Jennifer Gómez presenta en Madrid su poemario, «Vértigo»

CartelVertigoEn agosto de 2015, veía la luz «Vértigo», el primer poemario de Jennifer Gómez. Unos meses después, llega a la madrileña Librería Gaztambide. El viernes 29 de abril, a las 19.00 horas, amantes de la poesía que viváis en Madrid: tenéis una cita, en la calle Meléndez Valdés, 52 (Argüelles). La autora presentará su libro y recitará algunos de sus poemas, en un ambiente lleno de música. Y que por supuesto, culminará con la venta y firma de ejemplares.

«Vértigo» nace de la necesidad de gritar sin hacer ruido, de la propia experiencia, de la cara B del amor y el desamor. «Vértigo» nació tras solo 20 días de que se iniciara la campaña de crowdfunding. Más de cincuenta mecenas apostaron por el proyecto, por el sueño de esta periodista albaceteña de tan solo 22 años y que cabalga «a medio camino entre la comunicación audiovisual y la lietaratura».

Alrededor de siete años han pasado desde que Jennifer comenzara a escribir. La poesía llegó después, eso sí. Por no hablar de la aventura de publicar un libro con los poemas que había escrito a lo largo de todos estos años. Aunque más que aventura, podría decirse que fue una locura: «Yo siempre he sido muy reservada. Hay mucha gente que sabía que escribía poesía, pero nadie, a excepción de una amiga, me ha leído nunca. Y una noche de insomnio, me puse a transcribir todo lo que tenía y empecé a buscar editoriales», explicaba hace unos meses Jennifer Gómez.

Este siguiente escalón está también casi superado. ¿Cuál será el siguiente paso? No se sabe, forma parte de los tantos misterios de la vida. Aunque por el momento, quedémonos con la presentación y con esa sensación de «vértigo», tan real como innegable.

La RAE define al «vértigo»
como:
sensación de inseguridad y miedo a precipitarse desde una altura
o a que pueda precipitarse otra persona.

Dime cómo les explico
a todos esos académicos
que el verdadero vértigo
es el que siento yo al verte;

y que la única inseguridad que existe
es la de no saber
cómo decirte que te quiero.

[…]
Y por favor que no hablen de precipicios
si no saben lo que es correr
para no llegar nunca tarde
y que, sin embargo,
todavía no te haya alcanzado a tiempo.
[…]


El Fer Rivero más versátil en su videoclip, «My world is yours»

Fer_Rivero_1Afincado en China desde hace un par de años, el artista español Fer Rivero ha conseguido arrasar en el país con sus espectáculos, en los que mezcla música, baile y acrobacias. Con tan solo 23 años y con el deseo de ser profeta en su tierra, ha conseguido un enorme éxito en las principales plataformas de internet. Ahora, presenta en Vevo su último videoclip, My world is yours, preámbulo del que será su primer álbum.

Pregunta. ¿Cómo empieza Fer Rivero en el mundo de la música y de la actuación?

Fer Rivero. Desde pequeño siempre he tenido mucho interés por el escenario, jugaba con mis amigos a que era un artista circense y coreografiaba las fiestas de fin de curso en el colegio, pero no vi mi talento real hasta que empecé a destacar como gimnasta ganando competiciones con altas notas en la rama artística y posteriormente como bailarín y coreógrafo, donde comencé a estudiar canto como un extra. Desgraciadamente nunca era suficiente para mí y no veía que mi voz mejorara, por lo que me centré más en el área danza. Un día mis alumnos me escucharon cantar y me recomendaron que siguiera y me grabara, reanimando así el fuego que la música despierta en mí. Fue así como creé junto a uno de mis mejores amigos mi primera canción, y esta tuvo mucho más éxito y repercusión que cualquier coreografía creada hasta la fecha.

 P. ¿Cuánto tiempo llevas viviendo en Hong Kong?, ¿cómo está el panorama musical en China?

FR. Llevo casi dos años viviendo entre Hong Kong y Guangzhou, China. Definitivamente la música en Asia es distinta, sobre todo en China, aunque sí escuchan música internacional (en gran parte americana). Es muy complicado que te acojan como un artista en Asia si no cantas en alguno de los idiomas chinos o no representas algunos de sus valores en tu música.

 P. ¿Ha cambiado dicho panorama desde que vives allí?

FR. Sin duda ha mejorado, creo que el panorama en sí no ha cambiado, pero mi punto de vista y cómo promoverlo hacia el público asiático sí, hablar su idioma y su cultura, contar con la comunidad extranjera y que mis canciones sean en inglés ha ayudado mucho. Ha sido como escribir un libro. Al principio nadie sabía qué esperar, ojeas pero no sabes si seguir, tras varios capítulos ojeando, ya te has enganchado y has empatizado con el protagonista. Abrirme personalmente hacia el público asiático y que vean mi lucha y constancia por conseguir mis sueños es sin duda lo que les hace querer escuchar mi música y apreciarla de una manera que nunca había pasado al principio.

Fer_Rivero_4P. ¿Qué te ha aportado personal y musicalmente tu estancia en China?

FR. Personalmente, muchas lecciones de vida. Pasarlo tan mal en los comienzos y empezar una vida nueva desde cero fue un reto durísimo, pero contar con dos grandes ciudades como Guangzhou y Hong Kong con tantísimo apoyo y trabajo, es sin duda una clave para mi futuro. Musicalmente me ha dado todo, tiempo para estudiar, dinero para invertir, puntos de vista distintos, personas de todo el planeta con influencias de distintas culturas, historias que contar, sonidos e imágenes que quiero plasmar en mi música y sobre todo «pasión».

P. ¿Qué supuso para ti participar en los programas So you think you can dance o la versión española Fama a Bailar!?

FR. So you think you can dance fue un golpe de humildad en mi vida, una lección sobre cómo la honestidad y el amor por la danza pueden hacer muchos más amigos que el ego y el conocido «amiguismo». Ser seleccionado de entre más de 10.000 personas para mostrar tu talento y ser tratado con tanto respeto seas profesional o novato, me hizo ver que sí merece la pena todo el esfuerzo.

Fama a Bailar me dio la fuerza sobre el escenario, la seguridad y la confianza en mí mismo; sí he de admitir que me faltaban muchos factores representados en el programa británico pero el que fuera distinto me hizo sacar el «alma» que llevo dentro.

P. Tu música oscila entre el pop, R&B, jazz y rap. ¿Por qué mezclar estilos tan diferentes?, ¿qué los hace especiales?

FR. Creo que en la mezcla está la innovación, mezclar puede salir muy bien o muy mal, pero en el caso de que salga bien, puedes encontrarte a ti mismo. Soy un tipo de persona que no puedo escoger una sola cosa, así que ¿porqué no tenerlo todo en la cantidad exacta? Creo que ese toque de versatilidad y riesgo hace de mis canciones un estilo más variado y una nueva opción musical a tener en cuenta.

Fer_Rivero_collageP. ¿Y por qué, además, mezclar en los videoclips, tus propios temas con las acrobacias?

FR. La acrobacia ha sido una parte única en mi vida, no solo para bien, también he vivido etapas muy oscuras como gimnasta, pero sobre todo he aprendido a ser responsable y a trabajar duro, ser aún capaz de que mi cuerpo se mantenga en forma y de realizar acrobacia tanto en aire como en suelo me mantiene metafóricamente hablando «con los pies en tierra».

P. ¿Cómo ha sido la experiencia de grabar el vídeo de tu canción, My world is yours?, ¿cómo fue ese proceso de grabación?

FR. He de admitir que me sentí cómodo, normalmente me complico mucho para grabar un videoclip, esta vez quería centrarme en la canción, creo que la canté en directo más de 30 veces durante el rodaje, fui yo mismo y amé la canción cada vez que grabábamos. Por primera vez sí siento que transmito de manera real la canción mediante el vídeo, da igual el sitio, da igual la ropa, da igual el color, soy simplemente «yo» ofreciendo mi mundo a quien esté dispuesto a abrazarlo.

P. ¿Puedes avanzar algo de tu primer LP, más allá de este tema?

FR. Claro, el álbum tiene estilos distintos, no quiero que las canciones suenen iguales, quizás algunas te hacen bailar y otras te hacen pensar, el conjunto sin duda va a ser el 100% de lo que siento. Canciones como How Clever Is Your Brain van a rondar el estilo de My World Is Yours, mientras que otras canciones como In Love With You serán más comerciales y bailables. Por supuesto he añadido también algunas canciones como Sense to my Life donde expreso lo más profundo de mí con un piano y una base, espero que el público sienta esas canciones como yo lo hago.

Fer_Rivero_2P. Vendes tus temas en plataformas musicales y posteriormente, la recaudación la destinas a proyectos solidarios. ¿Es importante que los artistas muestren también su potencial humano?

FR. Para mí es muy importante ver más allá de la imagen comercial del artista, creo que un artista representa mucho más que su música o una marca y si realmente quieren ayudar a otros en proyectos solidarios, van a tener mi respeto y admiración. Siempre he querido mejorar la sociedad y aunque suene utópico, creo que con la música y la caridad puedo comenzar un movimiento más grande.

P. ¿Hace falta más humanismo en el mundo del arte en general, y en el de la música, en particular?

FR. Sí, creo que el dinero recolectado en el mundo del arte está mal distribuido en parte por culpa de los artistas, llega un momento en el que muchos se centran más en vender su producto que en ser ellos mismos y si consiguen ganar dinero con ello, suele ser para lujo y gastos innecesarios, destinar una mínima parte de ese dinero que se gana a crear algo mayor para otras personas a ellos no les ocupa nada y les puede llenar mucho más que cualquier gasto material. En la música es fácil perder nuestra propia esencia, querer llegar a ser ese producto que otros quieren, olvidar de donde venimos y el objetivo principal que queríamos conseguir. Temo que algún día deje de ser como soy ahora por culpa del éxito.

P. ¿Han sido la gimnasia y la música tus vías de superación personal, ante las dificultades que has ido teniendo a lo largo de tu vida?

FR. Sin duda al 100%. La gimnasia, la música y la danza han sido entrenamientos intensivos para mí, física y mentalmente. Cada vez que surge un problema, he sabido superarlo y ver más allá. Los obstáculos van a aparecer siempre, somos nosotros los que decidimos cuánto sufrir por ello. Gracias a las ‘’piedras’’ que he ido apartando del camino durante mi formación, ahora siento que soy capaz de conseguir todo lo que me proponga, da igual si es complicado o la pérdida que requiera, siempre me recuperaré más fuerte que cuando comencé.


Uri Bonet: «El poeta Halley es un reconocimiento a nuestra inspiración»

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Un año y medio han tenido que esperar los fans de Love of lesbian, para ver cómo su banda publicaba disco nuevo. Y como si se tratara de algo especial, tan especial como el Cometa Halley, llegó en marzo «El Poeta Halley». Con los adelantos de los temas, dejaron a todos sus seguidores con la miel en los labios. Miel que permaneció en la media hora de concierto de los catalanes en La Radio Encendida. Una espera que será recompensada mañana jueves 21 de abril, el viernes 22 y el sábado 23. Tres citas distintas, de las que el público madrileño podrá disfrutar en La Riviera. Aunque el cartel de «sold out» lleve colgado bastantes meses. Mientras tanto, se pueden disfrutar de las palabras de Uri Bonet, batería de Love of lesbian.

Pregunta. Tras «Espejos y espejismos», anunciasteis un año sabático, en el habéis publicado «Nouvelle cuisine caníbal», hecho «Efímera» y grabado «El Poeta Halley». No os habéis tomado muy a rajatabla ese descanso, ¿no?

Uri Bonet. A mí me gusta decir que ha sido un año soviético, porque sí que nos hemos alejado de los escenarios, pero no hemos dejado ni de trabajar. Ha sido un año muy intenso en el local de ensayo preparando el disco nuevo. «El poeta Halley» ha sido el álbum que hemos preparado con más calma y al que más tiempo le hemos dedicado, porque creemos que se lo merecía. Y además, como bien dices, también hicimos «Efímera», nos fuimos de conciertillos a Chile, a Argentina y a Colombia. Pero bueno, realmente ha sido un año de trabajo interno y la prueba está en el disco. A todo esto, de hecho, acabamos el último concierto el 28 de diciembre en Zaragoza, con «Espejos y espejismos», y nos pusimos a trabajar con «El Poeta Halley», el 10 u 11 de febrero. Así que solo estuvimos un mes y poquito de vacaciones.

Love of lesbianP. ¿Por qué «El Poeta Halley»?

UB. Esta respuesta es larga, porque no tiene un solo motivo. Reflexionamos y nos dimos cuenta de que hemos saboreado un cierto éxito. Hicimos «1999», que era un álbum muy conceptual y fue el disco que nos lanzó al reconocimiento de la crítica y de los fans. «La noche eterna. Los días no vividos» fue la resaca del trabajo anterior y de esa gira. Entonces, llegados a este punto, nos preguntamos: ¿por qué queremos continuar haciendo música?, ¿por qué queremos seguir sacando discos?, ¿por qué firmamos con Warner? Y te das cuenta de que quizás no es por seguir teniendo éxito, ni por seguir llenando salas. Queríamos que la causa fuera transmitir esa magia que se genera en la creación de las canciones, esa videncia de la banda en el proceso creativo. Y eso, que quizás en discos anteriores había pasado más desapercibido, en este disco cobraba más importancia. «El poeta Halley» es un reconocimiento a nuestro trabajo, a nuestra inspiración, a buscar la palabra justa para acabar ese verso, a encontrar la nota que te ayude a terminar ese estribillo. Hacer canciones por encima de llenar las salas. Y es aquí donde entra la poesía, la lírica, el expresar de la manera más romántica posible una metáfora. Así que, «El poeta Halley» viene, por un lado, por querer dignificar nuestro trabajo como cuenta-cuentos. Y aquí entra el trabajo de una persona, llamada Santi Balmes, que tiene un don para escribir. Él escribe historias y luego, de ahí, hace canciones. Por otro lado, el disco se llama «El poeta Halley», para hacer ese juego de palabras con el Cometa Halley, porque al final, la inspiración no siempre la tienes: tienes que trabajar mucho para conseguirla. Es como el cometa, que pasa cada 70 años, pero claro, para verlo tienes que estar mirando al cielo.

Santi BalmesP. De hecho, la siguiente pregunta era que si igual que el Cometa Halley, «El Poeta Halley» pretendía ser algo único, mágico e irrepetible, que tan solo pasa una vez en la vida.

UB. Quizás, como consecuencia, lo puede llegar a ser. Pero sí que es un disco que abre una etapa nueva para la banda, igual que «La noche eterna. Los días no vividos» cerraba un ciclo. Hemos firmado con Warner, tenemos tres discos por delante que hacer con ellos, cerramos esa etapa de saborear cierto éxito, nos hemos propuesto el ser mucho más sinceros con nosotros mismos. Todo esto se refleja en «El poeta Halley». Las canciones, además, son muy largas. A mí me gusta decir que hemos abandonado la zona de confort.

P. Os la habéis jugado un poco con el minutaje, ¿no?

UB. Así es. Podríamos haber hecho temas pop de cuatro minutos, que entran fácil, con su estribillo y sus estrofas, que van sobre seguro, las radios contentas porque tienen un tema perfecto para pinchar…Pero dijimos que no. Si el álbum se llama «El poeta Halley», lo que no podemos es recortar canciones y recortar la lírica. Nos negábamos a no contar la historia como queremos contarla. En eso sí que es un disco único. O al menos para nosotros lo es. Teníamos ciertas dudas con temas de diez minutos, como «Psiconautas», que dura 9.50. Y «Los males pasajeros» dura más de seis minutos. De hecho, la demo de este tema tenía un minutaje de poco más de dos minutos, pero cuando fuimos a grabar el disco, Santi nos vino con seis páginas de letra. Y duplicamos la canción, porque reducir era imposible, explicar la historia era primordial. Por estas cosas, hemos tardado tanto en hacer el disco. Teníamos cierto miedo por la reacción de la gente. Pero en medio de esa discusión, salió el disco de David Bowie, con Blackstar que tiene diez minutos. Entonces lo vimos claro. Si él podía, nosotros también podemos. Hemos abierto una puerta a hacer algo nuevo, que a la gente está gustando por el momento.

LOLP. ¿Qué ha supuesto para vosotros trabajar con Warner Music?

UB. Warner llevaba mucho tiempo detrás de nosotros, intentando ficharnos, pero nosotros no veíamos el momento de hacerlo, porque estábamos bien. De hecho, seguimos estando bien. Siempre entran las etiquetas de que si somos independientes, pero a nosotros eso nos da igual. Siempre hemos controlado mucho nuestra carrera, nuestro negocio, nos gusta estar encima. Sí que es verdad que teníamos cierto miedo de que al entrar en Warner todo eso se perdiera. Pero de todos modos, era el momento de hacerlo, porque hemos cambiado nuestra mentalidad. Pensamos: «¿Qué mal hay en que trabajemos con Warner? Si ya nos está distribuyendo y hablamos mucho con ellos». Lo que más nos gusta de todo esto, es que hemos fichado con personas. La relación con ellos es muy buena y se pasan el día currando como locos. Además, nos aseguraron que nada cambiaría, que seguiríamos haciendo lo mismo que hasta el momento, pero de una manera más organizada, y eso nos encantó. Otro punto en favor de Warner es la presencia y asentamiento que tienen en Latinoamérica, y la apuesta que queremos tener nosotros allí. Así que ha supuesto un paso adelante, una reafirmación en el mercado nacional y una puesta en el latinoamericano.

P. Entonces, la independencia con la que siempre se os ha caracterizado, por ser la banda «indie» por excelencia, no se ha visto afectada, ¿no?

UB. No, no, en absoluto. Yo siempre he llevado las cuentas de la banda, llevo la parte logística, Jordi se encarga de las estructuras del directo, nos seguimos manejando las redes sociales nosotros. Cada uno de los pasos que se dan, están consensuados con la banda. De hecho, somos nosotros los que planteamos nuevas ideas, decidimos quiénes nos hacen los videoclips, cuál es el primer tema que sale en el avance del disco, cómo va a ser el álbum…Warner, lo que hace es gestionarlo. Además de llevar la parte de promoción, por supuesto. Y la parte de contratación, que nos la lleva el manager. De todo lo demás, nos encargamos nosotros, o al menos siempre hay alguien de la banda detrás. En este sentido, es una suerte que seamos cinco en el grupo.

P. «1999» es el disco con el que mucha gente os descubrió. En el momento de publicar «El poeta Halley», ¿temíais que la gente los comparara?

UB. Siempre, cuando sale un disco nuevo, tomas como referencia el anterior. Y te planteas si será mejor o peor. Sí que esperábamos que la gente comparara, porque de per se, ya lo hace. También tiene mucho que ver el disco con el que has descubierto a la banda. Mucha gente nos viene diciendo: «Es que 1999 es el disco», porque gracias a él empezaron a escucharnos. Luego, hay personas que nos dicen que «La noche eterna» es increíble. ¿Por qué? Porque nos conociste con ese álbum. Es increíble ahora con el tema de la promoción, porque hay quien viene con «El poeta Halley» diciendo que es brutal, porque nos ha descubierto con este trabajo. Con esto, te vas dando cuenta de que hay diferentes generaciones que te van descubriendo en diferentes momentos. Desde mi punto de vista, creo que «El poeta Halley» es el disco más sincero de la banda, es el más lesbiano de todos, el que más se acerca a la esencia lesbiana de «Maniobras de escapismo». De hecho, creo que ha habido como un cierre de ciclo entre ambos álbumes, que están más relacionados de lo que parece. De hecho, en la canción «Contraespionaje», hay una alusión a «Maniobras de escapismo».

IMG_6182P. Lo que parece no cambiar es el estilo, con el que vais jugando en los discos, mezclando canciones más serias con otras más «locas», como «El Yin y el Yen» o «Algunas plantas».

Nosotros siempre hemos tenido un as en la manga en el momento de hacer el disco. Nos hemos sentido a gusto haciendo canciones melancólicas o con canciones de amor hirientes. Y siempre habíamos dicho: «Vamos a ofrecer un contrapunto», como «Marlene», «Me amo», «Si tú me dices Ben», «Algunas plantas» o «Pizzigatos». Pero claro, nos dimos cuenta después de «Espejos y espejismos», que llegó tras «El poder de la tijera», de que no nos hacía falta el contrapunto canalla. Y nos planteamos el hecho de que el siguiente disco fuera más serio, por llamarlo de alguna manera. En este caso, creo que «El Yin y el Yen», no es un tema tan canalla como «Si tú me dices Ben» o «Algunas plantas», porque la temática es mucho más duro. Tiene una carga de ira y de rabia que no tienen las otras. Aunque quizás, a nivel compositivo sí que sea la canción más canalla. Pero creo que el disco se mantiene en esa zona más melancólica. Por eso te comentaba que «El poeta Halley» abre puertas. Aunque quién sabe: quizás el siguiente álbum sea más bizarro.

P. ¿Por qué abrir el disco con «Planeador»?

UB. Porque nos apetecía empezar contando una historia. Es el tema que te pone en situación de lo que vas a escuchar en el álbum. Por eso también se cierra con «El poeta Halley» y con un epílogo de Serrat, que es un gran «poeta Halley». Entonces eran como la cabeza y la cola idóneas, para después en medio explicar la historia. Aunque no es un disco conceptual, al menos no tanto como «1999», sí que aparece el «poeta Halley» en cuatro o cinco canciones. Sí que es cierto que la primera idea fue abrir con «Océanos de sed», pero después de darle vueltas, cambiamos de idea. Después de cuatro años sin publicar nada, teníamos que empezar explicando una historia en el primer tema.

IMG_6179P. En Mondo Sonoro, decíais que «Bajo el volcán», «Los males pasajeros» y «Océanos de sed», son los tres temas en los que más se aprecia la esencia de Love of lesbian. ¿Por qué?

UB. Quizás no con más esencia. En todos los discos, siempre hay temas que cierran cosas y otras que abren. Para mí, «Bajo el volcán» es una canción que se relaciona con los Love of lesbian de discos anteriores y «Océanos de sed» abre puertas para siguientes discos. Creo que es inevitable la relación entre canciones. «Bajo el volcán» quizás tenga mucho que ver con «Mi primera combustión» y «La niña imantada». «En busca del mago», por ejemplo, con «Universos infinitos» tienen ese punto de relación. En este disco, considero que todo empezó a coger forma con «Psiconautas». Al hacer este tema, nos dimos cuenta de que teníamos el pilar para construir el disco. Quizás sea la canción que más identifique el concepto de «El cometa Halley». Pero entendimos que «Bajo el volcán» era el mejor tema para ser el primer adelanto, para que la gente entendiera lo que iba a pasar, pero sin romper completamente lo que habíamos hecho hasta ahora. Sí que es cierto que tiene esa esencia «lesbiana», en el sentido de que, por ejemplo, no se repiten los estribillos.

P. Para acabar, ¿hay alguna sorpresa para los tres conciertos de Madrid?

UB. No, por una razón. No porque no nos guste. Nos encanta hacer colaboraciones. Lo que pasa es que ahora son los primeros conciertos de la gira en España, nos apetece defenderlos solos y queremos que «El poeta Halley» tenga mucha importancia en estos conciertos. De hecho, la idea es tocar nueve temas del disco nuevo, cosa que no es normal en los lanzamientos. Aunque sí que nos acompañará, en el inicio de gira, Ricky Falkner. Aunque tampoco es una sorpresa. Ya estuvo con nosotros en la anterior gira y nos gustó mucho, porque aporta una musicalidad: canta, toca la guitarra, los sintetizadores, los pianos…es increíble. Si dentro de veinte años hacen un documental de la movida de los 90 hasta la actualidad, él tiene que aparecer el 50% del documental. Así que es un honor que esté con nosotros hasta octubre.


Romeo: «Nos alejamos de la música, porque teníamos que recuperar la ilusión»

Romeo1La banda murciana Romeo cumple diez año en el mundo de la música, y regresa a ella de la mejor manera posible: con un nuevo disco, «2.0». Unos nuevos aires marcados por las incorporaciones de Víctor Hernández (guitarra) y Manuel Pariente (batería). De esta manera, y junto a José Cabrera y Alberto H, Romeo vuelve para quedarse, y con un estilo distinto al que nos tenían acostumbrados. Así lo han demostrado en el primer  videoclip del nuevo álbum, «Promesas».

Pregunta. ¿Cómo nace Romeo?, ¿por qué ese nombre?

José Cabrera. Romeo nace tras la oportunidad de cambiar nuestra Murcia natal por Madrid en un intento por poder dedicarnos de una forma más intensa a lo que nos apasionaba. Vinimos a la capital, buscamos músicos para completar la banda y, junto a nuestro productor en aquel momento, Jorge Escobedo, pusimos en marcha el proyecto.

El nombre viene porque quisimos un concepto que simbolizara en parte el romanticismo de la música que practicamos, la tragedia, la rebeldía, una serie de conceptos que creemos que se reflejaban muy bien en Romeo, y además es fácil de recordar…

P. Tras diez años en el mundo de la música, ¿cómo ha cambiado este panorama desde que empezasteis hasta ahora?

JC. Sobre todo, creo que el cambio ha venido en la difusión de la música. La casi desaparición de las ventas físicas de discos, las plataformas virtuales, las redes sociales, ahora resurge el vinilo… son tantas las cosas que van variando que lo único que podemos hacer es intentar adaptarnos lo mejor que podemos a todos esos cambios.

P. ¿Podríais hacer un balance de vuestra carrera a lo largo de esta década?

JC. La música nos ha dado y nos ha quitado mucho. Romeo empezamos muy fuerte, con mucho apoyo, con una compañía volcada detrás y con todas las ganas del mundo. Al principio todo parecía ir sobre ruedas, luego vino la crisis, nuestra compañía cerró, nos quedamos un poco en tierra de nadie y bueno, intentamos seguir adelante. Ahora, después de ver las cosas con calma, creemos que el balance siempre es positivo, hemos vivido momentos muy emocionantes con esto y otros no tan buenos que nos han servido para crecer y tener claro lo que queremos y lo que no queremos.

P. ¿De qué manera ha evolucionado el sonido de Romeo en estos años y a través de los cuatro discos que habéis realizado?

JC. En el primer disco, formado por canciones hechas durante varios años anteriores a Romeo, el sonido de la banda estaba bastante definido, melodía y sonido potente. Con Nada Importa evolucionamos hacia un metal mucho más contundente y agresivo, aunque sin perder las connotaciones melódicas de la banda. Cara o Cruz fue una especie de evolución de Nada Importa, incorporando riffs más actuales y con un sonido muy potente también, aunque quizás sea el disco menos personal del grupo, pecamos de estandarizar ciertas cosas que podían haber quedado mejor.

Con 2.0 hemos recuperado las canciones. El sonido ha sido una consecuencia y no una causa. Hemos querido volver a hacer temas que nos emocionaran completamente, sin pensar en etiquetas ni en prejuicios. Con esos ingredientes y un productor como Paco Román, estamos muy orgullosos y contentos de cómo ha quedado el resultado.

Romeo2P. Después de un lapso de tiempo alejados de la escena, ¿cómo ha sido regresar a ella, con la publicación de este nuevo álbum?

JC. He de decir que ha sido una apuesta. Hemos estado tiempo parados porque no nos gustaban cómo iban las cosas, necesitábamos recuperar la ilusión y las ganas de hacer música y que fuera creíble. Una vez recuperado eso y con un grupo fuertemente unido, el volver a ponernos en marcha ha sido una consecuencia natural.

P. ¿Qué significa para vosotros este último disco «2.0»?

JC. Es una reinvención de nosotros mismos, es como una catarsis, una redefinición del concepto que teníamos de Romeo, un renacimiento.

P. ¿Por qué elegisteis ese nombre?

JC. Queríamos expresar sin tapujos lo que este disco significa para nosotros a nivel emocional, a nivel personal como banda. Proclamar que, aunque seguimos siendo nosotros, también somos algo nuevo.

P. ¿Cómo fue grabar el disco en la Sala de Máquinas de Murcia y producir este trabajo junto a Paco Román?

JC. Hemos trabajado en varias ocasiones con Manuel Torroglosa, de la Sala de Máquinas y nos une una gran relación musical y personal. Nos entendemos muy bien en todos los sentidos y nos sentimos como en casa en su estudio.

Paco es un buen amigo desde hace muchos años, llevábamos algunos desconectados, pero al proponerle que nos produjera el disco fue como si no hubiese pasado el tiempo y se volcó con el proyecto. Para él también era un reto, pero lo afrontó con mucha ilusión y creo que eso ha sido determinante para el resultado final. El gran equipo técnico y humano que hemos juntado ha hecho mucho más fácil las cosas.

P. ¿Cuáles han sido vuestras principales fuentes de inspiración a la hora de crear los temas de «2.0»?

JC. Bueno, es una pregunta complicada, ya que no sé de dónde sale la inspiración, nunca lo he tenido muy claro. Supongo que en determinados estados anímicos somos más propensos a crear que en otros. En mi caso, nunca paro de hacer canciones, van naciendo sin más hasta que las agrupas en un conjunto pero, por definirlo de alguna manera, todo parte de una forma personal de ver y experimentar el mundo y las relaciones que tenemos con él, contándolo y compartiéndolo de forma que más personas se puedan sentir identificadas con ello.

P. ¿Cómo fue este proceso de creación?

JC. En 2.0 hemos tenido el proceso creativo más fácil y cómodo que hayamos tenido jamás. Partimos de las bases de canciones que alguien trae al local y entre todos damos forma definitiva a la canción. Con este disco todo ese proceso grupal de dar forma a la idea inicial ha sido muy fluido y natural, seguramente el disco que más hemos disfrutado componiendo.

P. ¿Emocionados por presentar vuestro último trabajo en los escenarios españoles?

JC. Siempre es emocionante presentarte ante el público y mostrar tu trabajo, es una pieza indispensable para nosotros. Nos encantan los directos y tenemos muchísimas ganas de empezar, de ver cómo reacciona el público con las nuevas canciones, de ver cómo suenan los temas de los discos anteriores con este nuevo sonido, y sobre todo de disfrutar sobre el escenario de lo que nos apasiona, que es hacer música.

P. Con este disco, realizareis gira por México. ¿Cómo os sentís al girar por primera vez en este país?

JC. Pues nos sentimos agradecidos de poder vivir una experiencia semejante. No es algo fácil el poder salir de tu país a compartir tu música, así que vamos a intentar disfrutar de la experiencia en todos los sentidos. Tenemos mucho cariño al público mexicano, que desde la distancia nos ha transmitido siempre mucho calor y aprecio. Queremos devolverles toda esa energía con unas buenas actuaciones.


The Walden Year aterriza en Madrid

TheGoodCompany

La naturaleza como único camino hacia la libertad del ser humano. Una afirmación que se conforma como el eje central de Walden, libro de David Thoreau. Del mismo modo, se conforma como el eje del último disco de The Good Company. Bajo el título The Walden Yearlos grancanarios han publicado, gracias a una campaña de crowdfunding, el que es su tercer álbum. Trabajo que anoche llegó hasta Madrid. La Sala Moby Dick recibió a un caluroso público, que igual que los siete componentes de la banda, lo dieron todo en el concierto.

Pregunta. ¿Cómo nace The Good Company?

Víctor Ordóñez. La banda nace en el año 2007-2008 en Barcelona, porque en ese momento yo estaba viviendo allí. Estábamos buscando una cantante femenina y para ello, pusimos un anuncio y al poco, se presentó una chica en mi casa, que iba acompañada por un amigo. Pero al final, congenié más con el chico. Ese fue el punto de inflexión, el momento en el que surgió The Good Company. Al año siguiente ya publicamos el primer disco, 28.

Tras tres discos publicados, ¿cómo habéis evolucionado desde 28 hasta The Walden Year?

Víctor. Ahora es cuando estamos sintiendo que estamos haciendo música que nos satisface personalmente. Escucharnos nos hace sentir contentos. Creo que todos los grupos tienen como una lucha al principio. En los primeros discos siempre se busca el lugar, el sonido. Al menos, creo que nosotros sí que tuvimos esa lucha. La evolución nos ha servido para aprender. Este tercer disco me sabe muy a primer álbum, porque para mí es como si hubiéramos empezado de nuevo.

IMG_20160414_224859¿Cómo ha cambiado el panorama musical desde que empezasteis hasta ahora?

Víctor. La verdad es que ha cambiado bastante. Lo que sí que he notado, además de que cada vez hay más ruido ahí fuera en lo que respecta a nuevas bandas, es que la música, la industria y la distribución son muy de igual a igual. Que está muy bien, pero también es cierto que se ha perdido un poco la magia y la admiración que antes se tenía por los artistas. Ahora hay «playlists» para todo: para relajarse, para ducharse…y ahí sí que noto que la música ha perdido algo de valor. Un panorama distinto es al que nos enfrentamos grupos como nosotros, que luchamos día a día.

¿Qué supone para vosotros como grupo ser una referencia de la música en vuestra tierra, Canarias?

Víctor. Creo que en Canarias hay un par de grupos que han conseguido traspasar las fronteras de las islas. Sí que sentimos que allí hay como un estatus de respeto por el grupo, por la recepción y por la respuesta cuando hacemos conciertos en nuestra tierra. Pero claro, nosotros cuando tenemos algo, queremos otra cosa. Y ahora estamos luchando por conseguir reconocimiento en otros lugares. Que sí que nos sentimos queridos en Canarias, y por supuesto, no renegamos de ella.

¿Podríais explicar el concepto que representa vuestro tercer álbum, Walden Year?

Víctor. Este tercer disco está basado en el libro de Walden, de Thoreau. Lo que hemos hecho ha sido recopilar los textos de las experiencias del autor, durante el año que estuvo viviendo en el lago. Nuestra idea era más bien ponerle banda sonora a todas estas vivencias, que son muy palpables. Y es que Thoreau tenía una forma de escribir muy física: explica muy bien su trato con la naturaleza, cómo la modernidad de aquella época había cambiado todo…Entonces nos pareció que todo aquello era tan atemporal, que podíamos darle otro punto.

Leonardo Segovia. Nos dio por probar cosas nuevas. Además, la temática del álbum, hace que la música sea muy orgánica, porque si no es muy difícil que funcione.

IMG_20160414_224614Entonces, ¿cómo lo definiríais en pocas palabras?

Víctor. Es un disco como de naturaleza en movimiento. Es un disco vivo, de entorno.

Leonardo. Es una síntesis del libro. Es la mezcla, la simbiosis entre la música y el libro de Thoreau.

¿Qué supuso para vosotros conseguir la financiación necesaria para publicar Walden Year, en tan solo cuarenta días?

Víctor. Fue como una nueva vida. Porque cuando terminas un disco, lo has dado todo en una gira o mini-gira, te recuperas y llegas al final de un ciclo. Y cuando quieres volver a empezar, ves que no puedes si no tienes un apoyo detrás. Entonces, nosotros pedimos un poco la confianza de la gente y la verdad es que sin ese apoyo, no podríamos haber sacado este nuevo disco. El hecho de ver que mucha gente se ponía en marcha con una interacción activa, también te activa a ti. De hecho, la campaña empezó a tener muchos eventos que tuvimos que ir inventando sobre la marcha, por la repercusión. No solo es el dinero, también es el sentir que hay personas esperando una reacción por nuestra parte.

¿Repetiríais con el crowdfunding?

Víctor. La verdad es que fue una experiencia muy positiva que no me importaría repetir, porque el crowdfunding me parece un formato muy sano, en el que tú estás ya comprando un disco por adelantado. Lo que tampoco queremos es abusar de la gente. Como el crowdfunding está basado en seguidores, éstos tendrían que ampliarse. Si seguimos con la misma gente, no queremos estar continuamente pidiéndoles.

Leonardo. Es un recurso que no se puede utilizar sin la gente. Pero también es cierto que es una medida que no puede llevarse a cabo si el número de seguidores no crece.


La vuelta de Miss Caffeína se llama «Detroit»

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En 2013 veía la luz el último disco de Miss Caffeína, «De polvo y flores». Tres años en los que les ha dado tiempo a ir y volver de gira. Y sobre todo, descansar. Un merecido descanso que finalizó con la llegada de «Detroit», ese último álbum cuyo título generó tanto furor en las redes, meses antes de su publicación. Furor, altas expectativas y muy buenas críticas. Eso es lo que está causando el tercer trabajo de los madrileños, apenas dos meses después de ver la luz.

Pregunta. ¿Por qué llamar a «Detroit» así?, ¿qué significado tiene este título?

Alberto. Llamamos al disco así, porque además de ser la canción que abre el disco, Detroit nos evocaba mucho nuestro estado de ánimo, tras finalizar la gira anterior. En su momento, fue una ciudad con un enorme apogeo durante la época de la Motown, no solo musicalmente hablando, también estuvo muy desarrollada en el sector del automóvil o de la construcción. Sin embargo, todo esto reventó, la Motown se fue a Los Ángeles y la ciudad se transformó en una ciudad fantasma. Pero ahora, Detroit está volviendo un poco a esa época inicial. Nosotros queríamos hablar de esta situación, principalmente porque era una manera de reflejar nuestro ánimo: acabamos muy cansados de la música, pero hemos parado un año, hemos cogido fuerzas e ideas, y estamos al 100% de nuevo.

Pregunta. ¿Era necesario ese parón entonces?

Alberto. Sí, la verdad es que sí. Era súper necesario.

Pregunta. ¿Qué ha supuesto la llegada de «Detroit», tres años después de «De polvo y flores»?

Alberto. Eso es precisamente lo que queríamos que la gente entendiese. «Detroit» nos ha dado luz y nos ha aportado mucha diversión. Además, el hecho de producirlo y de llevarlo a cabo en directo, han sido todo un reto.

Antonio. «Detroit» ha sido un reto, totalmente. Tanto a nivel personal como a nivel musical. Con este proyecto nos hemos divertido y con él nos seguiremos divirtiendo. Nos ha servido además, para quitarnos muchos miedos de encima y hemos ganado la confianza que necesitábamos. Queríamos demostrar que podíamos hacer esta música perfectamente, y que a lo mejor en el siguiente disco, podemos hacer otra.

Alberto. Que la gente no dé por hecho que tenemos un estilo determinado a la hora de hacer música. Un estilo sí, pero no un modo de producción, que puede ir variando. Nosotros mantendremos nuestra esencia, que entiendo que es nuestra manera de componer, de contar las cosas, el lenguaje…Todo lo demás es la forma que tenemos de vestir las canciones. La idea es seguir siendo los mismos, aunque visualmente cambiemos o evolucionemos.

Pregunta. ¿Consideráis que «Detroit» es vuestro mejor álbum hasta el momento?

Antonio. Sí. Pero yo creo que es algo que pasa con todos los últimos discos, porque son la imagen más reciente, la más bonita, en la que te ves más guapo y más maduro. Pero aun así, es un álbum que nos ha hecho salir de nuestra zona de confort, lo que ha hecho que el trabajo final sea más satisfactorio.

Pregunta. En «Detroit» habéis vuelto a contar con el productor Max Dingel. ¿Cómo ha sido trabajar con él de nuevo?

Alberto. Muy divertido y sobre todo, muy enriquecedor para nosotros. Como personas y como músicos.

Antonio. Yo no sé lo que pasará en un futuro, pero desde luego, estamos llegando a un punto tan bonito y constructivo con nuestro productor, que yo creo que ninguno nos planteamos cambiar y ni siquiera, que haya salido algo mal. Con «De polvo y flores», que fue el primer disco que hicimos con él, nos dedicamos a pasar a limpio los temas. Se podría decir que trabajamos con un Max más ingeniero. En este último trabajo, hemos visto más a Max en su faceta de productor, haciendo y grabando todo desde cero. Nos ha dado mucha confianza a nosotros mismos a la hora de enfrentarnos a las canciones desde el principio. Estamos súper contentos.

Alberto. Además, es un tío muy divertido. Pero a la vez, es tranquilo cuando tiene que serlo. Y te refuerza mucho cuando entras con alguna inseguridad al estudio. Sabe cómo apretar el botón para que sea todo más fácil.

Miss Caffeina

Foto: Jennifer Gómez

Pregunta. En este disco también han colaborado Víctor Cabezuelo, Martí Perarnau, Jorge González y Zahara. ¿Cómo surgen estas participaciones?

Antonio. Han surgido de manera muy natural. Hay veces que te proponen las colaboraciones, pero en este caso no ha sido así. Martí, por ejemplo, es muy amigo de Álvaro, y por eso, al final hicieron los dos juntos «Ácido». Con Jorge nos llevamos todos muy bien, somos muy amigos y además es un percusionista increíble. «Coqui» fue nuestro batería durante parte de la gira pasada. La idea era meterlo en un par de canciones, pero al final hizo las baterías de todo el álbum. Zahara siempre está de alguna manera u otra en todo lo que hacemos. Víctor, creo que ha sido el descubrimiento del año para nostros. Hizo la canción de «Detroit» con Sergio. De hecho, empezaron a trabajar los dos a través de internet. Y cuando llegó al estudio fue increíble, porque Víctor es una persona tan musical, que todo lo que proponía molaba. Así que, casi todos los «sintes» del disco están hechos por él.

Pregunta. ¿Por qué elegisteis «Mira cómo vuelo» como avance de «Detroit»?, ¿qué tiene de especial esta canción?

Alberto. Nosotros no pensamos que fuera a ser el primer single. De hecho, habíamos propuesto «El rescate» o «Ácido», porque nos apetecía mostrar lo más diferente, para ver la reacción de la gente. Sin embargo, y a pesar de saber del potencial de «Mira como vuelo», no llegamos a imaginar que tuviera tan buena acogida como ha tenido finalmente. Así que en este caso, nos dejamos guiar por la compañía y nuestro mánager, que lo tenían clarísimo. Además, ha sido muy bueno empezar con esta canción, porque describe muy bien qué es lo que realmente queremos decir con el disco. Hemos dejado atrás muchas cosas que no nos gustaban y ahora estamos volando hacia otros lugares.

Pregunta. ¿De qué manera habéis evolucionado vosotros desde que empezasteis en el mundo de la música hasta ahora?

Antonio. Lo bueno es que ha sido una evolución muy honesta y natural. Por ejemplo, en el momento en el que hicimos «Príncipes del Rock’n Roll», nos apetecía ese tipo de música. Pero igualmente ahora, la puedes escuchar y pensar que no es muy de nuestro rollo y que parece muy Leyva. Pero a ver, hemos probado, hemos jugado y ahora nos hemos dado cuenta de que estamos dando pasos muy poco a poco, pero no nos está importando por dónde nos llevan. Y creo que eso es lo más bonito y honesto que estamos haciendo.

Alberto. No somos nada nostálgicos, pero sí que es verdad que desde «Magnética», el EP que va antes del primer disco, siempre hemos estado convencidos de que hemos hecho nuestro trabajo lo mejor que hemos sabido y podido. Y que por supuesto, estábamos 100% convencidos de las canciones que teníamos. Nunca hemos sentido que teníamos temas de relleno. Tampoco hemos buscado lo que fuera a funcionar, sino lo que nos gustaba a nosotros.

IMG_20160405_115754Pregunta. Siempre se os ha considerado un grupo «indie». ¿Cómo ha ido cambiando este género musical desde que vosotros comenzarais hasta ahora?

Alberto. Ha cambiado muchísimo. Pero no desde que nosotros empezáramos, sino desde mucho antes. Esta evolución lleva activa desde finales de los 90, cuando yo ya escuchaba este tipo de música. Antes este género era mucho más homogéneo y además, estaba hecho para minorías. Pero al democratizarse toda la música, con la llegada de las redes sociales e internet, es mucho más fácil el acceso, no solo para los usuarios. La industria también ha sabido ver un negocio. Aunque sin duda, a día de hoy, lo que más mueve dinero son los festivales con todos estos grupos «indies».

Antonio. Ojalá que el «indie» pase a ser el nuevo «mainstream». Ojalá la música que más fuerte está entrando ahora y que más dinero está generando, dentro de unos años esté en la tele y en la radio. Y que no sean esos productos que ahora están vendiendo tan poco y tan mal.

Alberto. Bueno, yo soy de los que piensan que se puede convivir. El caso es que la gente sepa que pueden escuchar «esto», pero también pueden escuchar «lo otro».

Pregunta. ¿Miss Caffeína más de festivales o de salas de conciertos?

Antonio. Yo no sabría qué decirte.

Alberto. Para mí, tienen mucho encanto las dos cosas. Obviamente, lo bueno de un festival es que tienes un escenario gigante, en el que todo suena muy bien y un público muy entregado, porque está de fiesta. Pero en la sala, cuando sabes que todo el mundo ha venido a verte a tí y que canta las canciones de «pé a pá», imagínate…No sabría qué escoger. Ahora, incluso a los acústicos les he encontrado el punto.

Pregunta. Para cerrar. Ahora que «Detroit» está en la calle: ¿ha merecido la pena arriesgarse y publicar un álbum con un sonido diferente al que estábamos acostumbrados?

Ambos. Totalmente.

Alberto. Y es que además, «Detroit» está teniendo una repercusión y aceptación enormes. Creo que la gente sí que quiere cosas diferentes. Hay un sector que no, pero la gran mayoría de las personas, creo que sí que valoran que tú hagas un esfuerzo por enseñar cosas nuevas.

Antonio. Yo creo que ha merecido la pena, pero todavía no estamos en el momento guay de este disco. Hay que dejar pasar unos meses, el verano incluso, y ahí es cuando «Detroit» va a empezar a calar en la gente, pero de verdad. Va a ser la hostia.


Second comienza su «Viaje Iniciático»

SECOND1Hace casi 20 años, los murcianos Second iniciaban un viaje dentro del panorama musical. Una época en la que la escena «indie» era bastante diferente a la actual. Todo era mucho más difícil y eran muy pocos los que se movían dentro de este género. Ahora, la música indie se ha transformado en todo un fenómeno de masas. Después de dos décadas, Second empieza de nuevo un viaje con la publicación de su octavo álbum y con una legión de fans detrás de ellos.

Pregunta. ¿Cómo nace «Second»?

Sean Frutos. Jorge y yo teníamos un grupo antes, y cuando este se disolvió formamos Second, basándonos en la multitud de afinidades musicales, ganas de hacer cosas y necesidades de expresión que teníamos.

P. Tras casi veinte años en la escena musical y ocho trabajos publicados, ¿qué balance puedes hacer de la carrera de «Second»?

SF. Desde mi punto de vista está mereciendo la pena. Muy trabajado, muy duro algunas veces, pero la balanza se inclina siempre hacia el lado positivo. Nos quedamos con los muchos buenos momentos que esto nos está dejando.

P. ¿Cómo ha cambiado la música y las letras de la banda a lo largo de estos años?

SF. Si no cambia esto no tiene sentido. La evolución es necesaria, y tampoco sabría decirte cómo ha cambiado, solo que ha sucedido, con más o menos acierto, pero siempre atendiendo a la necesidad de evolucionar.

P. ¿De qué manera ha cambiado la escena independiente desde que empezasteis en el mundo de la música?

SF. Radicalmente. Antes éramos solo unos cuantos los que asistíamos a los conciertos alternativos, y ahora hay un movimiento importante. Como decía antes, el camino ha sido tortuoso y difícil, pero se están consiguiendo cosas. Lo mejor es que la creatividad y el talento no paran, todos los días se descubre algo nuevo. Hay que ir a los conciertos de los grupos emergentes.

P. ¿Qué supone para «Second» pasar de pequeñas discográficas a firmar con una grande, como Warner Music y posteriormente Hook Ediciones Musicales?

SF. Musicalmente no nos ha influido, ya que hemos creado siempre lo que hemos querido. Ahora mismo somos nuestra propia discográfica, como lo fuimos al principio. Al final es cuestión de trabajar con unas personas o con otras.

P. ¿Cómo ha sido sacar adelante vuestro último disco, «Viaje iniciático», mediante «crowdfunding»?

SF. Emocionante, y un inyección de moral, que nos ha hecho dejarnos la piel en cada uno de los procesos de creación, grabación y edición, para ofrecer lo mejor que teníamos a las personas que han confiado en nosotros, y a las que estamos muy agradecidos.

SECOND2P. ¿Cómo fue la experiencia de trabajar en este trabajo, junto al productor Juan Antonio Ross?

SF. Juan es una persona que vive la música como nadie, que insufla optimismo y genialidad en cada sesión de ensayo y grabación. Ha sido imprescindible en este «Viaje iniciático». Teníamos ganas de trabajar con él, y por fin lo hemos hecho en este disco.

P. ¿Qué significa para vosotros este disco, cómo lo definirías en pocas palabras?

SF. Es un viaje a lo desconocido. Caminos por explorar, que intuyes que te llevarán a terrenos mágicos.

P. «Primera vez» fue el primer adelanto de este último trabajo. ¿Por qué escogisteis este tema para empezar a presentar «Viaje iniciático»?

SF. Porque la canción tiene un poco de la melancolía implícita en el disco, pero puede hacerte mover la cabeza o bailar en determinados momentos.

P. Hace nada publicasteis el videoclip de vuestro single, «Nivel inexperto». ¿Qué tiene esta canción para escogerla como single?

SF. Esta es la canción con más calado del disco. Creo que la que mejor aceptación ha tenido, y se merecía ser single. Todo el mundo puede identificarse con ella. Escribí la letra con total sinceridad, y creo que se nota.

P. ¿Cómo fue la experiencia de grabarlo?

SF. Lo grabamos con una productora de gente muy joven y talentosa, AfterliVe, que supo plasmar lo épico de la canción en imágenes. La localización era brutal. Fue un rodaje muy duro, ya que grabamos en febrero y me tenía que mojar y pringar con el fango frío, pero cuando vimos el resultado quedamos muy satisfechos.

P. ¿Qué historia hay detrás de «Nivel inexperto»?

SF. La historia de todos.

P. ¿Cómo te sentiste tú al ser parte protagonista de este videoclip?

SF. Siempre es una responsabilidad, ya que nosotros no somos actores, sino músicos.

P. ¿Por qué escogisteis a la actriz Elena Salazar para que participara el vídeo?

SF. Conocemos a Elena desde hace algún tiempo, así que se lo propusimos, y amablemente aceptó. Era perfecta para el papel, por su imagen y poses enigmáticas y elegantes, que solo una bailarina profesional sabe hacer.

P. En Madrid, arrancáis la gira de presentación de «Viaje iniciático» el 2 de abril. ¿Qué supone para vosotros actuar en La Riviera?

SF. Es un lugar donde hemos visto tocar a muchos grupos que admiramos, y ahora nos vemos ahí subidos. Ya podéis imaginar la emoción que supone para nosotros. Solo esperamos que de allí se vaya todo el mundo pensando que ha ocurrido algo único, y que fluya la energía en ambos sentidos.

P. ¿Alguna sorpresa que tengáis pensada y se pueda avanzar?, ¿o es alto secreto?

SF. Contaremos con las colaboraciones de Miguel (Maga) y de Alejandro (Izal), además de tener un espectáculo de luces exclusivo para la ocasión.


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