Supersubmarina arrasa con «El Mañana»

Antes de que pudiera llegar El mañana, Supersubmarina salió al escenario del Barclaycard Center de Madrid. Nada podía evitar que ellos cantaran por ese nuevo día que estaba por llegar. Y por si algún alma, todavía Hermética, se negaba a rendirse a los pies de los andaluces tras este primer tema, llegó Ana para echarles una mano. Necesitaban Algo que sirva como luz y allí estaba ella.

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«Buenas noches, Madrid. Somos Supersubmarina y venimos de Baeza (Jaén). Y eso es mucho decir para una noche como esta». Y lo cierto es que, ¿por qué hacer presentaciones largas? El concierto tenía que empezar. Apenas eran las diez de la noche y De doce a doce y cuarto, en el Palacio de los Deportes ya no debía quedar nadie, muy a nuestro pesar.

Y es que claro, ¿cómo querer marcharse de allí después de semejante concierto? Completar el aforo de Barclaycard Center es tarea complicada, aunque Jose Chino, Pope, Jaime y Juancha pueden quedarse satisfechos. Tanto en la pista como en las gradas, tan solo se veían cuerpos que, inundados por la música, no podían dejar de saltar. Comprensible esa sensación de querer vivir estas dos horas de concierto en bucle. Pero tranquilos, porque antes de decirnos adiós, Supersubmarina nos dio unas cuantas claves Para dormir cuando no estés.

Ese ambiente guerrero, generado por temas como Enemigo y yo, Hasta que sangren o Canción de guerra, se calmó con Pequeña de las dudas infinitas. Fue empezar a sonar y aparecer en el escenario «la pequeña Zahara» con su dulce voz.

«Sé que tendré el cielo entre mis manos», cantan en Supersubmarina. El cielo no sé, pero al público sí. Un público que entonó cada una de sus canciones, que aplaudió y que bailó, dejando de lado la Puta vida que cada uno pueda o no tener. Y es que siempre, siempre habrá un motivo para bailar. Aunque ese motivo se llame Hogueras. Sobre todo si se llama así. Nunca es tarde para aprender a hacer un molinillo con las manos, dar tres pasos hacia un lado y aplaudir.

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Tras anunciar la ausencia de Rayden, una de las colaboraciones de la noche, a causa de su reciente paternidad, José Chino quiso homenajear al suyo. Un «muchísimas gracias, papá» dio paso a Con el viento de cara.

«La siguiente colaboración no me hace nada de ilusión. De hecho, me llevo muy mal con ellos. El único puto grupo que tiene un cantante más alto que yo: Izal». Mikel, Alejandro y Alberto aparecieron entre aplausos y ovaciones. Unos pequeños problemas de sonido, acompañado por un «Es que no se os puede dejar entrar en ningún sitio», dicho por Chino, dieron paso a LN Granada.

Aunque ésta fue la última gran sorpresa de la noche, todavía quedaba por poner el broche final. En esta recta final, Supersubmarina demostró que la Niebla y la Arena y sal corren En sus venas.Y todo, para acabar con un apoteósico Cientocero


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Full regresa con fuerza

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La banda sevillana Full se subía ayer al escenario de la Sala El Sol de Madrid para presentar el que es sus segundo álbum, «Tercera Guerra Mundial». Tres años después de su primer trabajo, Javi Valencia, Bubby Sanchís, Jesús Gutiérrez y Jaime Gutiérrez, regresan a escena con un trabajo mucho más maduro, y de la mano de Warner Music. Un año muy cargado para los andaluces, que se recorrerán la geografía española, entre conciertos y grandes festivales. Entre ellos, el Neox Rock Festival.

Pregunta. ¿En qué momento surge Full?, ¿por qué ese nombre?

Javi Valencia (Full). Full nace de, digamos, un tope al final de la banda que teníamos anteriormente. Éramos prácticamente los mismos integrantes, pero con otro nombre y otro estilo de música. Al final eso se cayó por su propio peso. Así que, tras llevar canciones nuevas al local, decidimos empezar de nuevo y embarcarnos. Surgieron nuevas ilusiones, que nos han traído hasta aquí. Evidentemente, cuando empezamos con los nuevos temas, le dimos vueltas al nombre que queríamos ponernos y ninguno nos valía. Solo sabíamos que queríamos uno corto, que se nos quedase rápido y que dijera algo. Salió Full y no sabemos si por cansancio, al no encontrar ninguno que nos gustase, nos decidimos por él, porque también recogía el concepto que queríamos transmitir: el de ir a por todas, de ir con el depósito lleno. No pensamos que luego iba a ser complicado para buscarnos [risas], pero ya nos valía.

¿Cómo nace «Tercera Guerra Mundial»?

J. Nace porque tenía que nacer. Tras nuestro primer disco, las ganas de continuar y el hecho de seguir tocando para la gente, aumentaron. Así que las ganas de sacar un nuevo trabajo, vienen solas. Y si has aprendido algo, eso después se revierte y se nota en el disco. Creo que al final es cuestión de matemáticas el hecho de que saliera.

¿Podrías definirlo en pocas palabras?

J. Es una clara evolución hacia la línea o una evolución en el camino de Full. Pero no sabría entrar en matices de: «esto es una épica». Y más yo, que soy el compositor. Entonces mi perspectiva es diferente. Aunque sí que he notado, sobre todo también por la respuesta de la gente, que ha habido un cambio, una mejora y evolución hacia la madurez.

¿De qué manera ha evolucionado Full desde «Mi primer atraco»?

J. Ha habido cambios, sobre todo en la madurez del sonido. Las letras, además, abarcan otros temas y se ha intentado crear una narrativa diferente, pero sin perder esa profundidad que ya teníamos con anterioridad.

¿Qué ha supuesto para vosotros publicar vuestro segundo disco con Warner Music?

J. El disco lo hicimos antes de firmar con Warner. Una vez producido el álbum, nos sentamos con ellos, escuchamos lo que nos ofrecían y evidentemente, lo que nosotros les podíamos dar también a ellos. Desde luego, hasta el día de hoy, hemos notado una respuesta mucho mayor en lo referente a medios, de los cuales no disponíamos anteriormente. Al final, son todo respuestas y conexiones. Al llevar tantos años y tantos artistas, podemos usar herramientas que antes estaban mucho más lejos para nosotros.

¿Por qué elegisteis «Aullando» como primer adelanto?

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J. Quizás porque era la canción que más a la primera podía entrar, de todas las del disco. También porque era un tema que ya habíamos tocado antes de sacar el álbum, y sabíamos que tenía muy buena acogida. Aunque la gente no la conociera, como conocían las del primer disco. Entre una cosa y otra, pensamos que podría ser la mejor carta de presentación. No es una canción que resume el disco, pero sí que es una muestra de lo que va a venir.

¿Cuál dirías que es la canción que resume el disco?

J. «Tercera Guerra Mundial» por el nombre [risas]. Y porque de todas las canciones, es la que habla un poco sobre lo que es para nosotros la Tercera Guerra Mundial. O más bien, cómo se ha llegado a ella. Es básicamente, una guerra de conciencia. Y de una manera u otra, las canciones del disco hablan sobre ello: la conciencia, la actitud, las situaciones y cómo nos desenvolvemos en ellas.

Poco antes de que el álbum viera la luz, presentasteis en acústico el tema «Gravedad», en Malditos Domingos. ¿Qué significó para vosotros esta presentación?

J. La verdad es que teníamos que interpretar un tema en acústico, uno que te pudieras poner un domingo por la mañana en tu casa. Y vimos que el que más encajaba era «Gravedad», porque es la canción lenta que mejor se puede tocar en acústico. Pero no fue a nivel de presentación, aunque es cierto que después nos gustó el resultado. Fue una especie de guiño al disco, donde aparece el tema, pero no exactamente de la misma manera en la que lo tocamos en Malditos Domingos. El peso de la letra daba indicativos de la línea por la que queríamos ir.

Habéis debutado con grandes artistas en festivales como el SanSan, el Spring Festival; y lo haréis en otros como el Festival de los Sentidos o el Festival de les Arts. ¿Qué supone para vosotros actuar en todos ellos?

J. Es una alegría y honor que todos los años te sigan llamando. En el Arenal Sound, por ejemplo, tocamos por primera vez ya hace unos cuatro años. Y cuando me lo dijeron, salí a la calle corriendo de la felicidad [risas]. Es un orgullo ver cómo tu música llega cada vez a más gente y sitios, y que además, luego recibes una respuesta de ahí. Todas estas buenas sensaciones se incrementan cuando incluso antes de salir al escenario, escuchas al público cantar tus canciones. Es muy bonito y hace que todo esto tenga sentido.

También formáis parte del cartel del Neox Rock Festival. ¿Cómo se os plantea esta oportunidad?

J. Muy bien, como todos los festivales realmente. De hecho, estamos con bandas con las que coincidimos en muchos otros festivales. Al final, se parecen a las quedadas que haces los fines de semana con los amigos [risas]. Y que Neox haya querido contar con nosotros es una alegría.

¿Full es más de festivales o de conciertos pequeños?

J. Cada cosa tiene su momento. Es como decir, ¿tú que prefieres: ir de fiesta o quedarte en tu casa? Según qué día [risas]. En los festivales está claro que te lo pasas muy bien, pero igual que en las salas. Sí que es cierto que en los festivales tienes mucho menos tiempo para actuar. Igual pasa con el repertorio: en los primeros, tiene que ser mucho más dinámico. En una sala puedes jugar mucho más con él.


Rafa Caballero, uno de los artistas del Circuito Independiente de San Isidro

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Fue uno de los integrantes de la banda «Hoja de ruta». Sin embargo, ahora Rafa Caballero se ha decidido a actuar en solitario. «Trafalgar» es su primer trabajo. Un álbum muy especial que el jerezano presentará este sábado 12 de mayo en la Sala Clamores. Y es que el «escritor de canciones» entra de esta manera en el Circuito Independiente de Música, de las Fiestas de San Isidro.

¿Qué te llevó a empezar tu carrera en solitario?

Rafa Caballero. Yo como me considero escritor de canciones y tengo ese nervio y no paro de realizar nuevas canciones, en el proyecto en el que estaba anteriormente, me estaba limitando un poco y tenía un repertorio bastante olvidado.  Así que tenía ganas de retomarlo. Además, hace tres años, unos amigos me hicieron una especie de crowdfunding muy personal. Fue un regalo de cumpleaños precioso. Y eso me ayudó a lanzarme y decirme a mí mismo que me tenía un poco abandonado y que era mi momento. Por esas fechas también conocí a Pierrick Reglioni, que es el pianista, y empezamos a trabajar juntos. Y después se unieron Alberto Román, el bajista, que vino desde Londres, Rayco Gil con la percusión y Alfredo Martín, el batería, que siempre ha formado parte de mi carrera musical. Así que fue un cúmulo de cosas las que me ayudaron a decidirme.

¿Cómo ha sido trabajar con todos ellos en este proyecto?

RC. Ha sido muy buena experiencia. Lo que más me costó fue trabajar Pierrick, que es un pianista muy completo, que viene del jazz; y a mí, que venía del rock & roll, me faltaba el rodaje de hacer algo de más duración. Así que con él, fue con el que más tuve que trabajar. Aun así, fue todo muy fluido porque le gustaban mucho los temas. Nos centramos en las canciones, más que en el directo, que es lo que nos estamos centrando ahora. En definitiva, ha sido muy cómodo trabajar con músicos de primera división, como digo yo.

También ha habido colaboraciones con otros músicos como Iria Ernesto, Carlos Sosa, Iván del Castillo y David Pardo. ¿Cómo se dieron estas colaboraciones?

RC. David, por ejemplo, viene de mi proyecto anterior y es un compañero y músico de hace mucho tiempo. A Iván lo conocí por mediación de Rayco, que es un percusionista que toca con muchas bandas de Madrid; igual que Iván, que es un gran trompetista. Y la verdad es que nos conocimos en el lugar de ensayo, igual que con Carlos Sosa (de Fuel Fandango). Con Iria, que ha colaborado en algunos temas con Amaral, fue por amistad. Fue genial, porque son todos unos grandes músicos. Les propuse la idea y como les gustó el material, aceptaron. La verdad es que tenía claras las colaboraciones desde el principio, pero no sabía exactamente con quién.

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¿Por qué llamar al disco «Trafalgar»?

RC. Tiene varios motivos. En primer lugar, porque yo compuse un tema llamado así, que es el que más identifica el proyecto y es el más bonito también. Además, «Trafalgar», el libro de Benito Pérez Galdós, me fascinó cuando lo leí con 15 de años. Y en uno de los temas que compuse hace tiempo, hablo de esa obra, sin llegar a nombrarla. Así que, en parte, es un homenaje al libro. Otro de los motivos, es que soy de Jerez de la Frontera (Cádiz) y el faro de Trafalgar está allí en Caños de Meca. Así que, todo tenía una conexión. De hecho, lo hablaba con Pierrick, que es francés. La batalla de Trafalgar tuvo lugar entre franceses y españoles, que lucharon contra los británicos, y claro, teníamos esa broma.

Entonces, como has mencionado anteriormente, el disco nace de rescatar todos esos temas que tenías olvidados.

RC. Claro, son los temas que yo tenía ya hechos. De hecho, para el sector que ya me conocía un poco, hay canciones del disco que le van a sonar. Porque los hemos rescatado y reinventado a este nuevo estilo, para que todo tuviera un sentido. Quizás son las canciones que más han funcionado en otros momentos, como cuando estaba en mi anterior proyecto, «Hoja de ruta», o que hice yo en solitario y han gustado mucho. Así que la idea era esa, tenerlas vestidas con un mismo traje y aprovechar esta obra para arrancar. Quiero pensar que dentro de un año estamos grabando otro disco, con más temas. Este es el pistoletazo de salida.

¿Por qué elegir «Para cuidarte» como primer single?

RC. Fue complicado, porque por un lado, como «Trafalgar» era la canción inédita en mi entorno, me planteé que fuera esa el Pero quizás, como es un tema más valiente, diferente, no tiene estribillo, no era muy adecuado. Sin embargo, «Para cuidarte» fue una canción que funcionó muy bien cuando la di a conocer. Además, es una composición que no te descubre el disco, pero sí te deja clara la intención. Es un bolero, con una letra muy atrevida, tiene un estribillo y es un tema más convencional al oído. Es el más sencillo para llegar a la gente.

¿Cómo fue el proceso de grabación en directo?

RC. El disco fue grabado completamente en directo, excepto algún reccording que ha habido luego de alguna percusión. Pero el grueso del álbum: piano, percusión, batería y bajo, que es el bloque principal, es en directo. Como ya he dicho, hay algún detallito que se ha añadido después, pero la gran parte es en riguroso directo. Es más, se grabó en un par de días, en los que los nervios estaban a flor de piel. Y es que cuando se pone el piloto en rojo, te paras a pensar en que a pesar de que estaba todo ensayado, el estudio es muy chivato y ves que los temas caminan de una forma, y hay que ir parando. O se te ocurren nuevas cosas mientras grabas. De cualquier manera, fue una experiencia muy bonita.

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¿Qué supone para ti presentar el disco en la Sala Clamores de Madrid?

RC. Para mí es una pasada. Llevo diez años en Madrid y siete de ellos he estado con un proyecto de rock & roll, y ya me parecía increíble actuar en la Sirocco o en la Moby Dick. Y es que yo también he tenido 15 años y los grupos que yo escuchaba, que actuaban en todas esas salas. La Clamores la tengo virgen [risas]. Por un lado, estoy con un poco de miedo, y por el otro estoy ilusionado. Encima está al lado de la calle Trafalgar [risas]. Se han dado una serie de circunstancias muy bonitas, como que hemos entrado en el Circuito Independiente de San Isidro o que vienen mi familia y mis amigos a verme.

¿Alguna sorpresa que se pueda avanzar?

RC. Tan solo decir que habrá alguna canción, más allá del disco. Aunque de momento, queremos ver cómo funciona este nuevo formato que estamos llevando a los directos. Eso sí, lo que sí se promete es que algunas de los músicos colaboradores del disco, estarán como invitados en el concierto. Es entrada libre en la Sala Clamores, así que seguramente venga gente interesada en consumir música. Va a ser un concierto muy dinámico y divertido.

Para acabar, una curiosidad. ¿Por qué te defines como un escritor de historias y no como músico?

RC. Yo di con la música de rebote, porque al principio éramos cuatro chavales que querían hacer ruido. De hecho, nos reuníamos en un local de ensayo que tenía un amigo. Pero yo lo que siempre he hecho ha sido escribir. Así que nunca me he considerado un buen músico, en cuanto a instrumentos. Por ejemplo, los músicos con los que he grabado, sí que los considero músicos 100% y yo soy más escritor de canciones. Que eso no significa que no produzca o que no sea una persona musical. Pero creo que hay que saber qué lugar ocupa cada uno.


El musical de «El Rey León» en Monóvar

IMG_20160430_174009Es una de las películas de Disney más queridas y el Teatro Lope de Vega (Madrid) se ha convertido en uno de los lugares más reconocidos por la representación del musical de El Rey León, que ha conseguido batir récords tras cinco temporadas.

Monóvar ya puede presumir de tener su propia versión de El Rey León. El pasado fin de semana el musical llegó al Teatro Principal de la localidad, gracias a la dirección de Lourdes Pérez, Elena Picó, Amàlia Cortés y Marina Oncina, y gracias a la participación de su más de 70 actores amateurs, todos monoveros. Una función que en principio tan solo iba a tener dos pases. Sin embargo, debido a que el cartel de «sold out» se colgó en apenas unas horas, hubo que ampliar a una tercera sesión, el viernes, cuando se realizó el preestreno.

Lourdes Pérez y Elena Picó no son nuevas en la organización de musicales, pues este es el segundo, tras el de La Bella y la Bestia. El público salió satisfecho de ambos, aunque personalmente, El Rey León rompió todos mis esquemas.

Muchos de estos pequeños (y no tan pequeños) actores repetían de un musical a otro. Y lo cierto es que algunos, como David Gil (Scar), han conseguido mejorar su papel de La Bella y la Bestia. Para mí, el mejor del musical, por su intepretación y por su voz. Hugo Galeote como el pequeño Simba, Gema Gómez como Nala pequeña y Marta Poveda como Zazú también hicieron una gran interpretación. De hecho, esta última consiguió darle un toque muy personal a su personaje. En cuanto al trabajo de Hugo, este se ha visto recompensado por su selección para la Escuela del Musical del Rey León de Madrid. Sin duda, un enorme mérito el de los cuatro, teniendo en cuenta que eran los más pequeños, con un papel protagonista dentro de la obra.

IMG_20160430_191911El musical ya comenzó erizándome la piel, con la voz de Ana Pérez (Rafiki), interpretando «El ciclo de la vida» (y es que para quienes ya la habíamos escuchado cantar, sabíamos que apuntaba maneras y que posee talento con ese torrente de voz que tiene). Por su parte, Lourdes Pérez y Miriam Capdevila, las hienas Chansie y Banzai respectivamente, también se salieron actuando y cantando. He de decir que ese toque rockero en la canción de «Comer» fue un puntazo.

Aunque para puntazos, el guiño que se hizo al pueblo monovero, cuando Timón (Mónica Gil) y Pumba (Lourdes Samper) salieron a escena con dos de las cabezas de los «Nanos i Gegants».

En este sentido, gran admiración por la valentía de los más mayores a la hora de actuar en El Rey León. Del mismo modo que Mónica Gil y Lourdes Samper, destacar la participación de Rosa Bernabéu (Sarabi) y del resto de manada de leonas: Reme Verdú, Encarni Álvarez, Consuelo Gómez, Raquel Verdú, Noelia Cucarella y Lourdes Palomares.

Especial mención al trabajo de los otros tres protagonistas de la obra. Raúl Gil, en su línea como Simba adulto; un Santi Alberola genial como Mufasa, que se ha superado, en comparación a su anterior papel como Bestia; y una grata sorpresa la de la voz de Cristina Pastor (Nala adulta).

Del mismo modo, mi admiración a la banda de música La Artística, cuyo papel siempre es importante, ya que se encargó de poner la música en directo de la adaptación de la obra.

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