Le Voyeur: “Episodio aparentemente letal surge desde un proceso de cambio creativo”

Justo en el ecuadro de la gira, Le Voyeur regresa mañana a la Sala El Sol, con su álbum “Episodio Aparentemente Letal”. Un tour que, lejos de parar, llevará a la banda fuera de España. Londres y Bristol se alzan como las dos principales ciudades extranjeras. ¡Así que, muy atentos por si pasan por vuestra zona!

He leído que “Le Voyeur es la transformación de un proyecto previo en una piel contemporánea”. ¿Creéis que lo ha sido?, ¿de qué manera?

Le Voyeur viene de Le Voyeur Méndez, un proyecto que nace en 2009 cuando llamo a Nacho Mastretta para ir a grabar unas canciones mías a Liverpool. Más concretamente, en LIPA, la escuela-estudio de grabación de Paul McCartney. Desde ese momento hasta hoy hemos mudado de piel unas cuantas veces. Desde un punto de vista estilístico, que ahora se encuadra en un forma de Art Rock, hasta el concepto que venía del cabaret se ha ido transformando hacia un tipo de vanguardia más experimental, pero siempre desde el rock.

¿Cómo surge “Episodio Aparentemente Letal”?

Surge desde un proceso de cambio creativo, cuando estaba componiendo canciones nuevas, apareció el elemento trágico. Fin de año de 2015, punto de inflexión. El mayor susto de mi vida. “Episodio Aparentemente Letal” tiene que ver con el efecto reflejo de una luz que desaparece y vuelve a encenderse a lo lejos.

Tarea de síntesis: ¿cómo definiríais el álbum en 2-3 palabras?

Viaje-Oscuridad-Luz

He leído lo siguiente: “Episodio Aparentemente Letal también es el diagnóstico clínico pediátrico de una muerte súbita no consumada”. ¿Por qué?

Porque como te decía es un lugar donde volver empezar. Para mí, “Episodio Aparentemente Letal” ha sido una resurreción tanto vital como creativa.

Este disco lleva en la calle varios meses, ¿cómo ha sido la acogida?, ¿qué valoraciones sobre él os han llegado?

La verdad es que estamos muy contentos con el feedback que está teniendo “Episodio Aparentemente Letal”. Es nuestro primer LP como Le Voyeur y está funcionando mucho mejor de lo que podríamos imaginarnos. Es un disco que tiene 6 meses de vida y no para de darnos alegrías. Por un lado, en este corto tiempo que llevamos en la carretera habremos hecho unos 30 o 40 conciertos, entre los que se encuentran festivales como Monkey Week, Festimad, Festival Somos Estrellas, etc..Y ahora tenemos por delante de momento, otros de 30 conciertos, entre ellos una gira por UK y otra por Portugal. Además de varios festivales confirmados, que anunciaremos en breve.

Por otro lado, la crítica especializada nos ha puesto por las nubes, desde Rockdelux a Radio 3 pasando por Mondosonoro. Es la recompensa a un disco hecho con una inmensa dedicación.

¿Cómo ha cambiado el escenario musical desde que empezasteis hasta ahora?

Pues mucho. Ahora mismo estamos en la época del consumo urgente. En la velocidad de los jardines. En la democratización de la información, que a través de las redes sociales sirven de confesionario y, a la vez, de altavoz distorsionado de la moral del día a día. Hoy hay más censura que nunca, aunque sea invisible. Y todo esto afecta directamente al arte y, más concretamente, a la música.

¿Qué valoración hacéis de vuestra carrera?

Hoy en día la mayoría de las carreras artísticas profesionales se van cocinando a fuego lento. Viendo resultados a medio-largo plazo. Siempre me hacen sospechar más que bastante los artistas que con un disco o dos tocan el Olimpo de los Dioses.

¿No creéis que es arriesgado hacer punk / rock en España?

No lo creo, desde mi punto de vista creo que hacer punk, rock, swing o electrónica es lo mismo, al final son géneros artísticos. Lo importante son las canciones  que hay detrás de los estilos y su transcendencia. Claro que hay modas, pero las modas son pasajeras. Como ir a rezarle a la Virgen del Trap todos los domingos.

Siguientes pasos de Le Voyeur. ¿Cómo afrontáis las fechas fuera de España?

Con muchas ganas y la ilusión que te permite viajar por el mundo enseñando tus canciones. Ahora tenemos dos festivales en Inglaterra: Festival Garageland en Londres (8.Dic) y Old England Fest (9.Dic) en Bristol. Después en febrero tenemos gira por Portugal y, más adelante, volveremos a Alemania y Holanda.

¿Qué supone para vosotros actuar en la Sala El Sol, el próximo 5 de diciembre?, ¿cómo es volver y tocar allí?

La Sala el Sol es nuestro templo sagrado. Allí presentamos el disco en Mayo, y se convirtió en una liturgia de rock que nadie debería de perderse. Una catarsis mística y distópica desde el Rock&Rolll. El próximo Martes 5 de Diciembre volvemos a nuestro templo sagrado con muchas sorpresas. No podéis faltar.

Para cerrar la entrevista: ¿qué música suena, cuando Le Voyeur está de gira?

Nick Cave & The Bad Seeds, Fat White Family, Serge Gainsbourg, Tom Waits, Django Reindhart, Swans, Leonard Cohen, Scott Walker, Tindersticks, Pulp, Richard Hawley, etc…Depende del día y del lugar a donde vayamos a tocar. Incluso la lluvia influye.


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Edu Quindós: «Even nace de mi incontinencia creativa»

Edu Quindós regresa con nuevo trabajo, «Even». Con una energía e inspiración desbordantes, el barcelonés vuelve por todo lo alto, siguiendo la misma línea de sus discos anteriores. La vida cotidiana, las relaciones interpersonales, el amor y el desamor vuelven a convertirse en el hilo conductor de este cuarto trabajo. Solo queda volverlo a ver girar con «Even» por territorio nacional, igual que hizo con «Still Believe».

¿Cómo nace este cuarto álbum?

De mi incontinencia creativa. Lo cierto es que de los 15 temas, 13 de ellos creo recordar nacieron entre marzo y abril de este 2017. Así que, a diferencia de los primeros discos, en «Even» las canciones han llegado mucho más rápido, lo cual me hace muy feliz, y más escuchando el resultado.

¿Por qué «Even»?

Es uno de los temas del disco. No diré mi preferido, porque si no el resto de canciones se ponen celosonas, pero sí que es verdad que cuando me llegó la idea, ya tenía claro que iba a ser una canción muy grande e intensa. Even es la primera palabra de la canción y surgió ya directamente cuando empecé a cantar la melodía, aún sin letra, como de costumbre. Me gusta que mis discos tengan un título que evoque algo y, sí, ese incluso tiene varios significados. Aquí lo dejo para la imaginación de los que lo oigan.

¿Cómo definirías el disco en dos o tres palabras?

Sencillo, bello e intenso.

¿De qué manera has evolucionado desde los trabajos anteriores hasta el actual?

Creo que «Even» es una prolongación de los temas más tranquilos de «Still Believe». Desde que, por temas económicos, decidí hacer discos con menos producción (o menos instrumentos principales), mis temas respiran sosiego y a la vez, me permiten jugar cada vez más con mi voz. Son temas sencillos, algunos solo tienen dos acordes, pero con los músicos les sacamos mil matices que creo que los hacen realmente enormes. Yo los disfruto mucho, tanto cuando los creé y grabé como ahora cuando los escucho.

Hace apenas un año publicaste «Still Believe» y ahora, «Even». ¿Cómo gestionar y encauzar tanta creatividad?

Bueno, «Still Believe» vio la luz a mediados de 2016, pero yo lo había acabado de grabar, mezclar y masterizar sobre octubre de 2015, así que para mí, hace mucho más tiempo que no componía. De todos modos, las canciones me vienen, o al menos las ideas que luego pueden convertirse en ellas. La clave está en no «gestionar», si no en dejar fluir, que vengan y cuantas más mejor. En octubre de este año grabé las primeras ideas de aproximadamente 20 nuevas posibles canciones. Son todo ideas, acordes rascados con una melodía sin letra. Si tuviera pasta o si supiera que mis discos se pudieran autofinanciar con las ventas, posiblemente estaría grabando un disco cada seis meses. No digo que todas las canciones fueran buenas para los oyentes, pero sin duda lo serían para mí, si no, no las grabo.

¿Y qué hacer si en algún momento esta creatividad o inspiración te fallan?

Espero no tener que decírtelo nunca, de momento, no fallan [risas].

¿Por qué hablar en las canciones de lo cotidiano, del amor y el desamor, de la amistad o del pasado?

Porque así siento mi vida, cotidiana, con amor y desamor, con amistad y pasado. Es cierto que «Your Side» de «Even» tiene otra temática, que es la de vivir sin meternos en las vidas de los demás. O por ejemplo, «Fairy of Dreams» habla de un hada de los sueños y de su mágico baile. O «Still Believe» que sí era un poco más reivindicativa. Al final, son temas que me son cercanos, no soy un revolucionario ni un filósofo, soy simplemente, un músico al que le gusta hacer música.

Sobre «Even» dices lo siguiente: «Es un disco para escuchar con atención, en soledad, para disfrutarlo durante los casi 60 minutos que dura». ¿Por qué?

En el estudio, La Bucbonera Studio, Tomàs Robisco (ingeniero de sonido y responsable del sonido de mis discos), Luis Robisco (guitarrista y co-arreglista) y yo, dedicamos muchas horas a buscar los sonidos más adecuados, cambiando 3 o 4 veces de guitarra y de ampli para conseguir el sonido, mimando los coros o los arreglos de la flauta, el violín, el cello, la percusión. Es por eso que hay que escuchar mis canciones con calma, sin prisa, sin ruido, disfrutando de los matices. Ya habrá tiempo de escucharlo mal, en los altavoces del ordenador o en lugares con ruido, pero al menos una vez intenta disfrutarlo.

¿Cómo fue repetir experiencia en Bucbonera Studios?

Estupenda, como siempre y con ganas de más. Disfruto como un enano pasando mis vacaciones allí (grabo mis discos en mis periodos vacacionales). Me encantaría pasar más tiempo, dar más vueltas a todo, pero no puede ser. Lo que conseguimos allí, bueno, escuchad cómo suenan mis discos y que cada uno juzgue si vale la pena o no. Yo estoy convencido de que sí. Por eso repito y seguiré repitiendo.

¿Cómo fue la presentación del disco en tu tierra, Barcelona?

Hice una mini-presentación en un teatro, en el Centre Moral i Instructiu de Gràcia, que me vio nacer como músico. Allí empecé a ensayar con 17 o 18 años, junto a mi amigo José Antonio Torralba. El concierto lo hice acompañado por Luis Robisco y subieron Laura Soler a cantar «New Bright World» (ella también la canta en mi disco «Still Believe»), y Torri (JA Torralba) subió también a tocar «Gave Me a Reason». Disfruté, como siempre, durante las casi dos horas. Es muy complicado, ahora mismo, hacer un repertorio corto con 59 temas editados más alguna versión que me gusta hacer. Siempre que pueda y me lo permitan, cantaré un buen rato.

¿Cómo surge la idea de proyectar la grabación en una pantalla de cine?

Tiene que ver con lo que comentaba de poder disfrutar, al menos una vez, del disco en condiciones. Voy mucho al cine, una o dos veces a la semana mínimo, y había grabado con un par de cámaras casi todo el proceso de grabación de todos los músicos (unas 44 horas). Así que se me ocurrió que una buena manera de ver y escuchar el disco sería un cine. Monté un vídeo entero donde se podía ver a cada músico tocar en las canciones correspondientes y con el sonido del propio álbum pudimos vivir una experiencia única. Una idea que repetiré y que creo que más músicos deberían probar. La sensación de estar a oscuras, sin móvil, sin ruido, solo pendiente de la pantalla y el audio es una pasada. El pase fue en los Cinemas Texas de Barcelona.

Siguientes pasos de Edu Quindós.

Pues ya estoy componiendo para los próximos discos, pero debería intentar ir haciendo pequeños conciertos para seguir dándome a conocer más. Me gustaría pasarme por Madrid a presentar «Even», pero tengo que ver si es viable.

Para finalizar la entrevista: ¿qué suena en el coche de Edu cuando está de gira?

Si es la radio, escucho Rock FM y M80. Llevo un tiempo con el CD del coche estropeado (es un coche viejete), pero si la música la elijo yo están siempre QUEEN y AC/DC, aparte de muchos otros, principalmente de los 70 y 80. Y, por supuesto, mis discos, me gusta escucharlo a menudo. Sí, sé que suena un pelín egocéntrico, pero vaya, si no me gustara escuchar mis canciones, qué sentido tendría hacerlas.


Mezcalina Jones: «The Mential nace en el hospital Sound&Track. Queríamos un segundo hijo del que estar orgullosos»

Es uno de los grupos más prometedores del panorama emergente. Son puramente eléctricos, pero no le tienen ningún miedo al acústico. Y es que siempre hay lugar para el rock, ese rock que rompe cuerdas de guitarra y que llega, independientemente del formato. Son Mezcalina Jones. Y si el pasado 20 de octubre, los disfrutábamos en las Basik Sessions de Rock Alive, el próximo 15 de noviembre estarán en la Moby Dick. Siempre dispuestos, para presentar su álbum, «The Mential».

¿Cómo se conocen Matuja y Mind Control, y cómo crean Mezcalina Jones?

Mezcalina Jones es una historia de amor.  Nos conocimos a raíz de compartir local de ensayo, el mismo local donde hoy ensayamos a día de hoy. A Mind Control le gustaba la música de Matuja y a Matuja le gustaba la música de Mind Control. Así que decidimos empezar a quedar para tocar de un modo informal para poner en común lo mejor de cada proyecto. Un poco de unos, un poco de otros y el cariño que teníamos todos hacia Mars Volta dieron lugar a un proyecto ambicioso y consolidado: Mezcalina Jones

Lleváis un año como grupo, pero venís de otras formaciones. Ventajas e inconvenientes que encontrasteis cuando empezasteis de cero con Mezcalina.

La principal ventaja es saber de antemano cuáles son los pasos a seguir para hacer que todo funcione lo mejor posible. Saber qué hiciste bien para seguir en esa línea y saber qué hiciste mal para corregir los fallos. Lo más complicado es, creemos, una vez tienes el proyecto encaminado y tu música tiene una identidad propia (algo que creemos que hemos definido con este segundo trabajo) es «asomar la cabeza», no quedar atascado en la etiqueta de grupo local del underground madrileño. Estamos trabajando en ello.

¿Qué balance hacéis de vuestra trayectoria como Mezcalina Jones?

Empezamos con mucha fuerza y muchas ganas y tuvimos unos primeros meses buenísimos, todo estaba funcionando como lo habíamos pensado. Por desgracia, en ese punto nos dejó Bob, nuestro primer bajista, y nos vimos obligados a bajar el ritmo hasta que conseguimos dar con la persona adecuada. Mezcalina fue un trío durante cuatro largos meses hasta que conocimos a Andrés, que trabajó como nadie para ponerse al día con los temas y ser uno más en un tiempo récord. Hemos vuelto a retomar la dirección del proyecto.

¿No es una apuesta arriesgada hacer rock duro / progresivo en España, teniendo en cuenta la cantidad de música comercial que se consume?

Sí, lo es. Hacemos una música muy loca, aparentemente sin estructura a veces y con unos cambios de dinámica que descolocan al oyente medio, es cierto. Somos conscientes de lo arriesgado que es apostar por un proyecto así. Pero cada vez que vemos que un grupo que nos gusta ha cambiado su forma de componer para adaptarse al mercado pensamos: «qué pena, con lo que molaba este grupo antes»; nos reafirmamos. El verdadero reto es conseguir triunfar con lo que de verdad amas. Y nos encantan los retos.

¿Qué pensáis de la música indie, que tanto éxito está teniendo en la actualidad?

Nos encanta. Nosotros hacemos Hard – Indie – Progresivo Experimental.

Si falla la inspiración, ¿dónde acudir?

Si tuviera que escoger una de las cosas que me devuelven la inspiración diría, viajar. ¿A dónde? A algún sitio que no conozcan a ser posible. Algunas de las canciones de «The Mential» se compusieron en Taiwan.

¿Qué música suena en vuestro coche cuando viajáis?

Hinds, Julio Iglesias, Taburete. Nos gusta estar al día de las novedades del indie español.

Aprovechando su visita reciente a Madrid, ¿qué canción de Royal Blood definiría mejor a Mezcalina Jones?

«Out of the black». De siempre.

¿Cómo nace este último trabajo, «The Mential»?

Por cesárea, en el hospital Sound & Track de Madrid, traído al mundo por Guillermo Montañez. Queríamos un segundo hijo del que estar verdaderamente orgullosos, que fuera más directo, más representativo de lo que es un concierto de Mezcalina Jones y que tuviera un sonido acojonante. Creemos haberlo educado adecuadamente.

Definición del EP en 2 o 3 palabras.

HOLY SHIT BOOOOOOM

¿Con qué canción del disco os quedaríais?

«Tlalcoyote» es nuestro single y es la más directa de todas. Pero si tuviéramos que elegir una de la que no desprendernos nunca creo que sería «Tectonic Tongue».

He leído por vuestras redes, que «The Mential» ha supuesto un exilio espiritual. ¿Por qué y hasta qué punto lo ha sido?

Estamos muy contentos con cómo se ha desarrollado el proceso de grabación y el resultado que hemos conseguido. Lo que comentábamos anteriormente. Es algo de lo que estamos verdaderamente orgullosos y que nos parece realmente representativo.

¿Cómo fue participar en las Basik Sessions de Rock Alive?

Estuvo de puta madre, hay que reconocerlo. Nos trataron genial y el público respondió como nunca. Fue una experiencia brutal tocar en un entorno tan inusual para más de 100 personas en formato acústico por primera vez.

¿De qué manera prepara un show acústico, una banda eléctrica como Mezcalina?

Con paciencia y saliva… Procuramos suavizar los temas sin que perdieran su esencia… pero luego fue inevitable perder las formas… Le dimos mucha caña, sabemos que no fue un concierto acústico al uso pero como decíamos, la gente respondió genial, nos sentimos verdaderamente arropados.

En las Basik, momento tensión tras romper la cuerda de la guitarra. ¿Recordáis algún momento similar o alguna situación en la que pensarais: tierra trágame?

Romper cuerdas forma parte de nuestra rutina el problema es que esta vez no había guitarra de repuesto…  Baquetas que vuelan, pedales que dejan de sonar, pies de micro que vuelan hacia el público… En nuestros conciertos pasan cosas pero las afrontamos con naturalidad [risas].

¿Cómo afrontáis el concierto de Moby Dick?

Tenemos unas ganas tremendas de enseñar a la gente cómo suena “The Mential” en directo… estamos deseando que llegue el día, trabajando en cosas nuevas para el show y dar un «twist» a algunas cosas.

¿Qué supone para vosotros compartir escenario con The Whammy Paradox?

Son compañeros y amigos desde hace muchos años, es un gusto compartir escenario en una fecha tan especial con alguien de confianza.

Siguientes pasos de Mezcalina Jones.

Para saberlos tendréis que seguirnos en nuestras redes sociales o no quitar ojo, ¡pronto los revelaremos!


Sienna: «Trágico y Fugaz es crítica, sexo y relaciones»

Es joven, aunque a sus espaldas lleva ya un trabajo publicado. Con apenas 25 años, Sienna llega a Madrid, con la clara intención de hacernos sentir muy adentro su «Trágico y fugaz». Esta noche a las 21.00 horas, en Costello Club, el valenciano presentará este nuevo disco.

¿Cómo nace «Trágico y fugaz»?

«Trágico y fugaz» nace de un EP anterior, que se llama «Épico y Mortal». Este EP surgió durante la etapa en la que vivía en Madrid. Pero en este trabajo no había ninguna canción que se llamara «Épico y Mortal», pues para mí no había llegado todavía el tema más épico. Sin embargo, cuando lo compuse, estaba tan alejado de ese EP anterior, que para mí ya formaba parte de una nueva aventura, llamada «Trágico y Fugaz». Fue entonces cuando empecé a sacar más canciones del cajón y empecé a vivir ese proceso de introspección que supone la creación de un nuevo trabajo.

¿Cómo vivir ese proceso de introspección del que hablas y dónde acudir cuando la inspiración falla, a la hora de componer?

Creo que lo más importante a la hora de componer, es encontrarte a ti mismo. A mí me costó mucho. A ver, tengo 25 años y todavía no sé quién soy, ni hacia dónde voy. Pero sí que es verdad que tiempo atrás, todavía sabía menos lo que quería y cómo lo quería. Así que en ese proceso de introspección, hay que buscarse mucho dentro, conocerse y aprovechar el error, sobre todo. A partir de este momento, todo fue más fluido.

Una vez viviendo en Madrid, llamé a mi familia porque me sentía perdido. Pero al final, me di cuenta de que si entre dos opciones, eliges la más fácil, nunca vas a hacer lo que quieres. Por eso volví con más fuerza que nunca y con las cosas más claras: quería seguir con el proyecto y quería crear una imagen fuerte como Sienna.

¿Dónde está, entonces, la frontera entre Sienna y Álex?

Yo creo que no la hay. Sin música, yo no sería como soy, ni tendría el carácter que tengo. Pero sí que es cierto que para este proyecto, quise eliminar el Álex y ser Sienna. Quería que el público viera que la obra tiene un principio y un fin, sin que visualizaran al cantautor que está detrás. En definitiva, que no vieran si detrás hay banda o no. Que simplemente entendieran la música como una obra en sí misma.

Definición de «Trágico y Fugaz» en dos o tres palabras.

Crítica, sexo y relaciones.

¿Etiquetar o no la música?

No, no soy partidario de hacerlo. Es el típico tópico. Pero es lo que hemos hecho con este disco, quitar el Álex para que la gente no etiquete, sino para que vea la obra en sí misma. Evidentemente, a veces las etiquetas son necesarias y el ser humano tiende a clasificar absolutamente todo.

Aun así, han «clasificado» tu música como indie-pop. ¿Qué piensas de la escena indie actual?

Creo que se ha extrapolado mucho. ¿Qué es indie y qué no lo es? Al final, o te mola o no te mola: ya sea pop, heavy, rock o lo que sea. Y la música que está hecha con calidad, mola.

También han dicho que este disco desprende «sensibilidad, poesía y talento». ¿Qué piensas de esta afirmación?

Hablar de uno mismo cuesta mucho. Sensibilidad sí que hay, porque ese es el resultado de hacer las cosas sintiéndolas. En cuanto a la poesía, no sé qué entenderán por eso, pero este disco se ha hecho sin pretensiones.

¿Cómo fue la experiencia de compartir uno de los temas con Gabriel de la Rosa, de Shinova?

Fue genial, aunque no llegamos a coincidir en la grabación. El tema se grabó inicialmente con mi voz, sin colaboración. Pero después, a través de la discográfica, se dio la oportunidad de hacerlo con Gabriel de Shinova. Él ya conocía mis temas, los seguía por Spotify. Por supuesto, dije que sí sin pensármelo, porque creo que tiene una voz muy particular y con mucha personalidad.

Tras los primeros contactos con él, le pasamos la armonía y los detalles de cómo queríamos la canción, y lo pilló enseguida. Y cuando nos pasó su parte, la grabamos.

Ahora estamos deseando juntarnos los dos encima del escenario.

A nivel de escuchas, el disco ha sido una auténtica revolución en Spotify. ¿Qué supone para ti esta noticia?

Fue brutal, porque hace nada llevábamos 10.000 oyentes mensuales. Y ahora tenemos unos 17.000. Recibo menciones de gente que no conozco, con mensajes muy positivos. Es un impulso, realmente. Por eso es importante seguir trabajando y que las escuchas crezcan. Ahora somos unos desconocidos y estamos en proceso de crecimiento.

¿Cómo afrontas la presentación de esta noche?

Con nervio, con responsabilidad y con ganas de hacer las cosas bien. Al final estás muy expuesto a la crítica y a la opinión, no solo de los medios. Y obviamente, quieres que el disco esté bien llevado al directo: que sea dinámico, que tenga fluctuaciones. Hay que llevar esa magia de la composición al directo.

Siguientes pasos de Sienna, tras la presentación de hoy.

Estamos cerrando fechas en Barcelona, Bilbao, Mallorca. Seguramente también hagamos el ciclo de FNAC. Pero todo ello está todavía por confirmar.

Por cerrar la entrevista: ¿qué artistas suenan en tu coche cuando estás de gira?

Principalmente, los siguientes: James Vincent McMorrow, Matt Corby, Vetusta Morla, Carmen Boza, Miss Caffeína, Supersubmarina, Siloé o Shinova, entre otros.


The Excitements regresa a Madrid con su explosivo cocktail de soul y R&B

La enérgica banda llena-pistas de Barcelona, The Excitements regresa a Madrid dentro de su actual tour nacional y recién llegada de Canadá para ofrecer su arrollador directo y su explosiva propuesta de soul y R&B con su último trabajo Breaking The Rule. El concierto, toda una invitación al baile y a poner patas arriba la pista, será este próximo viernes 20 de octubre en la mítica sala El Sol y está enmarcado en el Ciclo Espíritu de Rock N Roll. La misma noche habrá dos shows. La infalible propuesta de The Excitements contrastará con el sonido country-folk de Henry Lee Schmidt. Las entradas  están disponibles en Ticketbell.

The Excitements by Ran El Cabrera

El vertiginoso grupo The Excitements, liderado por el carisma y la espectacular voz de la sister soul Koko Jean Davis, acercará a El Sol la furia de su último y exitoso álbum, el citado Breaking The Rule, una directísima invitación a desgastar zapatillas con metales enloquecidos, guitarras desbocadas y un ritmo frenético que ha obtenido reconocimiento en no pocos países del mundo. Este es el tercer trabajo de la que está considerada como una de las mejores bandas de soul y R&B de la actualidad. La fiesta en el Ciclo Espíritu de Rock N Roll está más que garantizada.

Henry Lee Schmidt adelantará en esta noche de doble show su inédito pero inminente trabajo A Quiet Man, su segundo álbum después de In The Wrong Country, grabado en directo y con más mala leche que nunca. El cantante de country-folk abrirá la fiesta del 20 de octubre con un formato de trío clásico de bluegrass, con violín, contrabajo, guitarra y coros y con un directo donde, igualmente, se masca la furia. Henry Lee construye su propio sonido, único y personal, en base a su particular forma de ver la vida. Las letras que canta están llenas de decepción hacia las personas, hacia los mitos y hacia la industria de la música.

DADDY LONG LEGS Y DOGO

El Ciclo Espíritu de Rock N Roll continuará hasta el 16 de diciembre, cuando el regreso a los escenarios del mítico Dogo justo cuando se cumplen 30 años de su primer disco Ansia ponga el broche de oro a este cartel en la sala El Sol. Diego Fuentes (Dogo) ha reunido para la ocasión a miembros de Señor No y Kurt Baker Combo, una banda con la que dará brillo a lo mejor de su repertorio. La clausura del ciclo contará también con los voraces Aullido Atómico, que abrirán la noche presentando su nuevo lp Decadencia. Pero antes de la fiesta final, el 7 de noviembre llegará a la sala El Sol Daddy Long Legs y su sucio rock and roll deudor de la filosofía Norton Records. Será la presentación en España del tercer disco de estudio de este trío de Nueva York, un trabajo que llega a las vísceras.

Este ciclo de rock, soul, blues, country y R&B comenzó el pasado 16 de septiembre y ha contado ya con nombres como el laureado bluesman John Nemeth, el cantante y pianista de boogie-woogie Mike Sanchez o el pionero espectáculo de burlesque y rock and roll de Evil Evil Girrrls and The Malvados. El ciclo Espíritu de Rock N Roll llega de la mano del programa de radio Espíritu de Rock N Roll y sirve para celebrar, con 6 jornadas, los 6 años en antena y el inicio de su nueva temporada desde el Círculo de Bellas Artes.


Fran Guirao (Second): «Viaje iniciático es el disco que más nos ha permitido tocar»

Hace dos años, Second iniciaron un viaje que este año, llega a su fin. Con «Viaje iniciático» han llenado salas y festivales de todo el país. Pero tras dos décadas de carrera y unos doce años de giras prácticamente ininterrumpidas, llega el momento de parar y coger aire. No sin antes verlos hoy 19 y mañana 20, en la Joy Eslava (Madrid). Y por supuesto, no sin antes, hablar con Fran Guirao, batería de la banda.

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Ya han pasado dos años desde que publicasteis «Viaje iniciático». Analizando con perspectiva, ¿de qué manera os ha cambiado este trabajo?

Pues ha sido el disco que más nos ha permitido tocar (sobre todo en festivales), además de tener una mayor repercusión e importancia tanto a nivel de crítica como de público.

Alrededor de 12 años, casi ininterrumpidos, girando por salas y festivales. ¿Cómo aguantar durante tanto tiempo sobre los escenarios? 

Somos animales de escenario y nos encanta la comunión que se crea entre el público y nosotros, estamos muy enganchados a esto, lo vamos a echar mucho de menos durante este periodo de parón.

Habéis anunciado que el parón será de, al menos, un año. ¿Momento para parar y coger aire, o podremos también escuchar material nuevo?

La idea es concentrarse completamente en la composición y grabación de nuevos temas, así que probablemente iremos adelantando algo de este material conforme vayan pasando los meses.

Tras siete álbumes de estudio y dos décadas de trabajo, ¿qué balance hacéis de vuestra carrera?

El balance es muy positivo, hemos ido dando pequeños pasos a lo largo de tantos años, pero siempre en sentido ascendente, actualmente podemos decir que  estamos en el mejor momento de nuestra carrera.

¿Cuál es el secreto para seguir al pie del cañón después de tantos años?

Supongo que es cuestión de las ganas que ponemos en este proyecto, y que nos hace acometer nuevos retos  a cada paso que damos. Nos sentimos unos privilegiados al poder dedicarnos a la música, lo cual nos hace ser muy currantes en todo lo relacionado al grupo.

¿Cómo ha evolucionado el escenario «indie» desde que empezasteis en el mundo de la música?

Afortunadamente a lo largo de los últimos casi 20 años, se ha multiplicado tanto el número de personas que escuchan a bandas como la nuestra, como los festivales de este tipo de música. Era de justicia que este tipo de grupos cuya creación se mueve más por criterios musicales y artísticos (en contraposición a toda la morralla comercial), fueran consiguiendo cada vez más adeptos.

¿Con qué canción vuestra os quedaríais? 

Yo en particular me quedo con «Más Suerte», todavía me sigue emocionando cada vez que la tocamos en directo.

¿Second es más de salas o de festivales?

La verdad que disfruto ambas cosas, aunque si tuviera que elegir, me quedaría con la proximidad y la intimidad que se suele crear con el público en las salas.

Este «Viaje Iniciático» está llegando a su fin. ¿Cómo afrontáis este final?

Felices por todo lo vivido y lo que nos ha ofrecido esta gira, emocionados al poder cumplir el sueño de tocar con la orquesta sinfónica de la Región de Murcia en los dos últimos conciertos y con cierta melancolía al saber que echaremos de menos todas estas experiencias durante nuestro parón.

¿Qué ha significado para vosotros, colgar el cartel de «sold out» en lugares como Madrid, y tener que abrir una segunda fecha?

Madrid siempre es una de las fechas más importantes en nuestra gira, por lo que colgar «sold out» y tener que abrir una segunda fecha nos produce una alegría inmensa y nos inyecta mucha energía para afrontar estos conciertos. Además estos dos conciertos tendrán un repertorio distinto donde rescataremos temas antiguos que han votado nuestros seguidores por las redes.

¿Qué supone cerrar la gira en vuestra tierra, Murcia?

Cerrar en casa y acompañados por la orquesta sinfónica de nuestra región , es un sueño cumplido. Llevábamos cerca de 3 años en conversaciones y gestando este proyecto hasta que finalmente las circunstancias y las agendas lo han hecho posible. Están siendo días de mucho trabajo, pero estamos completamente emocionados escuchando todos los arreglos y viendo como nuestras canciones van tomando una dimensión totalmente nueva. Vamos a disfrutar cada segundo de estos conciertos.

Para cerrar la entrevista, ¿qué canciones de otras bandas o artistas, no faltan cuando estáis de gira?

Yo particularmente en los últimos viajes he estado escuchando mucho a Viva Suecia (que son paisanos y lo hacen francamente bien) y lo último de The National.


Stormy Mondays: «Suitcase Full Of Dreams nace como Alicia en el País de las Maravillas»

Quién iba a decirle hace unos años a Jorge Otero, Pablo A. Bertrand, Dani Menéndez, Danny Montgomery y Rafa Sánchez, que su música acabaría sonando en el espacio. Mucho ha cambiado todo desde entonces, lo que parece seguir igual, es el enorme trabajo que hacen estos músicos, al frente de Stormy Mondays. A punto de acabar el año 2017, los asturianos presentan nuevo disco, «Suitcase Full Of Dreams».

¿Cómo nace Suitcase Full Of Dreams?

Como Alicia en el País de las Maravillas: comenzamos en el principio, y cuando llegamos al final, paramos.

¿Cómo ha sido grabarlo de principio a fin en vuestro propio estudio?, ¿qué ha supuesto para vosotros?

Lo hemos disfrutado mucho, tenemos un estudio fantástico y yo tenía muchas ganas de encargarme de principio a fin de todo. El estudio propio es siempre un arma de doble filo: se trabaja muy a gusto, pero acabas tardando muchísimo más de lo que pensabas en acabar el trabajo.

¿Por qué innovar en el formato y publicar el CD + vinilo en uno?

Descubrimos que existía el formato, que apenas había sido utilizado en el mundo, y que la fábrica tenía un representante en Asturias. No podíamos perder esa oportunidad.

¿Qué ha supuesto para vosotros ser pioneros en este aspecto?

Como todo lo que hacemos, lo hacemos porque nos gusta a nosotros, y con el deseo de que guste a más gente. Nos alegramos de haber podido fabricar un artefacto que sea digno de hacerle un hueco en la estantería.

¿Por qué limitar tanto la edición, y publicar tan solo 500 ejemplares?

Es una forma más de hacerlo especial. Me ha tocado numerar los 500 ejemplares a mano, así que a punto estuve de arrepentirme de la idea…

Suenan varios estilos en este álbum: Rock, Folk Rock, Americana y Soul. ¿Una manerade huir de las etiquetas o de buscar un sonido propio?

En realidad es la mejor forma que se nos ocurre para etiquetar lo que creemos que es un sonido propio, enmarcado en esos estilos.

¿Por qué abrir con un tema cantado en inglés y asturiano?, ¿cómo surge?

Es una idea que ya teníamos para el anterior disco, pero no teníamos la canción adecuada. Lo importante de estas cosas es que fluyan de forma natural, y con “Suitcase Full Of Dreams” vimos que eso ocurría. Según nos dicen, es la primera canción que se publica combinando estos dos idiomas, pensábamos que ya lo habría hecho alguien más, pero no.

Afirmáis lo siguiente: “No hacemos comida rápida; nuestra música está cocinada a fuego lento”. Sin embargo, éste es el décimoquinto álbum de vuestra carrera. ¿Cómo habéis evolucionado vosotros?, ¿ha cambiado algo en vuestra manera de hacer y concebir la música?

Hacemos la música que nos gustaría escuchar a nosotros. Eso no ha cambiado desde el primer disco. Nos gusta la música hecha por personas y no por máquinas, nos gusta tocar juntos en el estudio.

Por tanto, ¿qué balance hacéis de vuestra carrera?

Dicen que los éxitos repentinos requieren años de preparación. No sé si llegará el éxito repentino, pero el camino que hemos recorrido ha sido fantástico. No lo cambiaría por el éxito comercial.

Importancia del diseño de la portada, en la que aparece un Cadillac del 55, que perteneció a Ava Gardner.

Nos gusta que los discos sigan siendo objetos físicos, nos gusta tenerlos en la mano, admirar las portadas. Nos enteramos de que este coche estaba en Asturias y supimos que debía estar en nuestra portada. Nuestro fotógrafo de siempre, Carlos Garna, hizo un trabajo estupendo, una vez más.

¿Cómo fue el trabajo de masterización en Londres?

En esta ocasión fue especialmente interesante, ya que pudimos escuchar nuestro trabajo con Tim Young, en sus altavoces de casi dos metros de altura, y ver que realmente sonaba muy bien. Fue la prueba de fuego de nuestro estudio. A Tim le gustó mucho, salimos de allí encantados.

Volviendo un poco la vista atrás: ¿qué significó para vosotros que vuestra música llegara al espacio y cómo se dio dicha oportunidad?

Imagínate: ¡ser parte, aunque ínfima, de la carrera espacial! Nos enteramos de que la NASA convocaba un concurso para despertar a los astronautas del Endeavour con una canción. Se presentaron 1350 de todo el mundo, y acabamos ganando nosotros. ¡Increíble!

¿Siguientes pasos de Stormy Mondays?

Nos gustaría mucho presentar el disco en Madrid este invierno, a ver si se nos logra.

Para cerrar la entrevista: ¿qué canciones de otras bandas no faltan cuando viajáis y estáis de gira?

En nuestros conciertos siempre nos gusta tocar alguna versión. En los últimos años: Van Morrison, Beatles, Rolling Stones, Waterboys, Dan Baird, Tom Petty.


‘Quinto Elemento’, nuevo álbum de Tierra Santa

‘Quinto Elemento’ es el nuevo trabajo discográfico de Tierra Santa, un esperado álbum compuesto por diez canciones, firmadas por Ángel San Juan. Una obra espectacular cuyo arte gráfico anticipa un contenido musical que no atiende a engaños y cuyo valor principal es la búsqueda de nuevos horizontes sin alejarse del camino ya recorrido, reafirmando sus firmes y profundas raíces.

Tierra Santa

Este disco supone el undécimo lanzamiento de estudio del combo riojano. Ha sido grabado y mezclado en los estudios Sonido XXI por Javier San Martín y posteriormente masterizado en Crossfade Mastering por Enrique Soriano. La producción ha corrido a cargo del propio Ángel San Juan, junto a Javier San Martín. Todo ello, bajo el amparo de Maldito Records y su oficina de contratación Wilma Producciones.

Una nueva entrega de Tierra Santa que contiene todo aquello que estábamos esperando. Desde la épica tan genuina y poderosa que encontramos en cortes como ‘Caín’ y ‘Moby Dick’ hasta la áspera sinceridad de ‘Hombres sin Tierra’, ‘Lodo’, ‘Revolución’ y ‘De la Calle al Cielo’. Temas que mantienen la personalidad de su inconfundible sonido: sólido y temperado. Sonido que se manifiesta descaradamente en temas como ‘Entre el Bien y el Mal’, ‘Fuego en el Paraíso’, ‘Donde Moran los Malditos’ y la homónima ‘Quinto Elemento’.

En la gestación de ‘Quinto Elemento’ han contado con la especial colaboración de los músicos Eduardo Zamora (anterior miembro de Tierra Santa, guitarras en ‘Quinto Elemento’, ‘Donde Moran los Malditos’ y ‘Fuego en el Paraíso’), Juan Zagalaz (guitarras y arreglos en ‘De la Calle al Cielo’) y Dámaso Escauriaza (percusiones en ‘Hombres sin Tierra’). Un virtuoso trío que añade una dosis de excelencia a esta nueva grabación, cuyo resultado no ha podido ser más satisfactorio.

‘Quinto Elemento’ es la nueva tarjeta de presentación de una banda consagrada con más de veinte años de trayectoria, que no baja los brazos y que continúa evolucionando fiel a una filosofía basada en el trabajo duro, ofreciendo a propios y extraños lo mejor de sí mismos sin perder ni un ápice de su identidad.

La banda ya se encuentra firmando discos por toda España.

John Nemeth presenta en Madrid su nuevo álbum «Feelin’ Freaky»

El cantante y armonicista John Nemeth, considerado como una de las mejores voces de soul blues del mundo, presenta en Madrid su nuevo álbum Feelin’ Freaky, un disco con el que da un paso al frente y aplasta todas las barreras de género sumando sonidos como el funk o la psicodelia a sus influencias de soul, blues y R&B. Esta esperada presentación en la capital será el próximo 4 de octubre en la mítica sala El Sol, en un concierto enmarcado en el Ciclo Espíritu de Rock N Roll en el que el laureado bluesman estará rodeado de los músicos de The Blue Dreamers. Las entradas (13 euros en venta anticipada) están disponibles en Ticketbell.

El cantante y virtuoso de la armónica, premiado como mejor artista en los Blues Music Awards 2014, nominado para 6 Blues Music Award en 2015 o ganador del Premio Especial BB King Entertainer, entre otros reconocimientos, llegará desde el otro lado del charco para acercar el mejor blues de Memphis (Tennessee) y presentar estas nuevas once canciones originales y sorprendentes, personales como universales, que desafían todos los casilleros habituales y que están atadas con letras pensadas, que hablan de temas sociales como la violencia y los valores de clase y otras cuestiones como la sexualidad o la marihuana, con una visión humorística. El monstruo de la escena internacional John Nemeth mostrará en la sala El Sol esta obra maestra.

HASTA EL 16 DE DICIEMBRE

El Ciclo Espíritu de Rock N Roll comenzó el pasado 16 de septiembre y ha contado ya con artistas como el cantante y pianista de boogie-woogie Mike Sanchez o el pionero espectáculo de burlesque y rock and roll de Evil Evil Girrrls and The Malvados. Además del próximo concierto del 4 de octubre con John Nemeth and The Blue Dreamers, el ciclo continuará en la sala El Sol de Madrid hasta el 16 de diciembre con un cartel que abarca sonidos como el rock, el soul, el blues, el country o el R&B.

El 20 de octubre el público disfrutará de dos shows en la misma noche: la vertiginosa y enérgica propuesta de soul y R&B de la infalible banda barcelonesa The Excitements, que llegará después de haber girado por Canadá, contrastará con el sonido country-folk de Henry Lee Schmidt, que avanzará canciones de su nuevo álbum Quiet Man. El 7 de noviembre cogerán el testigo Daddy Long Legs y su sucio rock and roll deudor de la filosofía Norton Records. El trío de Nueva York llegará a El Sol para presentar en España su tercer disco de estudio, un trabajo que llega a las vísceras.

La clausura del Ciclo Espíritu del Rock N Roll, el 16 de diciembre, será por todo lo alto con los voraces Aullido Atómico presentando su nuevo lp Decadencia, que verá la luz en octubre de 2017, y, como colofón, el mítico Dogo en su regreso a los escenarios después de una temporada larga alejado de la escena musical. Se cumplen 30 años de su primer disco Ansia, cocinado con sus queridos Mercenarios, y por tal ocasión ha montado una banda reuniendo a miembros de Señor No y Kurt Baker Combo, con la que dará brillo a lo mejor de su repertorio.

El ciclo Espíritu de Rock N Roll llega de la mano del programa de radio Espíritu de Rock N Roll y sirve para celebrar, con 6 jornadas, los 6 años en antena y el inicio de su nueva temporada desde el Círculo de Bellas Artes.


ESPÍRITU DE ROCK N ROLL – 6 AÑOS DE RADIO

Sala El Sol (calle Jardines, 3 Madrid)

04 de octubre: John Nemeth and The Blue Dreamers

20 de octubre: The Excitements + Henry Lee Schmidt

07 de noviembre: Daddy Long Legs

16 de diciembre: Dogo + Aullido Atómico


Penny Necklace: «La Luz surge al fondo del túnel»

La vuelta de Penny Necklace tiene fecha. Este jueves 28 de septiembre, Odette SP regresa al frente del proyecto, con su nuevo trabajo: «La Luz». Un disco publicado por tercios, que será llevado al directo, en la Sala El Sol (Madrid). Llega el momento de sentir al completo «Cálidos», «Fríos»«Neutros».

¿Cómo nace «La Luz»?

«La Luz» surge al fondo del túnel. La realidad es que hace año y medio, casi muere el proyecto. Y el resurgir del mismo, supuso el nacimiento de este disco. Tras aquel momento de oscuridad casi absoluta, el nombre era perfecto.

Tras ese momento que comentas, en el que el proyecto casi muere, ¿cómo ha sido hacerse cargo de Penny Necklace?

Fue una apuesta personal y estoy feliz con ella. Anímicamente estoy contenta y tranquila, además de ilusionada y con fuerzas. Ahora estoy un poco expectante con el resultado de este disco, que ha sido producto de una sola cabeza. Queda esperar si genera el mismo interés.

¿Por qué la importancia de los colores?

Es una paranoia mía, bastante conceptual y abstracta. Cuando era joven hacía la canción, pero con el tiempo quise aportar algo distinto y lo hago al revés: capto ideas de cosas, que pueden llegar a ser canciones y voy creando del concepto hacia abajo.

Lo que me pasó con este trabajo, es que creé una tabla enorme y cada una de las ideas que anoté en el móvil, tenían una cantidad de características infinitas. Al final lo reduje todo al mínimo común múltiplo, que eran nueve colores, que sumados daban la luz blanca. Además, me servían para ponerle nombre a cosas más abstractas, que cada uno puede interpretar de una manera.

¿Cómo ha sido trabajar con Víctor Cabezuelo (Rufus T.Firefly) y Manuel Cabezalí (Havalina)?

Para mí, es la única forma de trabajo que conozco. Desde el anterior disco, Víctor fue el que me animó a trabajar con Manu. Es una manera fructífera de que un proyecto llegue a buen puerto. Aparte de que Víctor es muy buen músico y tiene ideas increíbles, es capaz de ensalzar todo lo que tú tienes, respetando siempre lo que eres. Saca lo mejor de ti en cada momento. Yo aprendo de mí misma, trabajando con él. Antes de sacar el disco, sabía que quería hacerlo con él, sino no habría tenido claro si sacarlo adelante. Así que para mí ha sido el aire.

¿Huir de las etiquetas y por qué?

Yo creo que no es huir de las etiquetas. La etiqueta que recoge lo que hago es pop. Aunque seguramente, la idea de pop que tiene la gente, no se corresponda con lo que va a oír con Penny Necklace. Las etiquetas están estereotipadas. Además, de que hay tantas, que al final lo mejor es pasar de todas ellas y sencillamente escuchar, si te gustan las canciones.

¿Cómo afrontas la presentación en la Sala El Sol?

Creo que va a ser algo muy guay. Estamos preparando todo para que quede lo más bonito y cuidado posible. Vamos a sr cinco músicos en el escenario. Yo seguramente no toque nada, me agarraré al micro y soltaré el alma por la boca. Va a ser muy especial.

Además, la salida de la última parte del disco, coincide con la presentación, ¿no?

Justo. Presentamos este mes «Neutros», el último tercio del disco. Y el día 28 de septiembre, será la primera vez que toquemos esa última parte en directo.

¿Cómo ha funcionado el publicar el disco por tercios?

En redes e internet, que es donde hemos ido publicando los fragmentos, los vídeos de «Cálidos» y «Fríos» funcionaron muy bien. El interés generado ha sido muy grande. Aunque «Fríos» ha sido el que ha tenido un pico mayor de escuchas: en apenas dos semanas, casi 9.000 reproducciones.

El publicarlo por fascículos, creo que ha hecho que la gente tenga varias oportunidades para prestar atención. Aunque el arranque fuerte será con la presentación, el próximo 28 de septiembre.

Canciones o discos que no falta de la playlist de Penny Necklace.

«Jagged Little Pill», de Alanis Morrissete.

« Echoes, Silence, Patience & Grace», de Foo Fighters.

«OK Computer», de Radiohead.

«Currents», de Tame Impala.


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