Rincones de Madrid: «La Neomudéjar»

La neomudejarEscondido en la estación de Atocha de Madrid, se encuentra el Museo de Arte Contemporáneo y de Vanguardia, La Neomudéjar. A pesar de no ser demasiado reconocido, medios como TVE se han hecho eco en diversas ocasiones de las exposiciones de este pintoresco lugar, al que ADIF alquila el terreno. Y es que, entre los tantos artistas que han pasado por La Neomudéjar, Ze Carrión se alza como uno de los más conocidos.

Creado en el año 2013 por Néstor Prieto y Francisco Brives, este museo se alza como el único museo de arte urbano y de vanguardia de la capital española. La crisis, en todos los ámbitos, que existía en esas fechas, no impidió que ambos artistas gallegos abrieran las puertas de La Neomudéjar. Brives no duda en afirmar que era necesario un lugar así en Madrid, por eso lo crearon. «Queríamos crear un espacio dedicado a las artes de vanguardia, que no están habitualmente en los museos. Además de dar cobijo a artes proscritas como el arte urbano o street art y darle una identidad museística. Todo este proceso siempre ha tenido que estar vinculado a una crítica social dentro de un espacio de resistencia», explica uno de los co-fundadores.

El museo se gestiona de manera autónoma, a través de una Asociación Cultural, formada por artistas y gestores culturales. «Disponemos de nuestros propios medios, generados por la actividad que realizamos en La Neomudéjar. No estamos acompañados institucionalmente, ni tenemos ningún recurso externo o subvención. Así y todo, el proyecto nunca se ha endeudado más allá de la capacidad económica que podía ir gestando». Y así es como sobrevive el centro, en su especial rincón de Atocha. Lejos de ver la ubicación como un «handi-cap», Francisco Brives cree que es una ventaja. «La primera vez que accedes no es sencillo, pero forma parte del encanto del lugar, el Madrid escondido».

ZEDiferenciación de otros museos

Inspirado en el tipo de museos existentes en Latinoamérica, La Neomudéjar recoge todo tipo de artes de vanguardia, que en los clásicos museos españoles no se suelen encontrar. Además, como dice su fundador, «queríamos dar cobijo a artes proscritas como el arte urbano». Un tipo de arte muy unido a la crítica social, tal y como el propio Brives reconoce. Con ese espíritu y con el del 15M, al que estuvieron muy pegados los fundadores, nació La Neomudéjar en plena crisis económica.

Por sus particulares salas, han pasado todo tipo de artistas urbanos y vanguardistas, desde Ze Carrión, del que TVE realizó un documental, hasta Marta Azparren, pasando por Luisa Álvarez o Jacqueline Bonacic-Doric, entre muchos otros. Pero no solo ellos, también han expuesto en el museo artistas extranjeros, cuyas obras han sido cedidas por sus países de origen a La Neomudéjar. De esta forma, Néstor Prieto y Francisco Brives, trajeron desde México, una de las últimas exposiciones de la sala madrileña.

Pero sin duda alguna, todos los artistas, cada uno con sus propio estilo personal, tienen algo en común: la contemporaneidad. Y es que el centro se caracteriza por exponer obras de artistas contemporáneos. «Defendemos que los museos recojan al artista vivo, al artista contemporáneo. Creemos que es una pérdida de valor cultural no apostar por ellos», cuenta uno de los fundadores de este museo madrileño. Éste, es uno de los tantos aspectos que diferencia a La Neomudéjar del resto de museos clásicos de la capital.

GenteNéstor y Francisco aseguran que nunca han expuesto ni expondrán en el museo, pues lo consideran contraproducente. «Nos hemos marcado desde el primer momento que a pesar de que somos artistas, no nos parecía ético ni moral tener nuestra obra programada dentro del propio centro. Cuando hay una intencionalidad museística para nosotros no tiene ningún sentido poner nuestro propio nombre», explica Francisco.

A pesar de las dificultades con las que se encontraron al abrir y todos los problemas con los que se han ido encontrando durante el camino, los fundadores de La Neomudéjar siguen luchando por hacerle un hueco a su museo en las guías turísticas. El objetivo, es que el Ayuntamiento llegue a escucharlos. Lo cierto, es que tienen a grandes museos con los que competir. El Reina Sofía está relativamente cerca. Poco parece que pueden hacer, si comparamos las visitas de uno y otro. ¿Por qué la gente elige visitar un museo u otro? Brives responde que depende de un factor educacional principalmente. «No estamos tan acostumbrados al hecho de la vanguardia. Hay una desigualdad, un desequilibrio muy grande de la promoción turística y promoción de los espacios, si nosotros tuviéramos una capacidad de inversión económica para una comunicación mayor, probablemente el espacio estaría lleno de visitantes».

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Pop art y Antonio de Felipe

AntonioDeFelipe«Tú no eliges el arte, el arte te elige a ti». Con esta afirmación, Antonio de Felipe empieza a explicar sus inicios en este mundo, que es totalmente vocacional. Ya desde pequeño, su familia sabía que se dedicaría a ello, incluso antes de que él mismo lo supiera. Puede decirse que ya nació con ese talento, que con el tiempo ha ido explotando. «Aunque el hecho de que nazcas con una habilidad especial para un campo, no significa que no debas estudiar, aprender y evolucionar», reconoce el valenciano.

De esta manera, además de estudiar Bellas Artes en Valencia, empezó a trabajar en una empresa de publicidad. «Hice dos carreras que se complementan, por un lado la meramente artística, y por el otro lado, la publicitaria. Esto hizo que mi lenguaje fuera pop».

Meticuloso en cuanto a la organización de sus exposciones, el nombre, el logotipo, el concepto general de sus trabajos. «Todas mis obras forman parte de un todo. Por eso, siempre he trabajado con series», reconoce Antonio de Felipe.LPOP

El art pop como estilo

Cada artista es un mundo aparte, y existen tantos mundos como estilos artísticos. Tal y como asegura Antonio de Felipe, la elección de estos estilos depende de las circunstancias de cada uno. Él se decantó por el art pop, entre otras cosas, por su origen. «Soy valenciano. Y el espíritu mediterráneo es colorido, lúdico e irónico, como las Fallas. Y de alguna manera, me nutro de iconos que pertenecen a la imaginería popular. Represento, reinterpreto y transformo cosas que todos podemos ver a diario. Esto hace que las obras no tengan manual de instrucciones y la gente, con tan solo verlas, sepa si les pellizca el corazón o no».

Así y todo, cada artista tiene sus principales influencias, en las que hasta cierto punto, se han inspirado. «Siempre he dicho que mis padres son Warhol y Velázquez. Por un lado, existe una influencia evidentemente pop y por el otro, está el peso de la historia del arte y de los clásicos europeos».

antonio_con_almodovar_19971«Carne trémula»

En el año 1997, Pedro Almodóvar estrenaba su película «Carne trémula». Antonio de Felipe participó en el film dirigido por el cineasta manchego. «Que me llamara Almodóvar para hacer uno de los cuadros de su película, fue una experiencia muy enriquecedora, porque además, estuve durante el rodaje. Guardo muy buen recuerdo de ese momento».

25 años de carrera

«Después de tanto tiempo en este mundo, puedo decir que tanto mi pintura como yo hemos evolucionado. Y eso me enorgullece. Lo cierto, es que la evolución y el afán de superación son muy importantes para mí. El ejemplo más claro, es mi último trabajo Graffiti Pop, una obra en la que he experimentado y aprendido, ya que nunca había cultivado esta técnica», narra el artista valenciano.

DIAMONDS-ARE-A-GIRL’S-BEST-FRIEND-150X200-CM--960x723«Graffiti Pop», la obra más reciente

El graffiti no es otra cosa que la manifestación del arte urbano o callejero. «Decidí centrarme en este estilo, porque es un aspecto que nos rodea. Y realmente hay graffities que son auténticas obras de arte. Por ejemplo, en Miami hay una zona que se llama Windwood, que para mí es la Capilla Sixtina del graffiti. Por eso, decidí empezar a trabajar con ello, y es curioso cómo el arte urbano, el más despreciado, puede revalorizarse y reivindicarse», explica Antonio.

Experimentar con este nuevo estilo, ha sido muy positivo para Antonio de Felipe, pues «Graffiti Pop» se convirtió en todo un fenómeno de masas, entre mayores y pequeños. «Es una obra muy emocional y mi serie más auténtica».

Sobre el futuro, Antonio de Felipe cuenta que está trabajando en una serie nueva, de la que no dió detalles. «El proceso es como un embarazo lento, ya que para desarrollarla como yo quiero, necesito unos años. Eso sí, va a ser muy distinta».

De los cómics también se aprende

P1040248Ramón Boldú, Ramón Pereira y Sento en Unicómic 2014 / FRANCISCO J. ORTIZ

Al hablar de los orígenes del cómic, es inevitable mencionar a los antiguos egipcios y romanos, pioneros a la hora de dibujar y esculpir tiras narrativas. Sin embargo, los antecedentes más cercanos de las historietas, se remontan al siglo XIX, muy cerca del nacimiento del cine.

El siglo XX sirvió para consolidar la industria del cómic, que cien años después, puede decirse que vive su época de auge, con la aparición del manga – cómic japonés-. 1999 fue una fecha importante para Alicante, en lo que a las historietas se refiere. Estudiantes de la Universidad de Alicante creaban las primeras Jornadas del Cómic, que este año, celebran su decimoséptima edición. Del 7 al 9 de mayo, artistas e invitados se encontrarán en la sede de la UA, situada en la ciudad alicantina.

«La intención de las primeras jornadas era demostrar que el cómic es un vehículo de expresión artística y cultural, tan válido y respetable como cualquier otro», explica Joan Miquel Rovira, uno de los organizadores de Unicómic. «Lo que se buscaba era dar con un modelo de jornadas que no fuera el de los grandes salones, y en el que primara la cercanía con los creadores», añade.

En esta edición, participarán dibujantes nacionales e internacionales, de la talla de Luc Brunschwig o Stephen Desberg, que vienen de Francia o Javier Garrón y Vicente Cifuentes, dos artistas españoles que trabajan como ilustradores en Estados Unidos. También asistirán autores alicantinos, como Ana Oncina, Miguel Ángel Escoín, Juaco Vizuete y Pablo Auladell, que además de presentar sus obras, hablarán sobre la situación del cómic en Alicante.

A día de hoy, puede decirse que las preferencias en el mundo del cómic están en pleno proceso de cambio. Desde que se celebraran las primeras jornadas de Unicómic, el panorama de los tebeos ha evolucionado. «Está apareciendo un tipo de lector que no necesariamente es el coleccionista tradicional. Los usuarios tienen varios cómics de referencia, que leen de tanto en tanto», explica Joan Miquel Rovira. «Es más, desde hace varios años, ha surgido una nueva tendencia: los consumidores dejan de ser niños y adolescentes. Cada vez hay más público adulto, con un enorme interés intelectual», agrega.

2014-12-27 12.39.09Aún así, el consumo de cómics todavía es escaso. Ana Oncina, dibujante y creadora de la historieta «Croqueta y Empanadilla», piensa que «la lectura de cómics en España es insuficiente, por lo que toda actividad relacionada con el cómic es necesaria. Por suerte, en Alicante están surgiendo más iniciativas de este tipo». Aunque la experiencia de la artista eldense, se aleja bastante de esta realidad. «Croqueta y Empanadilla es un tebeo que ha llegado a gente que no suele leer cómics. Supongo que el éxito no solo ha sido cosa de la temática cotidiana. Es cierto que el humor es muy blanco. Además, impacta mucho que los protagonistas sean una croqueta y una empanadilla», cuenta.

Lo cierto es que las posibilidades que ofrecen los cómics van más allá de la diversión o entretenimiento. De las historietas también se aprende. a nivel internacional, el dibujante Will Eisner inició su andadura en revistas para el ejército, para las que hacía viñetas. De esta manera, los militares aprendían medidas de seguridad e higiene. En un ámbito más cercano, destaca el trabajo de Unicómic y la UA. «Hasta el momento, hemos tres cursos, en los que se han trabajado temas como la enseñanza de lenguas mediante el cómic, el cómic como estrategia de fomento del hábito lector en catalán, los cómics y la didáctica de la lengua y la literatura, cuestiones de género o la historia a través del cómic», cuenta Rovira.

Y por supuesto, las historietas enriquecen a los lectores culturalmente. «Leer tebeos combina dibujos con textos, lo que permite entender mejor la sátira, el simbolismo, los juegos de palabras y el humor. Es una forma muy divertida de meterse dentro de la historia», concluye Ana Oncina.

Croqueta y Empanadilla

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“Si yo soy una empanada, tú eres una croqueta”. Así empezó todo. Inspirándose en un viaje a Berlín, que “fue un desastre”, Ana Oncina comenzó a dibujar el que sería su primer cómic.

Desde pequeña

“Desde pequeña he sabido que quería dedicarme a dibujar. Cuando iba al colegio, empecé con el manga y el anime, y descubrí que me gustaba hacer cómics e ilustraciones”, explica Ana. Pasó el tiempo, y llegó el momento de acabar el instituto y empezar la universidad. “Me planteé qué hacer, porque Bellas Artes tenía pocas salidas, pero como estábamos en la época de que nada tenía salidas, decidí irme a Valencia”. Eso sí, teniendo claro a qué querría dedicarse en el futuro. Y le salió bien.

Croqueta y Empanadilla

El primer tag dibujado fue el del viaje a Berlín. “Era una historia con principio y final, así que las siguientes las estructuré de la misma manera”. Un cómic, con tintes autobiográficos, en el que la ficción y la realidad se mezclan de una manera realmente interesante. Desde la combinación de personas y alimentos, hasta la aparición de un perro y un gato, que “en realidad no existen, pero son un proyecto de futuro”. Una vez terminadas todas las ilustraciones, los familiares y los amigos de Ana Oncina, la animaron a que publicara las aventuras de Croqueta y Empanadillay aunque no era su idea inicial, lo hizo. “Hice un portfolio, con los personajes, con una idea sobre cómo iba a ordenar la historia y con algún tag hecho. Lo mandé todo a un montón de editoriales, y al día siguiente me llamó La Cúpula”. Y la acogida no se hizo esperar. Seis ediciones desde marzo de 2014. “No me imaginé que tuviera tanto éxito, pensaba que a nadie le interesaría ver mi vida en dibujos. Pero resulta que, en realidad, somos todos bastante parecidos”.

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Técnica e influencias

El proceso de creación es sencillo. La joven eldense, explica su técnica a la hora de dibujar. “Primero hago los bocetos, luego los paso a limpio y los escaneo. A la hora de pintar y maquetar, empleo el photoshop”. En cuanto a las fuentes de inspiración, la dibujante Ana Oncina, reconoce que la gente compara sus ilustraciones con las de Hora de Aventuras. “Seguramente sea así, porque la verdad es que estos dibujos me encantan”, añade. Pero esta no es la única influencia que recibe: “Al entrar en la universidad, empezó a gustarme el cómic europeo underground. Y aunque hace tiempo que no leo mangas, supongo que la influencia continúa latente”.

La continuación

¿Qué pasará con Croqueta y Empanadilla?, ¿seguiremos viendo y leyendo sus aventuras? Por supuesto. “Ahora mismo, estoy dibujando la segunda parte del cómic, que espero publicarlo en primavera”, asegura Ana.


Web Ana Oncina: http://www.anaoncina.com

El arte de Toval

toval

“Cuando comienzas una pintura es algo que está fuera de ti. Al terminarla, parece que te hubieras instalado dentro de ella”, dice el artista colombiano Fernando Botero. Cristóbal Pérez, “Toval”, lo sabe bien. De pequeño descubrió el mundo de la pintura, y a los 18 años cogió por primera vez unos pinceles. Ha sido profesor, pero actualmente se dedica exclusivamente al arte: “Tengo muchos amigos que combinan docencia y pintura. Pero yo, desde el principio sabía que quería dedicar mi vida a lo que mejor sabía hacer. Creo que puedo aportar un granito más a este mundo”.

Trabajo duro

Ha ganado multitud de certámenes de pintura de toda España. Numerosas galerías de arte, nacionales e internacionales han expuesto sus trabajos. Países como México, Estados Unidos o Inglaterra han visto pasar las obras de este joven pintor. Puede que haya gente que lo considere suerte, pero la suerte hay que ganársela a base de esfuerzo. “Para hacerse un hueco en el mundo de la pintura no hay ningún secreto. Lo más importante es trabajar, trabajar y trabajar. Y por supuesto, creer en uno mismo aunque te nieguen o se rían de tus pretensiones y tu trabajo”, asegura Cristóbal Pérez.

El proceso

La pintura, como el resto de manifestaciones artísticas, es un modo más de expresión, de liberación, una vía de escape, que puede convertirse en la forma de vida de muchos artistas. ¿Cómo plasmar pictóricamente ese “yo” interior? “Siempre hay alguna cosa que me obsesiona. Solo hay que encontrar el momento para destriparlo y sacarle todo el jugo posible. Fotografío, dibujo, tomo apuntes y pinto las obras definitivas basándome en el medio natural. Al final, expongo mi trabajo”, cuenta Toval. “Es muy emocionante representar con tu visión personal lo que todos somos capaces de ver. Existen tantos colores y formas. Realmente, hay miles de excusas para representar el paisaje”.

Venezia

Venecia

Un libro, una canción, una frase o una ciudad son suficientes para inspirarse, para sentir, para plasmar artísticamente una realidad. La Ciudad de los Canales fue el marco ideal para crear Venezia, una de las obras del malagueño Cristóbal Pérez. “Esa ciudad me tenía loco antes de visitarla. Pero cuando puse el pie por primera vez en aquellos puentes, supe que debía dedicarle una o varias exposiciones. Aúna arquitectura, agua, historia, opulencia y decadencia. Lo sublime de la ruina, el verde moho, el rojo ladrillo y el mármol blanco me terminaron enamorando”, explica.

Ahora hay que mirar al futuro. La nueva obra de Toval, Traffic está ya dando la vuelta al mundo. “Comenzó en Berlín y llegará a Murcia en poco tiempo. Además, pasará por Zaragoza, Nueva York, Barcelona y Oviedo. Este trabajo cerrará el ciclo de exposiciones de 2015”, asegura el joven artista.


 

http://www.cristobalperezgarcia.com/

Twitter: @tovaltoval

“Kings of street” 2013

1) ENSAYOS

“Kings of the Street” es el campeonato nacional de break dance, que acoge anualmente a bailarines de multitud de países. Durante todo el año, los ‘b-boys’ se preparan para mostrar sus mejores pasos. Los minutos anteriores al inicio del evento son decisivos.

 

2) CRIBA

Además de los concursantes inscritos, 14 parejas más pudieron participar en el concurso, tras pasar un filtro en el que batallaron. Asimismo, los jueces eligieron a 4 bailarines más, y los mezclaron entre ellos para después competir.

 

3) MUJERES

Desde que el ‘b-boying’ naciera en los años 70, han sido hombres los que han practicado este baile urbano. Sin embargo, cada vez hay más mujeres que bailan ‘break dance’, igualando en nivel a los chicos.

 

4) NIÑOS

Entre batalla y batalla, el presentador, Karpot de “Fresh Flesh” Barcelona, repartió bolsas con ropa de regalo. La última la sorteó entre dos niños que, con mucha destreza, imitaron los pasos de baile de los competidores más experimentados. El público se sorprendió al ver a estas jóvenes promesas.

 

5) JINCHO

Uno de los invitados especiales de la gala, fue el reconocido ‘b-boying’, “El Jinchu”. Este monovero, lleva alrededor de 20 años bailando, y en varias ocasiones ha intentado promover este baile urbano en Monóvar.

 

6) SEMIFINAL - BRUJILLO

Todos los grupos ansiaban llegar a la final, pero solo dos de ellos lo consiguieron. Kiry y Damián, de “Carnales Squad” se quedaron a las puertas de la última ronda, pero ‘El Brujillo’ y ‘Movie One’ fueron más afortunados que ellos.

 

7) FINAL - BRUJILLO

Tras una larga tarde, los miembros del jurado: Xisco Hustle kidz, Pepito 7$ y Thomaz RockaFellaz, proclamaron campeones a “Lunatiks Crew”, dúo formado por ‘El Brujillo’ y ‘Movie One’.  Por detrás, se quedó el grupo “Skill Cypher”.

El futuro del cómic

Brienne, cedida por Laurielle

El alto crecimiento de internet a finales de los años 90, supuso que el web-cómic aumentara de manera considerable. Muchos dibujantes dieron el salto del papel a la red, digitalizando sus tiras o creándolas exclusivamente para este medio. Web- cómics como User Frendly, PvP o Penny Arcade marcaron el inicio de esta nueva era.

“A los web-cómics se les aplica la lógica del blog: son publicaciones periódicas, con sus comentarios y con la posibilidad de buscar una página concreta o consultar un archivo”, explica Laurielle Maven, dibujante de El vosque. “Hay variaciones: cómics que se suben de golpe a Internet, en lugar de periódicamente, o cómics que se descargan pero no se leen online. Algunos webcómics nacen con una historia cerrada desde el principio, y otros comentan la actualidad o los temas que interesan a sus autores. Hay historias que se pueden publicar en papel y otras que es imposible”, explica.

Financiación

“Hay algunos webcómics que sí cuentan con algunas subvenciones, especialmente a la hora de publicarse en papel, pero no es lo habitual”, asegura Laurielle. “Lo bueno de internet es que no necesita recursos materiales para gestionar tu trabajo. No se necesita ni financiación ni gente apoyándote, con tener ganas puedes sacar tu cómic adelante”, cuenta el dibujante Óscar Oliva (Eggest). Además, explica que basta con tener una tableta o un escáner para hacer cómics. ¿Y qué beneficios se pueden obtener de los webcómics? “Los mismos que con los blogs. Muchos no recaudan dinero, otros consiguen lo justo para pagar el servidor y otros son el principal medio de vida de sus autores”, dice Laurielle Maven. “Con los webcómics pasa lo mismo: cualquiera puede aceptar donaciones por PayPal, vender camisetas o buscarse otros modelos de financiación, como el crowdfunding”, añade.

Tira para podcast de Freakdom, cedida por Eggest

Dibujo vs guion

Un cómic no solo son dibujos, también es literatura. Por eso es imprescindible que tenga una historia. Pero, ¿imagen y guion están al mismo nivel? Para Eggest, no: “Creo que el guion es más importante. Un dibujo es atrayente, pero si el guion no tiene enganche, al público no le gustará. Hay gente que dibuja muy bien, pero cuenta una historia que no apetece leer”. Sin embargo, Laurielle no piensa lo mismo: “Para mí es un error separar ambos aspectos. Un guion excelente con un mal dibujo no se entenderá, y un dibujo excelente con un mal guion no enganchará al lector. De la misma manera, una tira con mucho texto será un mal cómic”. Por eso, la clave para la dibujante de El vosque “es que el guionista y el dibujante entiendan que se trata de un trabajo de equipo”.

¿El papel o el web-cómic?

La aparición de las historietas en internet puede abrir un gran debate: ¿son mejores las publicadas en papel o las colgadas en la red? Las dos opciones son igual de válidas y correctas, pero está claro que opiniones habrá tantas como personas. Según Laurielle Maven, “son formatos distintos perfectamente combinables. En general, los web-cómics tienen las mismas ventajas que los blogs con respecto al formato tradicional: logísticamente son mucho más flexibles y ágiles, permiten una respuesta inmediata de los usuarios y tienen facilidad para llegar a todo el mundo”. Óscar Oliva añade: “En internet, hay cómics de cualquier temática y cualquier género. No hay filtros, por lo que todo lo que tenga cabida en tu cabeza puede subirse a la red. El inconveniente, es que los dibujantes de web-cómics no tienen el mismo renombre que los de las grandes casas como DC o Marvel”.

The game is a life

Buenas ideas y trabajo duro son los pilares principales para triunfar y para conseguir todo lo que uno se proponga. Quizás la tarea más complicada de un artista sea dar a conocer su trabajo. Pero gracias a los blogs y a las redes sociales, la difusión es más fácil. The game is a life surgió como medio para hablar sobre videojuegos. En este espacio, los dibujantes Manu Segura, Óscar Oliva y Antxon Echeveste pueden colgar sus trabajos sin ningún reparo. Óscar (Eggest) es dibujante y está trabajando en un cómic para The game is a life. “En una semana, puedo dibujar cuatro o cinco tiras y las publico conforme las acabo”. Actualmente, para dibujar no se necesitan demasiados medios. La manera de trabajar de Eggest es sencilla: “Tengo una tableta y me defiendo con ella. Ahí tengo diseñadas tres o cuatro viñetas, y sobre ellas dibujo. Aunque algunas veces, he dibujado en papel y después he escaneado mi trabajo”.

Tira TGIAL 2, cedida por Eggest

El Vosque

Uno de los ejemplos más conocidos de web-cómic es el de El Vosque. En 2009, Laurielle y Morán crean esta historieta de fantasía y asesinatos ambientada en un reino mágico. Según los autores, en su cómic, “las hadas son alérgicas a las flores, los elfos un peligro público y las cosas tienden a explotar”. Los inicios de El vosque no fueron tan complicados como parecen: “Nosotros  empezamos con parte del camino recorrido, ya que Morán tiene otro web-cómic con mucho público, Eh Tío!”, cuenta Laurielle. “Pero sólo con la fama inicial no habríamos conseguido mucho: publicamos regularmente, escuchamos a nuestros lectores e intentamos hacerlo siempre lo mejor posible”, añade. El método de trabajo es sencillo: “Morán es el guionista y yo la dibujante. Semanalmente, me pasa guiones y yo los dibujo, los maqueto y los subo a la web. Ahí la gente comenta lo que pasa o lo que cree que va a pasar. Eso nos es muy útil para ver las cosas que no están claras y para retocar las siguientes páginas”, explica Laurielle. La dibujante cuenta que esta historia está llegando a su fin. De cualquier manera, el público todavía puede disfrutar de El vosque. Y también de los Woodies, historieta paralela que guioniza y dibuja ella de manera más sencilla. “En este web-cómic tratamos los temas del día a día de este mundo”.

El éxito cosechado por este nuevo formato, hizo que en 2008 se celebrara el Concurso Nacional de Webcómics en Español. Sin embargo, este auge no es suficiente para que guionistas y dibujantes españoles puedan vivir de este mundo. Mientras en EEUU existen empresas dedicadas única y exclusivamente al web-cómic, en España hay muy pocos casos, ya que como dice Laurielle “es un campo muy nuevo”.

El vosque portada 4, cedida por Laurielle maven

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Imágenes cedidas por Laurielle Maven y Eggest

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