eso le sumas que cada canción tiene un significado emocional, todo se multiplica.

¿Cómo ha sido la acogida de esta canción, en tu tierra especialmente?

Pues por una parte genial. Todo el público que se ha parado a escucharla y saborearla sólo tiene bonitas palabras y ha gustado mucho. Me he sentido un «Hijo del sur». Por otra parte, me quedo con un sabor de boca agridulce. Mi tierra es capaz de parir a Lorca, Camarón o Picasso, pero también es capaz de no ver más allá de una romería, un crucifijo o una campaña de turismo. Supongo que el tiempo nos dará la razón. Muchas veces hace falta morirse para que hablen bien de uno y su obra. Si es así ya lo disfrutarán mis nietos [risas].

¿Cómo fue la grabación del videoclip?

Con un presupuesto mínimo y un equipo maravilloso. Estuvimos dándole vueltas al asunto. Luego con todo pensado, nos llevó prepararlo una tarde y rodar a la mañana siguiente. Teníamos claro lo que queríamos y estamos contentos con el resultado. Todo sale va sobre ruedas si el equipo está implicado. Andrea Trigo, Eli Gavete (El Quinto Ateneo), Paty Martí, Celia Gómez…todas hicieron un trabajo brutal.

¿Qué supone presentar el nuevo tema en La Fídula?

Es el primer concierto de Trafalgar sólo para piano. La Fídula es un clásico de Madrid y del Barrio de las Letras. Nunca he cantado allí. Así que son muchos los factores que hacen de la noche del 2 de junio una noche especial. También es la primera vez que actúo en Madrid después de haber sacado el nuevo single , «Hijo del sur».

¿Por qué contar en este concierto con Pierrick Reglioni?

Pierrick es el músico con el que he trabajado desde el comienzo. Desde que Trafalgar era más una ilusión que un proyecto. Ha sido un año donde se ha volcado gran parte de lo musical en su talento y su piano. Ahora mismo somos uno en el escenario. No quiero que sea de otra manera.

Canciones de otros artistas que incluirías en una playlist de Spotify.

Es una pregunta complicada de contestar cuando en mi Spotify tengo muchas listas. Tengo listas de música francesa, italiana, tango, folclore mejicano, rock, soul, jazz, flamenco, etc. Es imposible nombrarte dos o tres canciones.

Rufus T. Firefly: «Magnolia es un viaje hacia dentro, para intentar encontrar lo bueno de uno mismo y protegerlo»

Han cumplido ya una década en el mundo de la música. Aunque parece que no hacen mucho ruido, Rufus T. Firefly pueden presumir de carrera. A pesar de haber tenido que recomponerse rápidamente poco antes de la salida de «Magnolia», los madrilesños son una de las bandas más prometedoras y con más talento actualmente en España.

Pregunta. ¿Cómo nace «Magnolia»?

Rufus. Magnolia es un alegato en defensa del arte, el amor y la naturaleza. Nace desde un lugar algo triste, desde una especie de gran derrota. Es un viaje hacia dentro, para intentar encontrar lo bueno de uno mismo y protegerlo.

P. ¿De qué manera es este disco un alegato en defensa del arte, el amor y la naturaleza?

R. Todas la letras y melodías son homenajes a cosas bellas que han pasado por nuestras vidas. Desde el cine hasta la infancia. Paisajes que recordamos de nuestra niñez llenos de luz. Un homenaje y un posicionamiento claro en cuanto a lo mejor que tenemos como especie y que estamos dejando cada vez más de lado

P. ¿La portada en sí misma es un elemento más de este alegato?

R. Por supuesto, el formato es arte puro. Está compuesto por cuadros de Julia, inspirados en fotografías microscópicas de flores y la psicodélia de los años 70. Mundos dentro de otros mundos.

P. ¿Cómo definiríais el disco en dos o tres palabras?

R. Libertad, viaje, psicodelia.

P. ¿Cómo ha sido trabajar junto a Manuel Cabezalí (Havalina)  como productor?

R. Tan increíble como siempre. Manu es un genio y no concebimos ningún disco de Rufus sin que él esté presente. No sale en las fotos pero es uno más de nosotros.

P. Justo antes de la salida de «Magnolia», os enfrentasteis a la salida de dos de los miembros del grupo. ¿De qué manera lo afrontasteis y cómo conseguís organizaros de nuevo?

R. Fue duro porque siempre hemos sido un grupo de amigos que se juntaban para tocar, y nada más. De repente esa esencia se rompía. Hemos tenido la suerte de que inmediatamente aparecieron Ro y Miguel que también eón grandes amigos. Se han ido seres queridos y han llegado seres igual de queridos. Todo guay.

P. ¿Por qué tanta referencia cinematográfica en el disco: Tsukamori (Mi vecino Totoro), Cisne Negro o Pulp Fiction?

R. Porque como comentaba antes, todo es un homenaje a las cosas bellas que han pasado por nuestras vidas, y por supuesto, esas películas lo son. También están Hitchcock o la Guerra de la galaxias por ahí. Obras de arte que te enriquecen. Te levantas al día siguiente de verlas y te das cuenta de que eres otra persona.

P. Tras diez años en activo en el mundo de la música, ¿cómo ha evolucionado este panorama y de qué manera os ha afectado a vosotros?

R. Es muy complicado analizar la evolución del panorama porque se mezclan muchísimos factores. Nosotros lo que notamos es que cada vez es más complicado poder sacar un proyecto musical adelante. Los chavales de 16 años que quieran formar una banda lo van a tener bien jodido. Pero por otro lado, si resisten y creen en ello van a hacer algo increíble. Hemos aprendido a la fuerza que en este país nadie va a hacer nada por ti, y si lo hace, es porque quiere algo gordo a a cambio. Ser consciente de eso y tomar las riendas es lo mejor que te puede pasar como artista. Si tienes algo que decir, lo dirás. Básicamente porque si eres un artista de verdad no vas a poder evitarlo.

P. Y Rufus, ¿cómo ha evolucionado?

R. Nosotros siempre hemos tenido todo bastante claro. Creo que la nuestra es la evolución natural de la gente inquieta. En cuanto sabemos hacer una cosa, pasamos a otra. Eso hace que a algunas personas les despiste nuestra carrera o las canciones que hacemos, pero genera mucha libertad y enriquecimiento a nivel interno. Todo es divertido siempre, todo es difícil de tocar, nunca nos aburriremos. Aburrirse tocando supondría el fin de Rufus.

P. Aparte de en Rufus T. Firefly, colaboráis en otros proyectos musicales. ¿De qué manera lo compagináis?

R. Con mucho amor. Tenemos claro que Rufus es algo muy personal pero que no tiene por qué ser único. Disfrutamos y aprendemos todo el rato de toda la gente con la que tocamos. Es muy importante observar como hacen otros músicos las cosas para poder enriquecerte musicalmente. Si crees que lo sabes todo porque has estudiado mucho en casa y puedes hacer escalas súper rápido, estás jodido.  La música va más de interactuar  con tu lenguaje que de saber tocar un instrumento a la perfección. De hecho, creo que a veces ser un virtuoso puede ser un gran impedimento para poder hacer una buena canción dentro de una banda.

PLAYLIST DE RUFUS T. FIREFLY

Paranoid Android, de Radiohead

¿Por qué me llamas a estas horas?, de Standstill

Strawberry Fields Forever, de The Beatles


«Nada que perder», el álbum más brutal y contundente de Fullresistance

En 2003, comenzaban las andadas en el mundo de la música. Tras catorce años y tres discos después, Fullresistance se plantan esta noche en la Sala Trashcan (Madrid), para presentar su cuarto trabajo «Nada que perder». Nueve temas, producidos bajo la atenta mirada de Alberto Marín (Def con Dos o Ankhara), que defenderán por primera vez en la capital.

Y es que Javier Samper, Iván Navarre Crespo, Miguel Ángel Samper, Pedro Javier Agustín y Alberto Izquierdo llegan dispuestos a todo.

Pregunta. ¿Por qué Fullresistance?

Fullresistance. Nosotros en un principio buscábamos un nombre que reflejara nuestra filosofía de hacer música y con Fullresistance lo conseguimos, ya que significa resistencia total. Además, nos sonaba bien y a la gente también se le quedaba fácilmente.

P. Filosofía de Fullresistance

F. Rock&Roll. Seguir haciendo lo que nos gusta, cueste lo que cueste y le pese a quien le pese. La música como modo de vida. Hacer nuestro trabajo lo más profesional que podamos y hacer disfrutar a la gente en los conciertos. Y pelear.

P. ¿De qué manera ha cambiado Fullresistance desde que empezó?

F. Musicalmente tenemos muchas influencias. Desde metal hasta el rock, pasando por el thrash. Todos aportamos nuestras ideas y el poso está ahí. Entonces, ¿cómo hemos evolucionado? Al principio, el grupo era mucho más rockero. Ahora, cada vez pesan más las composiciones metaleras. Siempre hemos sido rockeros y metaleros, pero el cambio nos lo ha pedido el cuerpo.

P. ¿Cómo se forja «Nada que perder»?

F. Después de casi dos años con la gira de «Dos minutos más», decidimos parar. No queríamos estar forzados a componer y a hacer directos a la vez. Quisimos disfrutar de cada momento. Así que tras el parón, empezamos a componer nuevos temas. Y en cosa de un año, ya teníamos todas las canciones de «Nada que perder».

P. ¿Cómo fue trabajar con Alberto Marín?

F. Una pasada. Trabajar con músicos del nivel de Alberto es increíble, no solo por la visión profesional que pueden aportarte. A nivel personal fue impresionante también, por la rapidez con la que ha conectado con nosotros. Estamos muy contentos. Contar con Alberto Marín es una de las mejores cosas que ha podido hacer Fullresistance.

P. ¿Hasta qué punto son importantes las letras en Fullresistance?

F. No es de lo menos relevante, pero somos un grupo muy guitarrero. Nos centramos más en el sonido, en las guitarras y en las bases. Javier, el vocalista, es quien se encarga de las letras y son un poco ambiguas. Habla de vivencias, de ocurrencias, que no siempre tienen por qué haberle pasado a él. Si bien es cierto que también tenemos algunos temas reivindicativos.

P. ¿Cómo afrontáis la nueva gira?

F. La afrontamos con muchas ganas. Sobre todo el concierto de Madrid, porque es una ciudad señalada. Principalmente para las bandas que no somos de aquí. Tenemos mucha ilusión con esta nueva gira, ya que el punto culminante siempre es llevar al directo nuestro disco y poder defender las nuevas canciones. Trataremos de tocar en el mayor número de lugares.

P. Recta final: definición de «Nada que perder» en dos o tres palabras.

F. Brutal. Contundente.


Cómo adentrarse «En la espiral» de Lori Meyers

Cuatro años han tardado. Pero es que todo lo bueno se hace esperar. Después de que en 2013, viera la luz «Impronta», llegaba el turno de «En la espiral». Con esta ansiado disco, los granadinos Lori Meyers, firman su vuelta a los escenarios. Aunque realmente, Noni López, Alejandro Méndez, Alfredo Núñez, Miguel López, J.J. Machuca y Miguel Martín, nunca se han terminado de bajar de ellos.

La gira «En la espiral» ya ha comenzado, y el próximo 24 de marzo pasará por Madrid. La Riviera será testigo del espectáculo de los de Granada, que irán acompañados por la banda madrileña, Naranja.

Pregunta. ¿Cómo nace «En la espiral»?

Alfredo. Nace después de un periodo largo de tiempo, porque llevábamos casi cuatro años sin editar disco. Pero sí que es cierto que casi los tres primeros años estuvimos de gira con «Impronta» y este nuevo álbum, lo empezamos a confeccionar hace poco más de un año. Surge en el local de ensayo, porque queríamos recuperar un poco esa esencia que habíamos perdido con tanta gira y tanto disco seguido. Necesitábamos un tiempo también para descansar, para volver al local, para perder el tiempo ahí y que emanaran nuevas ideas. En definitiva, queríamos que el nuevo disco fuera sincero, honesto y queríamos estar contentos con el resultado.

P. Casi cuatro años desde «Impronta». ¿No se ha hecho larga la espera?

A. En este tiempo en el que todo va tan rápido, creo que los grupos deberían tener más calma. En nuestro caso, no se ha hecho largo porque no hemos dejado de hacer cosas. Hasta el año pasado estuvimos con «Impronta». Así que fue terminar la gira y ponernos un poco con la cabeza en el nuevo álbum. Hemos tardado, pero era un tiempo que requeríamos. También grabamos en dos tandas, una fue en Casa Murada y la otra fue en Granada, con las voces y los arreglos. El proyecto también se atrasó un poco, por las mezclas, ya que tardamos en encontrar el resultado que buscábamos.

P. Aun así, no habéis dejado de girar. ¿El público no pedía más?

A. Creo que podríamos haber hecho incluso otro año de gira, porque no dejaban de llamar. Y la gente sí que es verdad que siempre quiere escuchar temas como «Mi realidad», «Emborracharme» o «Alta fidelidad». Pienso que fue más una cuestión nuestra que del público. Teníamos ganas ya de salir al escenario con nuevo material y poder defenderlo.

P. ¿Por qué «En la espiral»?, ¿qué sentido tiene el título?

A. El sentido es doble o incluso triple. Aunque la connotación no deja de ser la misma. El proceso de grabación del disco, ha sido un poco en espiral: meternos en el local de ensayo, darle vueltas a tres acordes, a los ritmos, a las canciones en sí, hasta que salían como queríamos. Además, el sentido de muchas letras también son muy en espiral: parece que la sociedad va a muchos sitios y a ninguno en concreto, la sobreinformación, la pérdida de valores…Todo ello nos lleva a una espiral de la que no sabemos salir, pero que no deja de tener un principio y un final.

P. ¿Cómo fue trabajar con Ricky Falkner como co-productor?

A. Muy bien, porque a Ricky ya lo conocíamos. De hecho, trabajamos con él en «Impronta». Solo tuvimos que decirle que necesitábamos unos oídos limpios, que vieran lo que nosotros no podíamos ver. Ricky ha sido co-productor, ya que nosotros mismos ya habíamos producido el disco. Lo que nos hacía falta era su visión, ese punto de gran músico, de multi-instrumentista y de amigo.

P. ¿Por qué elegir «Evolución» y «Siempre brilla el sol» como adelantos?

A. «Evolución» fue el tema cero. Hoy en día, antes de publicar el primer single, se saca un avance de lo que será el disco. Está bien, porque al final no singularizas en un solo tema y vas mostrando pinceladas de lo que es el disco en su conjunto. «Evolución» fue el primero porque reunía todos esos posibles matices del álbum: cambio en el sonido, en las estructuras de algunas canciones, el final tan cinematográfico, la letra que es tan autocrítica con el ser humano, etc.

P. El disco abre con «Vértigo I» y cierra con «Vértigo II». ¿Nos encontramos ante un disco circular?

A. Es precisamente un poco esa espiral. Tiene un prólogo y un epílogo, sí que es verdad. Y creo que entre esos dos puntos es donde se confecciona esa espiral. Le daba una connotación más a lo que es el título, pero en ningún momento se buscaba de manera consciente. Fue saliendo conforme avanzaba el álbum. Estas dos canciones son parecidas en cuanto a armonía, por lo que le daba ese carácter circular. Pero en cualquier caso, también suponen un principio y un final.

P. ¿Queda algo de los Lori Meyers de «Impronta» en «En la espiral»?

A. Queda todo de los Lori Meyers desde que nos juntamos en 1998. Obviamente, en cada disco evolucionamos, tanto personal como musicalmente. Yo creo que eso se refleja en cada álbum. Sin embargo, ningún disco se podría haber hecho si no hubiera existido el anterior. La carrera de un grupo siempre es consecuencia de sus trabajos anteriores.

P. ¿Cómo afrontáis la nueva gira?

A. Con muchas ganas, la verdad. Porque es algo que nos pone mucho a los artistas, el girar de nuevo y defender en el escenario las nuevas canciones. Tiene otra tensión, otros nervios diferentes, nuevas sensaciones. Queremos dar un pasito más, ya que entre otras cosas, vamos con una infraestructura mayor. La idea es avanzar y potenciar un poco el espectáculo.


 

«Beatin’ Around the Blues», segundo álbum de Memphis Train, llega a Madrid

El día en el que Víctor Sánchez (voz y guitarra), Borja Fernández (bajo), Alejandro Sierra (piano y órgano Hammond), Jorge Rodríguez (guitarra) y Miguel Galván (batería), crearon Memphis Train, nadie esperaba que se convirtieran en una de las bandas referentes del R&B en España. A día de hoy, con su segundo álbum en la calle, «Beatin’ Around the Blues», los madrileños están inmersos en esta nueva gira. La primera cita, el próximo 17 de marzo en el Intruso Bar de Madrid.

Pregunta. ¿De qué manera se conocen Memphis Train?

Alejandro Sierra. Varios de los miembros nos conocemos desde varios años. Víctor y Borja llevan tocando unos 9 años juntos en muchos proyectos. Más tarde me conocieron a mí, Sierra, hace unos 6 años. Hace cosa de 2 conocimos a Jorge y poco después a Miguel, para llevar un año y medio con esta formación.

P. ¿Qué tiene el R&B que no tenga otro género?

AS. Exactamente no sé qué puede tener respecto a otros géneros, va en función de gustos. A nosotros nos gusta porque es un género divertido, bailable, con mucho trasfondo y mucha personalidad por su estrecha raíz con la cultura y la sociedad.

P. ¿Qué supone para vosotros estar entre la programación de los clubes de música negra más importantes del país?

AS. Para nosotros supone un orgullo, porque es lo que nos gusta, lo que nos motiva y lo que mejor sabemos hacer.

P. ¿Cómo surge este segundo álbum, «Beatin’ Around the Blues»?

AS. Este nuevo álbum surge como el primero No buts, no maybes, de nuestra necesidad de seguir creando y contando historias. Somos una banda dinámica, no nos gustar estar quietos.

P. ¿Y cómo fue ese proceso creativo y compositivo del nuevo álbum, teniendo en cuenta que estabais inmersos con «No buts, no maybes»?

AS. Fue un proceso natural, durante un largo tiempo de gira las ideas van surgiendo, y ya sólo es cuestión de ponerlas en común y ‘ponerlas bonitas’ entre todos.

P. ¿No os hubiera gustado descansar un poco entre una gira y otra? Porque están bastante juntas las dos.

AS. No, como ya dije antes somos una banda dinámica e inquieta. Nos gusta estar constantemente trabajando y tocando, así que no tenemos problema en eso.

P. ¿Cómo definiríais «Beatin’ Around the Blues» en dos o tres palabras?

AS. Es un disco personal, más elaborado y bastante elegante.

P. ¿Por qué es en este disco en el que encontráis vuestro sonido y vuestra identidad?, ¿en este sentido qué diferencias existen respecto al anterior trabajo?

AS. Con No buts, no maybes éramos primerizos. Casi su creación fue un impulso, aunque estamos muy contentos con ese disco, porque de alguna manera puso el germen a lo que vendría después. Beatin’ Around the Blues ha estado más tiempo en la «cocina», es más elaborado.

P. ¿Qué supone para vosotros presentar el disco en El Intruso el próximo 17 de marzo?

AS. Bueno, para nosotros es un orgullo y un placer presentar Beatin’ Around the Blues en casa. Además de que El Intruso es un lugar espléndido. Solemos tocar mucho más fuera de Madrid, así que va a ser especial.

P. Después de Madrid, ¿cuál es el siguiente paso de Memphis Train?, ¿seguiréis girando?

AS. Por supuesto, ese es el plan, nuevo disco y gira.

RECOMENDACIONES MUSICALES DE MEMPHIS TRAIN

BB. King

Otis Rush

Muddy Waters

Sean Costello



Oda al agua en «Mar abierto», el nuevo álbum de Jenny & The Mexicats

Se conocieron hace casi nueve años. Un ‘tablao’ flamenco fue suficiente para juntar a dos mexicanos, una inglesa y un español. Ese fue el gérmen de lo que hoy es Jenny & The Mexicats. Casi una década después, Jenny Ball, David González, Pantera e Icho presentan su tercer disco, «Mar abierto». Esta noche, la Joy Eslava de Madrid, será testigo de una auténtica revolución de géneros musicales, tan distintos como las nacionalidades de los miembros de esta multicultural banda.

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Pregiunta. ¿De qué manera se refleja en vuestra música, la multiculturalidad de la banda?

Pantera. Lo cierto es que no está hecho con ninguna intencionalidad. Simplemente, al juntarnos personas con diferentes caracteres y nacionalidades, sale. Nuestra música es el resultado de juntar a un guitarrista flamenco, a un contrabajista de rockabilly, una trompetista de música clásica y a un tipo influenciado por la timba cubana y el jazz. Es el idioma en común que hablamos.

Pregunta. ¿Cómo nace vuestro último álbum, «Mar abierto»?

Pantera. Fue un proceso un poco caótico, ya que cada uno aporta un género, unas letras, unas experiencias. Jenny, por ejemplo, compone muy poéticamente; mientras que David o yo, tenemos otro estilo y contamos nuestras experiencias sin tanta poesía. Eso sí, siempre intentamos que suenen bien, tratamos de hacer lo mejor de cada canción. La creación de este álbum fue muy divertida. Al final, acabamos todos hablando del agua, de la lluvia y de los temporales. De ahí, «Mar abierto».

Pregunta. ¿Y por qué, precisamente el agua como hilo conductor del disco?

Pantera. Fue casualidad. En su momento, cuando acabamos de montar los temas en el local de ensayo, nos dimos cuenta de que la temática común era el agua. Sin querer, encontramos el hilo conductor de este álbum. En cuanto al título, «Mar abierto», nos pareció una frase muy bonita y por eso la elegimos.

Pregunta. ¿Fue complicado crearlo durante la gira anterior?

Pantera. Más que complicado, fue trabajoso buscar ratos libres en los que pudiéramos parar y crear este nuevo álbum. Tuvimos que abrir el cajón y empezar a darle estructura a algunos de los temas, antes de entrar a grabarlos al estudio.

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Pregunta. ¿Cómo fue grabar de nuevo en los Estudios Valenzo de Ciudad de México?

Pantera. Muy bien, la verdad. Siempre intentamos trabajar con la gente que nos da buena vibra, buen rollo. Los productores son los mismos que nos ayudaron con los dos discos anteriores. Con los anteriores, tuvimos un «Disco de Oro» y algunos de los sencillos fueron «número 1» durante unas semanas. Así que, si algo funciona bien, ¿para qué vamos a cambiarlo?

Pregunta. La mitad de las canciones está en inglés y la otra en español. ¿Por qué se conoce a este sonido, como «sonido Mexicat»?

Pantera. Lo llamamos así, porque siempre nos intentan etiquetar y no sabemos cómo llamar a nuestro sonido. En México nos pasaba mucho: nos decían que si hacíamos pop en español, pop en inglés, que si música del mundo, que si es jazz. Así que, al final, surgió lo del sonido Mexicat como una broma y se quedó. Al principio, era algo entre nosotros, pero al final el término se expandió. Somos un poco el hijo bastardo de Amy Winehouse, con Paco de Lucía, Camarón y Elvis Presley.

Pregunta. ¿Qué supone para vosotros presentar «Mar abierto» en España?

Pantera. Es muy bonito para nosotros. Porque aunque seamos dos mexicanos, una inglesa y un español, la banda se creó en Madrid y empezamos a girar por toda España. En su momento, cuando empezamos y no teníamos todo el equipo humano actual, nos recorrimos todas las pequeñas salas del país. Y lo cierto es que nos gustaría quedarnos más tiempo, pero no podemos. Tenemos que seguir girando por EEUU, donde tenemos 22 fechas a partir del 10 de marzo. Además, también tenemos previsto viajar a México, Colombia, Argentina, Inglaterra o Alemania.

Pregunta. ¿No os hubiera gustado descansar un poco entre una gira y otra?

Pantera. Sí, quizás sí. Pero hay muchas cosas que contar y muchas letras que explotar todavía. Así que, casi preferimos enseñar todo lo que tenemos que enseñar antes de descansar.

Capitán Cobarde: «Todas las canciones de Carretera Vieja son cuentos»

Hay historias que merecen ser contadas. Historias con carga social. Historias sin ella. Historias con tintes más alegres. Pero historias al fin y al cabo. Cuentos que si tienen la voz de Capitán Cobarde, suenan de diferente manera. Suenan bonitas. «Carretera Vieja» es el segundo álbum del artista sevillano, tras dejar atrás su anterior nombre artístico [Albertucho]. Y lo cierto, es que ya puede presumir de haber recorrido casi todo el país.

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¿Cómo fue la transición de Albertucho a ser Capitán Cobarde?

Fue un paso muy natural, la verdad. Empecé en esta profesión con 17 años, cuando me vine a Madrid desde Sevilla por temas de trabajo. Desde ese momento, tuve suerte de conocer a las personas adecuadas. Llevo toda la vida haciendo esto y pienso que lo primordial es ser honesto con uno mismo y con la gente que te escucho. Yo lo único que he hecho, es hacer lo que me da la gana. Sin más.

En este último disco, se dice que hay mucha mezcla de géneros (rock andaluz, folk, etc), pero aseguras hacer siempre lo que te apetece. ¿Es una manera de huir de las etiquetas?

Sí. A ver, tengo mis gustos como todo el mundo. Lo cierto es que son muy variados y todo lo que me resulta interesante, lo escucho. Mi música favorita siempre ha sido el folk-rock: Neil Young, Bob Dylan…Pero no me cierro y escucho más cosas. Y al final, todo eso lo adapto a mi manera y hago mi propia música. Pero las etiquetas, las pone la gente. Tú simplemente haces tu música.

¿Por qué quieres reinventar el folk andaluz?

Esa es la identidad de la que hablaba. Yo escucho muchas cosas, pero al final me interesa estar en el mapa. Yo no hago música country y parece que sea de Kentucky [risas]. Yo soy de Sevilla. Así que lo de querer reinventar el folk, es más que nada un homenaje que quiero hacer a mi tierra. Me encantaría hacer un disco en el que, con mis propias influencias, pudiera homenajear a Triana y al resto de grupos que han creado esa cultura tan bonita del rock’n’roll sevillano.

El anterior álbum salió adelante mediante crowdfunding. ¿Repetirías experiencia?

Si no me queda más remedio, sí. Es una experiencia bonita porque tu gente te ayuda, pero he tardado muchísimo tiempo en sacar el álbum. Fueron casi dos años hasta que finalmente vió la luz: entre que preparas el crowdfunding, consigues el dinero, sacas adelante el proyecto…la espera se hizo eterna. Tiene mucho de bonito porque tu gente está ahí, pero yo prefiero que venga uno y me diga: «Toma, te pago el disco y lo hago en dos meses». A mí me gusta trabajar más rápido.

¿Y cómo ha sido pasar del crowdfunding a trabajar con una discográfica como Maldito Records?

En lo que respecta a rapidez, se ha notado. Maldito Records confió en el proyecto y al final, como resultado tenemos un disco que suena «cojonudo». Todo el mundo se ha implicado mucho. Me gusta trabajar rápido porque si no, al final te cansas de las canciones.

¿Cómo definirías el disco en dos o tres palabras?

Todas las canciones son cuentos. Eso es lo que tienen en común.

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¿Qué hay tras «Carretera Vieja», el título del álbum?

Es la carretera que va a casa de mis padres. Y es que a la carretera de Dos Hermanas, se la conoce como Carretera Vieja. Es por el camino por el que he ido muchas veces con la cabeza agachada. Es como el nexo de unión entre la música y la vida.

¿Cómo ha sido colaborar en este disco con Juanito Makandé, El Canijo de Jerez, Astola o DePedro?

Ha sido un placer porque son colegas míos. Aparte de ser unos artistas maravillosos. Son compañeros de trabajo y de «modus vivendi», porque desde los 16 años, todos estamos subidos en los escenarios. Nos hemos criado cantando.

Dani Alcover ha sido el productor del disco. ¿Cómo fue trabajar con él?

Es un tío encantador. Aparte de que es un auténtico genio, porque tiene mucho recorrido, además de una gran sensibilidad musical. Ha mirado mucho por las letras, quería que sonaran a cuento. Dani les ha dado vida. La verdad es que ha sido una maravilla trabajar con él.

¿Por qué esas ganas de rescatar o contar historias a través de este disco?

Sencillamente, porque me gusta. Mark Twain, por ejemplo, decía que le gustaban tanto las historias, que al final tenía que acabar haciéndolas él. A mí me pasa un poco lo mismo, es una manera de revelarme: como me gustan las historias, quiero ser yo quien las haga. Al final de todo eso, queda la moraleja. Y quien le da sentido a los cuentos, es tu propia oreja.

De ahí, que haya canciones como «Una flor» en este álbum.

Claro. Esa canción es el cúlmen del sinsentido y la violencia. Algo similar pasa con otros temas, como con «Enano de ojos tristes». Sí, a simple vista son unos enanos que se están marchando de un circo, pero si analizas un poco, descubres que la historia va más allá. El hombre bala es la violencia o el domador es un mafioso. Obviamente, cada uno puede ver lo que quiera. Esa es la magia de los cuentos.

RECOMENDACIONES MUSICALES DE CAPITÁN COBARDE

Pasa la vida, de Pata Negra

De cartón pieda, de Joan Manuel Serrat

Little Lion Man, de Mumford & Son


Vendetta: «En Bother nada sobra y nada falta, es un disco redondo y valiente»

Casi ocho años juntos y cuatro discos previos. Llegó el 2016 y Vendetta sorprendió con nuevo trabajo. Después de dos años, la banda volvía a los estudios de grabación de PaxkalEtxepare, para grabar su quinto álbum «Bother», con el que las raíces ska se mantienen, pero se mezclan con ciertos toques reggae y electrónicos. Y con la llegada de este nuevo año, la banda comienza con nueva gira, con la que recorrerán distintas ciudades españolas y también algunas europeas.

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Pregunta. Este pasado año, no habéis parado con vuestra anterior gira. ¿Cómo ha sido no tener ni un minuto de descanso?

Vendetta. Estamos muy acostumbrados a no parar, por desgracia. O más bien por suerte. La verdad es que estamos hechos a eso, arrancamos siempre con toda la energía del mundo, con acabar la gira y pensar en los nuevos temas, así que al final acabas empalmando con la siguiente. Así que, cuando nos dicen que vamos por el quinto disco, no nos lo podemos creer. No hemos tenido tiempo para respirar y reflexionar.

P. ¿Cómo ha sido llevar vuestra música hasta Latinoamérica?

V. Desde que empezamos, hemos hecho giras internacionales. Desde el primer año, cogimos la furgoneta y nos fuimos a Suiza con unos contactos que teníamos. Así que picando piedra, hemos pasado ya por Suiza y Alemania, e incluso hemos cruzado el charco, llegando hasta Perú, Argentina, Chile o Uruguay. Este año también lo tendremos en cuenta y atravesaremos fronteras. Para nosotros este punto es muy importante, ya que somos una banda afincada en Euskal-Herria, tocamos mucho dentro de España y salir fuera del país, para nosotros es ampliar nuestro repertorio de sensaciones. Porque claro, el público es diferente en cada lugar.

P. ¿Y cómo es la acogida de vuestras canciones en otros países, especialmente aquellas que cantáis en euskera?

V. En cada lugar es diferente. En Suiza, por ejemplo, el circuito que frecuentamos es muy alternativo y la gente va a nuestros conciertos, principalmente por el estilo que trabajamos. Porque ni el español, ni el euskera ellos lo entienden, al menos la mayoría. Y la verdad es que es muy curioso ver cómo van, cantan las canciones y bailan. Pero es que esa misma sensación la tenemos incluso cuando venimos a actuar a Madrid. El púbico responde de manera positivo. Y es muy bonito ver cómo gente que no sabe euskera, se aprende los temas. En Latinoamérica nos pasa algo similar a lo que nos sucede en Madrid, por ejemplo.

P. ¿Cómo nace «Bother», en medio de toda esa gira anterior?

V. Surge de la necesidad de escribir, de contar, de crear. Al final, somos una banda de directo, pero nos gusta contar cosas nuevas en nuestros conciertos, y para eso hay que sacar disco nuevo. El proceso de creación, no tiene fecha fija. No es cuestión de decir: «de tal fecha a tal fecha es la gira, y de ésta a ésta, componemos». Son aspectos que van surgiendo de manera simultánea. Sí que es cierto que hay un periodo como de dos años, que parece un estándar en las bandas. Y al final, entras en esa dinámica de sacar disco cada dos años. En nuestro caso, hacerlo a la vez que giramos es algo cañero, pero nos gusta. Así que no nos cuesta sacar tiempo para ello.

P. ¿Podrías definir el disco en un par de palabras?

V. Redondo, porque hemos trabajado el disco 360º. En todo lo que respecta a estilo, temas, diseño del álbum, a todo en general. Nada sobra y nada falta. Además es un disco valiente.

P. «Bother the police» fue el primer single y la primera parte de un videoclip de tres. ¿Por qué esta canción la primera?, ¿y por qué publicar un videoclip en tres partes?

V. Fue el primero de los tres, porque es una canción que representa muy bien a Vendetta, refleja muy bien qué somos. Además, en ese tema cantamos todos, es súper marchoso y tiene ese toque de reivindicación.

En cuanto a lo de la trilogía, teniendo en cuenta que hemos dado un salto en este disco en cuanto a sonoridad, también hemos decidido darlo en el tema del formato de los videoclips. Tres vídeos relacionados entre sí, en lo que a historia se refiere [ya están publicadas la primera y la segunda parte].

P. Hablando del cambio de sonoridad. ¿Por qué esta evolución?

V. Consideramos que ya era el momento de cambiar, al ser éste el quinto álbum.  No queríamos repetir, no queríamos seguir haciendo lo mismo que en álbumes anteriores. Habíamos trabajado ya algo la electrónica, y en «Bother» hemos profundizado en este aspecto. De hecho, este género nos ha ayudado mucho, da un toque diferente al disco. Nos ha servido para darle una vuelta de tuerca más a nuestro sonido.

La verdad es que nos gusta investigar otros estilos y mezclarlos, a lo «jamaicano». Y esta vez, le hemos dado más importancia que otras veces, aunque siempre hayamos mezclado tres y cuatro géneros distintos.

P. En cuanto a las letras, ¿qué importancia tienen?

V. No sabríamos decir una proporción exacta, pero importancia tienen mucha. En realidad, los músicos ponemos voz a las cosas que vemos, a las cosas que nos pasan a nosotros y a todas las personas que sufren lo mismo que nosotros. En ese aspecto, siempre hemos tenido claro que pondríamos voz a todo aquello que nos pareciera injusto. Sin dejar de ser alegres y combativos.

P. ¿Cómo afrontáis este tour 2017?

V. La gira empieza a finales de marzo. Recorreremos varias ciudades españolas, festivales y también caerá Europa. Y la afrontamos con muchísmas ganas, con ansias de montar el mejor directo, que hayamos hecho nunca.

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RECOMENDACIONES MUSICALES DE «VENDETTA»

«So lonely», The Police

«X Ray-Visions», Clutch

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Boreal Project: «Boreal evoca una alusión al norte, con todas las metáforas que la palabra pueda sugerir»

La banda de jazz/folk Boreal Project debuta con su ópera prima «Boreal», un LP que salió adelante gracias a una campaña de crowdfunding. La Sala Galileo Galilei será testigo este miércoles 7 de diciembre, de la primera presentación pública de este álbum. A partir de las 21.00 horas, tenemos una cita en los escenarios con Lorea Aranzasti, Mario Quiñones, Miguel Ángel López, Gerardo Ramo y Miguel Benito.

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¿Cómo nace Boreal Project?

Nace hace dos años cuando Lorea Aranzasti (voz) y Miguel Ángel López (piano) se conocen estando de gira por Suiza. Allí deciden comenzar a componer y enseguida nos unimos el resto (contrabajo, guitarra y batería).

¿Por qué ese nombre?

Creemos que evoca una alusión al norte, con todas las metáforas que la palabra pueda sugerir.

¿Por qué aunar jazz y folk en las canciones?

Porque es lo que nos gusta. No hay un planteamiento estilístico planeado a priori. Es lo que hacemos y es lo que nos gusta. Después tratamos de que todas esas influencias se aúnen de forma orgánica.

¿Por qué vuestras letras y vuestros acordes son un viaje al norte?

Sentimos la necesidad en este proyecto de parar el ritmo, de crear una música que nos detenga y nos coloque en una posición más meditativa.

¿Qué importancia tienen las letras de las canciones para vosotros?

Mucha. Intentamos que la estética y sonoridad de nuestras letras funcionen lo mejor posible con la sonoridad de nuestra música.

¿Qué influencia o importancia tiene el violín barroco en vuestros temas?

No mucha la verdad, pero hay algún que otro detalle en el disco que deja entrever esta faceta.

¿Qué pensáis de la siguiente frase: “El grupo apunta a ser una referencia de la música independiente de la escena actual”?, ¿de acuerdo o no?

Totalmente en desacuerdo. No apuntamos a nada. Tan solo pretendemos vivir de esto. Tal y como está la situación musical hoy en día, no creo que tengamos la oportunidad de convertirnos en referencia de nada, pero si así fuera, será algo no pretendido pero por supuesto bien recibido.

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¿Cómo surge este primer disco, Boreal?

A partir de componer poco a poco un repertorio propio y de darnos cuenta de que sería bonito llevarlo a un disco. Después de una serie de ensayos y conciertos, vimos que el repertorio estaba lo suficiente maduro como para sonar orgánicos en un disco.

¿Cómo fue el proceso de creación de esos nueve temas?

¡Muy variado! Hay temas de Lorea, de Miguel Ángel y míos. Cada uno compone a su manera. No obstante Lorea y yo hemos colaborado mucho en casi todos los temas aportando pequeños arreglos o aportaciones.

¿Por qué decidisteis versionar un tema de Goldfrapp?

A Lorea y a mí nos encanta esta banda y disfrutamos mucho tocando ese tema en concreto.

¿De qué manera afrontáis la presentación del disco en Madrid, el 7 de diciembre?

Como una gran fiesta en la que lo vamos a pasar muy bien y en la que queremos que la gente pueda relajarse y vivir un bonito viaje con nuestra música.

¿Algún avance de lo que se vivirá en el concierto?

Estaremos todos los músicos del disco, los cinco de la banda y el trío de cuerdas, y tocaremos el disco entero de arriba abajo como concepto.

¿Cuál es el siguiente paso de Boreal Project?

Tocar mucho en directo y seguir componiendo para el siguiente disco.


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